viernes, 31 de julio de 2009

HEARTBREAKER / LED ZEPPELIN



"Heartbreaker" es una canción de la banda britanica de hard-rock Led Zeppelin la cual fue grabada para el disco Led Zeppelin II editado en el año 1969.
El tema fue compuesto por los cuatro miembros de la banda mas Eddie Kramer, que era el ingeniero que les acompañaba. Fue grabada en los Estudio A&R de Nueva York. También pueden encontrarla en los discos BBC sessions y How the West Was Won.

Lo que mas destaca en esta canción es un repetitivo riff de guitarra, el cual se puede escuchar múltiples veces en distintas tonalidades así como un "magnifico" solo de guitarra. Éste comienza en un espacio de aproximadamente 45 segundos en los que el resto de componentes dejan de tocar y el gran guitarrista Jimmy Page interpreta de manera magistral rápidas secuencias de notas de la escala pentatónica de La menor.
Dicho solo contiene muchas de las características de estilo propias de éste guitarrista como licks rápidos de pentatónica o grandes bendings (estiramientos de las cuerdas). Dicho solo de guitarra ocupó el lugar número 16 en la lista de los 500 grandes solos de guitarra de todos los tiempos que publico la revista Rolling Stone. Su importancia en la canción es tal que fue grabado por separado y añadido posteriormente al resto de la canción.

Dado el gran éxito que obtuvo esta canción, el grupo la utilizaba en muchas ocasiones como apertura en sus conciertos para ganarse al publico de entrada con esta poderosa melodia.
De hecho es de las pocas canciones (junto a Comunication Breakdown) que siempre se mantuvo con el paso de los años en los recitales de la banda.

En las interpretaciones en vivo, Page solía encadenar Heartbreaker con otras canciones, como Boureé (una adaptación de la Suite para laúd nº 5 de Bach que realizó la banda Jethro Tull) , la popular Greensleeves una canción tradicional de folk inglés o The 59th Street Bridge Song (Feelin' Groovy), de Simon and Garfunkel.

Existe otra versión del tema, que fue interpretada en 1973 en el Madison Square Garden de Nueva York, que fue incluida para su película en directo llamada The Song Remains The Same. Esta versión fue posteriormente incluida en la versión remasterizada del film, que salió a la venta en el año 2007.

Cabe señalar que años despues, el "dedos locos" Page también reveló a la revista Guitar World que esta canción en general, y los solos a capella en particular, fueron sus primeras grabaciones bajo la experimentación de su famosa combinación Gibson Les Paul / Marshall Stack.

Ademas, como en esta grabación parece ser la única pista de Led Zeppelin en el que el bombo del baterista John Bonham se puso especialmente baja en la mezcla para dejar el sonido mas centrado en la guitarra.

Para finalizar, señalemos que la última interpretación de la canción con todos los integrantes de la banda, fue el 29 de junio de 1980 en Dinamarca.
Luego de la muerte del batero John Bonham, los miembros sobrevivientes tocaron Heartbreaker en un concierto conmemorando el 40º aniversario de Atlantic Records en 1988, en el Madison Square Garden con Jason Bonham, hijo de John Bonham, en la batería. Jimmy Page también tocó ese tema en la gira que realizo junto con el grupo The Black Crowes en 1999.

Esperamos que les guste el tema... nos vemos pronto!!

BONUS TRACK: EL STONE QUE BAILABA OTRO ESTILO DE BAILE


"Ya no estoy de acuerdo con los demás por lo que respecta a los discos que estamos grabando. No nos comunicamos musicalmente. La música de los Stones ya no es de mi gusto. El trabajo de Mick y Keith ha progresado por una tangente, al menos en mi opinión. Tengo el deseo de tocar mi propio estilo de música y no el de los demás, por mucho que estime sus conceptos musicales"
dijo Jones cuando para la grabación del disco "Let It Bleed" sus compañeros "Rolling Stones" le pidieron que ya no seria parte de la agrupación en 1969. Por aquel entonces Brian Jones, el llamativo guitarrista que se colocaba al lado de la bateria, pasaba por un cuadro de depresión que lo tuvo internado por varios días. Pero la timidez se le iba detras del escenario, especialmente en los estudios de grabación donde siempre creyó que la banda era suya: sabía más música que los otros, en escena se movía mejor que el tímido Jagger y arreglaba con los productores para cobrar más que el resto (y hasta para tener mejores habitaciones en los hoteles).

Un fanatico del jazz y del blues, de esa musica sacaba hasta su manera de tocar la guitarra pero ademas se dió el lujo en plena decada de los sesenta, antes del auge de la psicodelia y la experiemntación hindú y con drogas, de colocarle nuevos instrumentos al rock and roll. Jones no se quedaba ahí escuchando dos guitarras, un piano y una batería, sino que él experimentaba con instrumentos casi "sorprendentes" en la musica popular. Una marimba, una flauta traversa, oboe, tambura, sitar, arpa y hasta campanas tubulares eran usados en las grabaciones de los hits de los Stones.
Un musico llamativo, no tanto por las zancadas de Jagger o por los excesos de Richard, sino porque en el estudio de grabación lo transformaba en un laboratorio donde experimentaba toda clase de sonidos y tecnicas de producción.
No se sabe cuantos hijos dejó en Inglaterra pero si sabemos que escribia varias canciones las cuales nunca se las hizo escuchar a la banda porque su afan perfeccionista le hacia pensar que no eran buenas, y tambien porque el productor Andrew Loog Oldham estaba más interesado en promover a la dupla creativa y mas comercial de Jagger-Richards que en oír su material.
Sin embargo, los que han escuchado esos temas sostienen que se trataba de canciones románticas, muy sentimentales, en cierto modo emparentadas con el estilo de Donovan o con el gran Bob Dylan.

Es por ello que Brian Jones se dedicó a aportar las ideas finales a las canciones de esa dupla. Él las arreglaba, él le daba ese toque llamativo que los hacia llegar al numero 1 en las listas a la banda que solo era superada por Los Beatles. De hecho varios de los riffs de guitarra de la primera etapa del grupo le pertenecen, así como la mayor parte de los arreglos con sus instrumentos curiosos que ya mencionamos.
Sin embargo, sus problemas constantes con las drogas, el asma y su rechazo hacia las canciones que consideraba comerciales originaron una relación tirante entre él, la dupla Jagger - Richards y el productor Andrew Loog Oldham.

Pero su busqueda musical no quedó ahi y cuando los Stones grababan en 1968 el disco Beggars Banquet decidió dar un paseo rumbo a Marruecos. Allí fue a los montes del Atlas para escuchar las flautas de barro que tocaban los músicos de Jajouka. Quedó tan entusiasmado con esos instrumentos que cuando volvió a visitar Marruecos lo acompañó un ingeniero de sonido de Olympic Studios. Entre los dos compaginaron el trabajo de los músicos marroquíes, a veces acompañados simplemente por la guitarra de Jones. Él preparó la composición artística de la tapa junto con el diseñador Al Vanderburg y le dio el master, listo para ser editado, a Allen Klein. El productor no se interesó demasiado en el material, pero los Rolling Stones lo editaron tres años después, en 1971, cuando Brian ya no estaba en este mundo. El título elegido fue Brian Jones Presents the Pipes of Pan at Joujouka.
Un disco que puede ser catalogado como una "joyita", como una locura, como un acto de experimentar mas allá de los efectos electronicos pero que es en resumen la actituda que siempe tuvo este musico introvertido.

Pero un 3 de julio de aquel año 1969, meses despues de marcharse de la banda Brian Jones apareció muerto en la pileta de su granja. Nunca se supo bien como fue esa muerte; un accidente?, una sobredosis?, o un asesinato?. Nunca se sabrá, pero quizas todo lo resume una frase que dijo en pleno apogeo con su banda: "Sí, quiero ser famoso. Y no, no quiero cumplir treinta años."
Brian Jones ya es una leyenda...

jueves, 30 de julio de 2009

NIGHTTRAIN / GUNS'N'ROSES



"Nightrain" es una canción de la famosa banda de hard rock estadounidense Guns N' Roses. Fue publicada en 1987 en el famoso album debut de la banda titulado Appetite For Destruction. El single de esta canción solo llegó al puesto 93 del "Billboard" en los Estados Unidos.

La tematica de la canción es una simple dedicatoria a una marca de vino "de mala calidad pero barato" llamada Night Train Express. Este vino fue muy popular dentro de la banda dado su bajo costo y su alta graduación de alcohol. Ademas hay leyendas urbanas que dicen que este "juguito de manzana" tiene una sustanca que provoca somnolencia y que seria un gran afrodiciaco femenino (?).

Segun el bajista Duff McKagan :"Vivíamos en el Gardener Street Studio y teníamos una pequeña habitación. No teníamos mucho dinero, pero conseguimos algo y fuimos a la licorería. Sucedió que tenían este fantástico vino llamado Night Train que te emborrachaba por un dólar. Ya con cinco dólares no contabas la historia... Así vivíamos"

De acuerdo a entrevistas de la banda, la canción fue escrita "in situ"; es decir, la compusieron mientras tomaban su Night Train "carreteado".
Según Slash la música la compuso primero él y despues Izzy, sentados en el piso de dicha habitación. Pero como Slash se enfermó al día siguiente (caña??), pero Izzy y Duff continuaron con la canción grabando un demo.
Pero una noche,mientras caminaban a la licorería ubicada en Palm Avenue, alguien de la banda (Slash no está seguro de quién) dió con el coro del tema. La banda siguió cantando y cantando, hasta que Axl improvisó las partes "bottoms up", "fill my cup"... Fue entonces cuando nació completamente Nightrain.

Asi nace esta canción que se destaca por ser la única (o de las pocas canciones) en la que Guns N' Roses considera el consumo de sustancias nocivas como algo positivo. Al contrario de las posturas de la banda en otras canciones de tratar el tema como algo malo e intentar alejarse de ello para no caer en los malditos vicios.

Luego de la publicación del disco, E & J Gallo Winery, la viñera que fabricaba dicha bebida alcoholica, contactó con la banda para cobrarles el derecho de haber usado su marca registrada en la canción (se cree que el nombre se acortó a Nightrain para evitar problemas legales).
La compañía luego de hablar con la banda decidió que le entregasen el 300% de las ventas generadas por la canción como alternativa de pago. No sabemos si los Guns aceptaron...

Buno amigos tanto escribir sobre sto nos provocó una sed enorme (de hecho me tomare una de estas)... asi que nos despedimos y espero que disfruten de este temazo que tiene un solo de guitarra que hace poner los pelos de punta...
Nos vemos!!!

martes, 28 de julio de 2009

GIRL FROM THE NORTH COUNTRY / BOB DYLAN



"Girl from the North Country" es una canción escrita e interpretada por Bob Dylan. Fue en su segundo disco de estudio llamado The Freewheelin' Bob Dylan . Tiempo despues esta canción fue re-grabada a dúo con Johnny Cash para el disco Nashville Skyline, noveno álbum de Zinnerman. Aparece tambien en los discos en vivo Real Live y The 30th Anniversary Concert Celebration.

El origen de esta canción viene después del primer viaje de Dylan a Inglaterra en diciembre de 1962, para finalizar la grabación de su segundo álbum.
Se cree que la canción es un homenaje a una ex novia del músico, llamada Echo Helstrom, a la cual Dylan conoció antes de partir hacia Nueva York.
Pero lo que realmente hizo que está canción naciera fue cuando Dylan tomó un vuelo de Inglaterra a Italia para buscar a su entonces novia, Suze Rotolo. Sin saberlo Dylan, Rotolo ya había regresado a los Estados Unidos, casi al mismo tiempo que Dylan llegó a Italia. Fue aquí cuando terminó la canción, inspirado por el aparente final de su relación con Rotolo. A su regreso a Nueva York a mediados de enero, convenció a Rotolo para volver juntos y lograr ser felices en su departamento en 4th Street.
De hecho, Suze Rotolo es la mujer que figura en la portada del álbum, caminando abrazada con Dylan en la calle Jones, no muy lejos de su departamento.

En su estadia en Londres, Dylan se reunió con varias figuras de la escena folk local, incluido el británico Martin Carthy. "Yo me encontré con algunas personas en Inglaterra que conocían muy bien las canciones inglesas tradicionales", recuerda Dylan en 1984. "Martin Carthy es increíble. Aprendí un montón de cosas de Martin."
En aquel viaje a los suelos ingleses, Carthy le enseñó a Dylan un gran repertorio de baladas tradicionales inglésas, incluida la versión que Carthy hizo de "Scarborough Fair," en la que Dylan se inspiró para la melodía y la letra de "Girl from the North Country," incluyendo los versos "Dale recuerdos a alguien que vive allí, ella una vez fue mi amor verdadero ".

Cabe señalar que musicalmente esta canción es casi idéntica a otra de sus canciones llamada Boots of Spanish Leather, compuesta y grabada un año más tarde para el discazo 'The Times They Are a-Changin'.

Para finalizar, el album que contiene esta preciosa "balada norteña", The Freewheelin' Bob Dylan, alcanzó el puesto #22 en las listas de Billboard, siendo certificado como disco de platino, y el primer puesto en las listas británicas al publicarse el álbum en 1965.
Fue uno de los 50 álbumes seleccionados en 2002 por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos para ser añadido al National Recording Registry.

Que la disfruten!!!!

domingo, 26 de julio de 2009

ROLLIN' STONE / MUDDY WATERS



"Rollin' Stone" es una de las primeras canciones del cantante de blues Muddy Waters que fue lanzado en 1948.
Esta canción fue escrita por Muddy Waters, pero acreditada en el disco con su verdadero nombre: McKinley Morganfield, y grabada en los estudios de la Chess Records, en Chicago, Illinois en 1948. Éste fue el primer sencillo editado por la discográfica Chess Records, y contó con la producción de Phil y Leonard Chess, fundadores de dicha compañía.

En aquellos años era muy llamativa la forma de tocar guitarra de Waters, esto se debía al uso del slide, la cual es una técnica en la cual se toca una nota, y luego se desliza el dedo a otro traste, hacia arriba o abajo del diapasón. Esta técnica es muy utilizada para producir sonidos llorosos, melancólicos o chillones que le dan un toque mas llamativo a las canciones.

De hecho en la ya mencionada primera grabación para Chess Records mostraba a Waters en guitarra y vocales, apoyado por un contrabajo. Más tarde añadió percusión y la armónica de Little Walter para completar su clásica formación de blues con la que recorrio el mundo tocando este temazo y otras composiciones mas.

El tema era una versión "reconstruida" de "Catfish Blues", del bluesman del Mississippi Robert Petway, pero a diferencia de su antecesor, en éste Waters hacía uso de la guitarra eléctrica.
Este temón se convirtió en un gran éxito en los Estados Unidos y en palabras del critico musical Bill Janovitz de All Music Guide, "es el nexo entre el Delta blues de Robert Johnson, el blues eléctrico urbano de Chicago escuchado en las grabaciones de la Chess Records y el rock and roll".

Este tema tuvo gran influencia en varias bandas clasicas de rock que vendrian decadas mas tarde por ejemplo el grupo britanico The Rolling Stones, tomaron su nombre del título de esta canción, además de ser la inspiración de una de las composiciones más famosas de Bob Dylan su aclamada canción "Like a Rolling Stone", y darle nombre a una prestigiosa revista estadounidense de música.
De hecho en el 2004 la revista Rolling Stone la colocó en el puesto número 459 en su lista de Las 500 mejores canciones de la historia.

Una canción de unos de los reyes del blues, porque el señor Waters tuvo una influencia enorme a través de muchísimos géneros musicales: Blues, Rythm & Blues, Rock, Folk, Jazz y Country. Incluso como dato curioso, se dice que Waters ayudó a Chuck Berry a conseguir su primer contrato de grabación...

Que la disfruten!!

sábado, 25 de julio de 2009

PERSONAL JESUS / DEPECHE MODE



"Personal Jesus" es una famosa canción de la banda Depeche Mode. Fue lanzado el 29 de agosto, 1989, siendo el primer sencillo publicado para promocionar su excelente álbum Violator.

La canción está inspirada del libro "Elvis and Me" escrito por la ex-novia del "Rey del rock" Priscilla Presley.
Según el autor de la canción, Martin Gore; "es una canción que se trata de ser Jesús para alguien más, alguien que te da esperanza y cuidado. Es sobre cómo Elvis fue su hombre y su mentor y qué tan seguido eso pasa en las relaciones amorosas; cómo el corazón de todos es de cierta forma como un dios."

Una característica bien llamativa de esta canción es la línea melódica que tiene un tiempo extremadamente uniforme y rítmico creado con guitarras y efectos electrónicos, a eso le suman un efecto de eco constante aplicados a vocales muy rítmicas, simples, casi habladas y muy raras. El resultado de todos estos arreglos es una canción que trae una sensación muy mecánica y que capta la atención rapidamente.

La canción tuvo un éxito mundial, el cual se extiende hasta estos dias siendo una de las canciones más exitosas de Depeche Mode, junto con el sencillo que despues sacarian, la enigmatica "Enjoy the Silence".
Tiene la particularidad, eademas, de ser una de las primeras canciónes del grupo en que se usa la guitarra electrica como instrumento principal, con un riff que no tiene nada que envidiarles a algun himno "Heavy Metal".
Este single tomó al mundo por sorpresa e incluyó más publicidad que la que acostumbraba usar Depeche Mode; con anuncios en revistas y hasta una campaña telefónica (la gente podía llamar a un número que aparecía en los anuncios de revistas en el que se escuchaba la canción).
Además, el sencillo fue particularmente exitoso comercialmente gracias a que fue lanzado seis meses antes que el álbum, en el que después aparecería. Hasta ese punto era el sencillo más vendido de "12 pulgadas" en la historia de la discografica Warner Brothers.

Otro aspecto llamativo e este single es que en la portada trasera del single "Personal Jesus" se muestra a uno de los miembros de la banda detrás de una muchacha desnuda. Lo llamativo es que el miembro de la banda que aparece varía, dependiendo de la versión que hayan adquirido; en el vinilo de 7 pulgadas está Martin Gore, en el de 12 pulgadas está David Gahan, en el casete está Andrew Fletcher y en el cd original está Alan Wilder. En algunas copias esta foto no aparece, como en el CD lanzado en el 2004, y en copias promocionales. En algunos lanzamientos limitados, como el GBong17, las cuatro fotografías se encuentran disponibles.

El vídeo dirigido fue dirigido por Anton Corbijn, y muestra a la banda actuando en un rancho. El canal de música MTV editó algunos de los sugestivos movimientos de boca de Martin Gore, reemplazándolos con otros materiales del mismo video ya que insinuaban un alto tono erotico (?). Cabe destacar tambien que el vídeo fue rodado en el desierto de Tabernas, en Almería

Este polemico vídeo se incluyó en la colección de ese mismo año llamada Strange Too, en su versión original, después en la colección The Videos 86>98 de 1998. Posteriormente se incluyó también en The Best of - Volume 1 del 2006 en su edición en DVD.

En el año 2004, la canción apareció en el número 368 de la lista de la Revista Rolling Stone de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.
Esta canción ademas ha sido interpretada por OBK en el año 2001, una versión country hecha por Johnny Cash y na versión bien rara por Gravity Kills en 2002, por el "loco" Marilyn Manson y una versión Jazz por Richard Cheese en el 2004.
Además, Personal Jesus fue incluida en el entretenido y violento videojuego Grand Theft Auto: San Andreas.

WHITTE RABBIT / JEFFERSON AIRPLANE



"Whitte Rabbit" es una canción de la banda Jefferson Airplane, este tema es uno de los primeros temas que mas tarde serian presa del genero rock psicodélico.
Fue publicada en el álbum Surrealistic Pillow de 1967, que fue uno de los discos que marcó clara influencia entre los "hippies" sesenteros.
Fue escrita por la vocalista Grace Slick para su banda primera banda,The Great Society, en 1966, pero decidió grabarla cuando se cambió a los Jefferson en octubre de este mismo año.

Esta canción nos describe lo que sucede en el libro Alicia y el País de las Maravillas del escritor Lewis Carroll,mezclado con los efectos del LSD, con el cual habían experimentado e sus ensayos. Es por ello que se menciona al personaje que da título a la canción (el conejo blanco), la oruga que fuma, la persecución del conejo blanco, comer setas para hacer cambiar de opinion, el cambio de tamaño producido por comer dulces y beber bebidas o la Reina Roja.
Esta idea no es nueva, ya que dentro del rock psicodélico había una corriente por esta época que afirmaba que Lewis Carrol intentó en su obra describir los efectos de las drogas alucinógenas en las personas de forma metafórica, describiendo cómo una niña se introduce en un mundo mágico.

Tal como la autora explicó, este libro, entre tantos mas, era una forma de mostrar a los padres que había que ser tolerantes con las drogas, ya que ayudan entre otras cosas a mejorar la visión que tenemos del mundo y de la realidad, haciéndonos ver cosas que de otra forma no veríamos o no llegaríamos a comprender.
Además, durante la "primaveral" decada de los sesentas el consumo de drogas era un requisito para la pertenencia a un grupo: por ejemplo, uno de los rituales con los cuales alguien pasaba a ser aceptado como hippie era experimentar con drogas duras como el LSD.

Esta canción marcó, ademas, por su referencia implícita a las drogas (es una de las primeras canciones que se atrevía a mencionarlas, aunque de forma oscura) que llegó a ser censurada en las radios estadunidenses.
Sin lugar a dudas estamos frente a una obra maestra de esta banda, un tema experimental pero que nos deja muy sorprendidos.

Musicalmente, la canción tiene un crescendo similar al del Bolero de Ravel, combinado con distorsiones sensoriales, y en el tempo de la canción, que imitan los efectos de drogas psicodélicas como el LSD y la marihuana.

El single de esta canción llegó al puesto número 4 de las listas de Estados Unidos, y está incluida en la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos que confeccionó la revista Rolling Stone en 2004, dejandola en el casillero numero 478.

Para finalizar... solo podemos decir que: Es un temazoo!!!

viernes, 24 de julio de 2009

GETTING BETTER / THE BEATLES



"Getting Better" es una canción del famoso grupo inglés The Beatles y está basada en una idea original de Paul McCartney pero la autoria pertenece a él junto a su "partner" John Lennon. Apareció en el album "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band", un día 1 de junio de 1967.

"Getting Better" da realmente la impresión de haber sido escrita por dos voces, una diciendo claramente que todo está mejorando, mientras que la otra dice todo lo contrario con un fin casi pesimista. Puede estar muy marcada por el optimismo de Paul que se contraponía al realismo e ironía (muchos dicen que es causada por el abuso de drogas) de John.

La inspiración para esta canción vino de la mente de Paul McCartney mientras paseaba a su perra Martha en compañia del periodista Hunter Davies, en los alrededores de Primrose Hill. Por esos dias estaba empezando la primavera, por fin habia aparecido el sol por esos lares y de esto muy conforme con el clima atmosferico, Paul comenta que el clima "está cada vez mejor" ( "its getting better" ). Esta frase hace reír a Paul, ya que lo hace recordar al famoso Jimmy Nicol, baterista que sustituyó a Ringo en la gira de 1964 mientras éste era operado. Nicol, que no hablaba mucho con los chicos en las giras, tocó en directo habiendo ensayado tan solo una sola vez.
Mientras pasaban los conciertos los tres Beatles restantes le preguntaban al batero de "parche" como iba todo detras de la bateria. La respuesta siempre era la misma "It's Getting Better" (va mejorando). Diez dias despues regresa Starr con sus camaradas para regresar a su batería. La frase sin embargo habia marcado ya a Paul y los otros Beatles, volviendose un tipo de broma entre ellos cada vez que abandonaban los escenarios y quedaba como un buen título para una cancion, como McCartney comentaria a John después.

En el plano musical esta canción esta "misteriosamente" basada en un acorde repetitivo de sol agudo producido por la guitarra de John Lennon y un piano electronico tocado por el productor y co-arreglista George Martin. Mientras que George Harrison deja la guitarra y toca la tambura, que es un instrumento indio que genera un "llamativo" acompañamiento rítmico, aunque sin producir notas claramente definidas, además de sonidos de palmas y los bongós que toca Ringo Starr.
Es considerada como una canción innovadora en el repertorio de la banda, un tanto experimental (como todo el disco del Sargento Pimienta) y novedoso para el estilo original del cuarteto de Liverpool.

Les dejamos un clasicazo... espero que les gusten y nos vemos en otro post!!!

BONUS TRACK: ORIGEN DE LOS ZEPPELIN, PELEA DE REYES, LA MEJOR FOTO DEL ROCK, DEEP/CD, MAY "EL CONSTRUCTOR"



¿QUIEN INFLÓ EL ZEPPELIN?
Quizas muchos ya saben ese dato anecdotico de que el nombre de la banda Led Zeppelin surgio a raiz de un mal chiste de Keith Moon (energetico baterista de la banda The Who) que dijo que la banda que estaban formando Page y Plant fracasaria como un Zeppelin de plomo. Sin embargo, el bajista de The Who, John Entwistle, posee su propia versión de los hechos: "Después de cuatro años empecé a estar harto de los Who, así que hablé con un caballero que ahora es jefe de producción de Led Zeppelin. Estaba hablando con él en un club, en Nueva York, y le dije 'Sí, estoy pensando en dejar el grupo y formar el mío. Lo voy a llamar 'Led Zeppelin'. y como portada del disco voy a poner el Hindenburg en llamas, ya sabes, todo este negocio...' Asi fue como dos meses después, empezé a trabajar con Jimmy Page, y como estaban buscando un nombre, le sugerí 'Led Zeppelin', a Page le gustó e incluso salieron con la misma portada de disco que yo había planeado."

PELEA POR UN TRONO IMAGINARIO
En 1976, uno de los pioneros del rock, el frenetico Jerry Lee Lewis fue detenido por la policía a las puertas de la mansión de Elvis Presley, la famosa Graceland, bastante borracho y apuntando con un revólver a la lujosa casa y ademas le gritaba repetidamente al rey del rock que sacara su ‘grasiento trasero’ de allí dentro para dilucidar cuál de los dos era el auténtico rey del tan aclamado rock.

LA MEJOR FOTO DEL ROCK
La fotografia que muestra a Paul Simonon, integrante del grupo "panky" britanico The Clash, golpeando su bajo contra el escenario, en el Palladium de Nueva York el 21 de septiembre de 1979 (que ademas es la portada del discazo "London Calling"), fue reconocida como la imagen emblema del punk y considerada como la mejor foto tomada de la historia del rock de todos los tiempos, segun un sondeo realizado por la revista britanica Q en la que participaron las 100 mejores cronistas y fotografos de todo el mundo. "Trasmite gran emocion. Ya es una imagen clasica y captura el momento cuspide del Rock & Roll, la perdida total del control", declaró Paul Du Noyer, editor de la revista Q.


DEEP/CD
En el año 1974, Deep Purple (con la formación Coverdale-Blackmore-Lord-Hughes-Paice), dió un único recital en Melbourne, Australia, como parte de un festival llamado "Sunbury Festival". Pero en el momento que la banda tenía que tocar se desató una tormenta muy fuerte y todo el público quedó aplastado en medio del barro y mojado por la lluvia. Cuando los Deep Purple terminaron de tocar, inmediatamente se dirigieron a su furgoneta, y cuando estaban a punto de partir sucedió algo que el señor Coverdale contó en una entrevista: "(...) de pronto escuchamos música desde el escenario, aparentemente una banda de unos jóvenes se había subido al escenario y empezó a tocar con nuestros equipos que los técnicos aún no habían sacado del lugar... pudimos ver que el lugar casi se vino abajo y nuestros asistentes lucharon para sacar a la banda de nuestros equipos y del escenario. Tiempo después me enteré que esa banda con grandes "cojones" era nada más ni nada menos que AC/DC, sonreí cuando lo supe, fue genial! Muchos años más tarde recordamos juntos ese momento compartiendo unas cervezas".Las cosas no?....


EL ORIGEN DE UN GUITARRA FAMOSA
El famoso guitarrista del grupo Queen, Brian May, de joven siempre quiso tener una guitarra, especialmente una Fender Stratocaster, pero esta era demasiado cara, y al no tener suficiente dinero, decidió diseñar una la cual construyó él mismo juntocon la ayuda de su padre. El resultado: la legendaria Red Special, dueña el sonido inconfundible de Queen, utilizando para ello madera de caoba del marco de su chimenea y unos muelles de una vieja motocicleta.

jueves, 23 de julio de 2009

DAUGHTER / PEARL JAM



"Daughter" es una canción del grupo de grunge Pearl Jam. Fue lanzada en 1993 como single para promocionar el álbum Vs., alcanzando el número 1 en las listas de Rock Moderno y Mainstream de Billboard. También alcanzaría el lugar 28 en la lista Billboard Top 40, siendo su primer sencillo de la banda en entrar en dicha lista.
En 1995, "Daughter" sería nominada al premio Grammy por "Mejor interpretación de Rock hecha por un Duo o Grupo Vocal".

Cabe señalar que el disco Vs alcanzó comercialmente un impacto mayor que su predecesor, el megadiscazo, Ten, hecho que fue tomado en cuenta desde el principio del lanzamiento del álbum por la banda, así que hicieron todo lo posible por aminorar los efectos comerciales para no caer en las garras del mundo comercial pop. Muestra de ello es que declinaron hacer videos promocionales para alguno de los sencillos del álbum (ya que los del MTV le censuraron el de la canción Jeremy) y optaron por dar menos entrevistas y aparecer en menos programas de televisión. A pesar de todo, a la fecha, Vs. esta certificado con 7 discos de platino por la RIAA.

En una entrevista, el vocalista Eddie Vedder mencionaría que "Daughter" hablaba sobre una niña con problemas de aprendizaje y de la forma en que sufre maltrato psicologico por parte de sus padres y como esto genera una rebeldía en el comportamiento de ella.
La letra de la canción tiene una parte donde menciona: "The shades going down", haciendo referencia al triste acto de cerrar las cortinas de la casa para que los vecinos no vean lo que sucede en el interior.

Casi desde que fue lanzada, "Daughter" ha permanecido como una de las canciones que siempre está en los tracklist en todos los conciertos de Pearl Jam. El grupo tiene la costumbre de tocarla en sus concierto añadiéndole una que otra improvisación o un segmento de otra canción, propia o de otros artistas. Esta extensión es conocida por los fanáticos del grupo oriundo de Seattle como el "Daughter tag". Uno de los tags más memorables fue realizado en el programa Saturday Night Live en abril de 1994, tan sólo 8 días después de la muerte del cantante de Nirvana, Kurt Cobain. Como tributo a Cobain, Pearl Jam añadiría a "Daughter" la canción "Hey Hey, My My (Into the Black)", original de Neil Young, la cual es citada en la nota suicida que dejó Cobain.

"Daughter" tambien estás incluida en el álbum Live On Two Legs y en su álbum de grandes éxitos Rearviewmirror: Greatest Hits 1991-2003.

MORNING GLORY / OASIS



"Morning Glory" es una famosa canción de la banda de rock inglesa Oasis Fue escrita por Noel Gallagher y fue lanzada en el segundo disco (What's the Story) Morning Glory? en octubre de 1995. El single de este tema solo fue lanzado para Australia.

Gallagher ha mencionado que estaba algo ebrio en el momento que escribía esta canción y partes de ella son inspiradas mientras caminaba hacia algun lugar, escuchando su walkman (la frase "walking to the sound of my favorite tune" nos da una pista) y tambien aspirando cocaína, ya que en la letra se mencionan el uso de navajas, que usualmente sirven para cortar la cocaína en líneas frente a un espejo, para ser luego aspirado.
Por algo se dice que la canción habla de la adicción a las drogas en general y sus problematicas que trae ello.
Ademas, la parte donde dice "Tomorrow never knows what it doesn't know too soon" hace referencia a una canción de una de sus bandas favoritas que mas han imitado, The Beatles con su experimental "Tomorrow Never Knows".

En el año 2005 esta famosa canción fue utilizada para el soundtrack de la película Goal! (donde se pueden ver famosos futbolistas de la Premier League), eso si...solo fue un remix de la original, donde colaboró el escritor y compositor Dave Sardy en la mezcla. La canción puede sonar muy identica a la original, pero nos trae el detalle de que el mismo Noel Gallagher es quien se puso tras la batería para la grabación. La canción puede encontrarla en el CD de la banda sonora de esa "pelotera" pelicula junto con otro remix de la canción "Cast No Shadow", cantada tambien por el mismo Noel y mezclada por D. Sardy.

Morning Glory es una de las canciones que pasó a ser uno de los himnos del grupo en sus presentaciones en vivo. La canción empieza con un sonido muy apocalíptico, con helicópteros de fondo (Apocalypsis Now????), pero luego toma un tinte bastante rockero, muy al estilo que ha hehco famoso a Oasis.

miércoles, 22 de julio de 2009

KEEP YOURSELF ALIVE / QUEEN



"Keep Yourself Alive" es una canción de la banda britanica Queen. Esta pista aparece abriendo el primer disco de esta famosa banda titulado simplemente "Queen" que fue publicado en 1973.
El álbum debut alcanzó solo el puesto #24 en las listas británicas, donde permaneció por 18 semanas. Aunque el single no logró ingresar a las listas, de todas formas ayudó a establacer un gran número de fans de Queen en Japón (?).
La canción tiene en su totalidad arreglos contagiosos y guitarras pesadas y se refiere, como su título dice, a permanecer vivo.

El autor del tema fue el guitarrista y "melenudo" Brian May en la etapa inicial de la banda cuando aun el bajista John Deacon no aparecia en los planes de la banda(este dato lo dió Barry Mitchell, uno de los primeros bajistas del grupo). De acuerdo a lo dicho por May en un especial de radio, él escribió la letra en una forma irónica y "deslenguada" casi como un chiste, pero su sentido fue cambiado completamente cuando Freddie Mercury la cantó y la adaptó al sonido que experimentaba Queen en esos tiempos.

Algunos fans y eruditos (de esos que hasta le hacen poemas a Freddie) de Queen han sugerido que Mercury podría haber ayudado en la composición musical, basado en el hecho que (como ha sido recalcado por los primeros bajistas y la misma banda) estaban en un período mayormente colaborativo en los días anteriores a entrar a los estudios y Mercury era generalmente el único en lograr su objetivo con ideas estructurales. Aunque es altamente posible que él haya contribuido con ideas para la canción (por ejemplo los tipos de modulación y los arreglos es más cercana a su estilo que al de May), en el fondo Mercury sería más un co-arreglista que un co-escritor (onda George Martin en las canciones de The Beatles).

La primera versión de Keep Yourself Alive data del verano de 1971 en los estudios De Lane Lea. Fue producida por Louie Austin e incluye la introducción tocada en una guitarra acústica de marca Hairfred por Brian May. Todos los elementos de la canción estuvieron siempre presentes, incluyendo las geniales voces tipo "llamada y respuesta" de Freddie Mercury y el corto solo de bateria de Roger Taylor donde despues canta un verso y Mercury lo responde. Cabe señalar que esta versión demo de la canción permanece como una de las tomas favoritas de Brian May.

Ya en el estudio ,donde prepararian su disco, los chicos de Queen hicieron varios experimentos para "recapturar la magia". La pista mezclada por Mike Stone fue la única moderadamente aceptada por la banda, y es la única publicada como sencillo. Esta versión incluye a Freddie Mercury haciendo todas las voces en el coro (grabándose a sí mismo en multi-pista) y Brian May cantando el verso "two steps nearer to my grave" en lugar del llamativo vocalista (quien lo hacía en vivo y las versiones antiguas).

La banda rápidamente agregó este tema a la lista de canciones en vivo. Mercury comentó que la canción "era una muy buena manera de decirle a la gente lo que Queen era en aquellos días".
Keep Yourself Alive fue parte del setlist de la banda hasta principios de la década de los '80. La banda no la tocaría nuevamente sino hasta 1984 cuando para la gira The Works tour (una de las mar largas que hizo la banda) la ponen como parte de un medley de antiguas canciones (con Somebody to Love, Killer Queen, Seven Seas of Rhye, y Liar).

Una canción que no conocen muchos, pero que nos trae al Queen setentero, ese que experimentaba musica para luego convertirse en una banda exitosa que hasta el día de hoy siguen tan vigente con sus clasicos y discos ue dejaron como legado.

GIVE PEACE A CHANCE / JOHN LENNON



"Give Peace a Chance" es una canción escrita e interpretada por John Lennon y originalmente acreditada erroneamente o por problemas judiciales a la famosa dupla Beatlemaniaca Lennon-McCartney. Sin embargo, cuando se reeditó en 1990 el álbum póstumo en vivo de Lennon con la banda Elephant's Memory, Live in New York City (Grabado en 1972) se acreditó únicamente la composición de este himno de protesta a John Lennon. Al igual que en los créditos del final del programa del 2006, The U.S. vs. John Lennon (en el cual aparece la canción) lista también a John Lennon como único escritor de la canción.

Los inicios de esta canción se dan en la famosa (y artistica??) encamada por la paz de John y Yoko cuando un reportero le preguntó al ex-Beatle qué intentaba hacer con esta "relajada" performance. John le respondió de manera magistral "todo lo que estamos diciendo es, dale una oportunidad a la paz espontáneamente". Esta frase le quedó gustando al músico y decidió hacer una canción bajo ese contexto.
Como muestran varias grabaciones mientras estaba en cama, cantó varias veces la canción, y finalmente, el 1 de junio de 1969, alquiló una grabadora de 8 pistas en unos almacenes locales de música y la grabó estando en la famosa y usada cama en la habitación 1742 en el Hotel Queen Elizabeth en Montreal Canadá, aunque la idea era que haya sido hecha en Nueva York pero la policia de ese pais no dejó entrar a Lennon por sus probemas judiciales por drogas.
La sesión de grabación estuvo atendida por docenas de periodistas y varias celebridades, incluyendo a Timothy Leary, Rosemary Woodruff Leary, Petula Clark, Dick Gregory, Allen Ginsberg, Murray the K y Derek Taylor. Lennon tocó la guitarra acústica al cual se unió Tommy Smothers de los Smothers Brothers tocando también la guitarra acústica.

Una de las partes mas llamativas es el ultimo verso de la canción donde se refiere a "John and Yoko, Timmy Leary, Rosemary, Tommy Smothers, Bobby Dylan, Tommy Cooper, Derek Taylor, Norman Mailer, Allen Ginsberg y Hare Krishna". En la interpretación de Give Peace a Chance incluida en el álbum Live Peace in Toronto 1969 (la que tenemos en el video que le entregamos hoy), Lennon abiertamente declaró que no podía recordar toda la letra e improvisó con los nombres de los miembros de la banda con los que compartía escenario y todo lo que le vino en mente, diciendo a viva voz en el cantar: "John and Yoko, Eric Clapton, Klaus Voormann, Penny Lane, Roosevelt, Nixon, Tommy Jones and Tommy Cooper, y alguien."

Al ser considerada como un símbolo de protesta, ésta canción ha sido usada por muchos artistas y gente asociada a Lennon y que la han interpretado posteriormente para protestar o para recaudar fondos para alguna tragedia en algun lugar del mundo.
Les dejamos este tema de Lennon y espero que lo disfruten... saludos amigos!!

martes, 21 de julio de 2009

SMELLS LIKE TEEN SPIRIT / NIRVANA



"Smells Like Teen Spirit" es una canción de la banda estadounidense de grunge Nirvana. Forma parte del famoso álbum de 1991 Nevermind, del cual fue el primer sencillo. Es comúnmente considerada como la canción que dió el enganche a los adolescentes de todo el mundo hacia Nirvana y el movimiento grunge.
Este temazo fue escrito por los tres miembros de la banda (Kurt Cobain, Dave Grohl y Krist Novoselic) y producida por Butch Vig.

Muchos criticos consideran a "Smells Like Teen Spirit" como el himno de los noventa, y más aún, como el himno de la Generación X, tambien conocida como la "Generación de la Apatía" o la "Generacion Perdida" que vene dada por el rechazo inmóvil, una rebeldía-conformista, siempre rechazando la religión, tradiciones generacionales, patriotismos e incluso a la misma familia.

Ademas, al ser lanzada en 1991, la canción llegó en una escena musical que veía el fin de la popularidad del hair metal de los años ochenta marcada por bandas que duraban semanas, de caras pintadas, pelos rubios y con aires femeninos. Mientras que esta canción, acompañada por su famoso video musical, hablaba sobre una imagen de rebeldía adolescente que fue muy bien acogida por su audiencia. Se considera con gran unanimidad a "Teen Spirit" como la canción más famosa del género grunge, y su popularidad le abrió las puertas a numerosas bandas de este género (como Soundgarden, Pearl Jam o Alice in Chains).

En el plano musical, el cantante y guitarrista Kurt Cobain habló sobre las similitudes que tenía el riff con el de "More than a Feeling" de la banda Boston en sus diarios y cuando la presentó al productor Butch Vig. Además, el crítico musical estadounidense Dave Marsh habló sobre las similitudes del riff con el de la versión de The Kingsmen de la canción de Richard Berry "Louie Louie".

Aunque es melódica y armónicamente simple, la canción muestra un verso minimalista con letras relativas a un monólogo interior de su autor, que luego llevan a un feroz coro, y la voz de Cobain mostrando un rango que va desde un tono suave y melancólico en los versos a uno gritado hasta con rabia durante el coro y el cierre de este clasico.

En una entrevista en enero de 1994 con Rolling Stone, Kurt admitió que "Teen Spirit" fue el resultado de varios intentos para escribir una canción con un sonido similar al de la banda indie/alternativa Pixies: "Estaba tratando de escribir la mejor canción de pop. Estuve básicamente intentando imitar a The Pixies. Tengo que admitirlo. Cuando escuché a Pixies por primera vez, me conecté tanto con esa banda que hasta pensé que debía estar en ella - o al menos en una banda de versiones de Pixies. Nosotros usamos su sentido de la dinámica, siendo primero suaves y silenciosos, y luego fuertes y pesados".
En la misma entrevista, Cobain también habló sobre su disgusto por el éxito de la canción, y de cómo la canción "Drain You", del mismo álbum, era "tan buena del todo como 'Teen Spirit".

En Heavier than Heaven, la biografía de Kurt Cobain escrita por Charles Cross, se dice que la canción hace referencia a la ruptura de Tobi Vail con Kurt. Este argumento se basa en varias cartas publicadas en el libro sobre los diarios de Cobain donde escribe algunas de las frases que se incluyen en la letra de la canción.
Sin embargo, Cobain no creía que las letras tuvieran ningún significado específico, de hecho en una entrevista con la cadena musical MTV dijo: "Me doy cuenta que la gente espera... un ángulo más temático con nuestra música, sabes - ellos quieren "leerla". Pero lo que hice fue colocar pedazos de poesía y solo basura y material que me encantaba en aquel entonces, y muchas veces escribo letras sólo en el último minuto porque soy muy perezoso, entonces... entonces no entiendo porque la gente intenta buscarle algún significado..."
Otra interpretación posible de la letra de este temazo fue hecha por el bajista Krist Novoselic : "Kurt odiaba el 'mainstream'. De eso se trataba 'Teen Spirit'. La mentalidad conformista de la gente". De acuerdo a entrevistas con la banda, se dice que otro significado de la canción habla sobre un "ataque a la apatía de la Generación X".

Lo que si se sabe a cienca cierta es que "Teen Spirit" es una marca de desodorantes estadounidense que vende la empresa Colgate-Palmolive. Cobain tomó el nombre de la canción cuando una amiga, Kathleen Hanna, cantante de la banda de punk Bikini Kill, pintó con spray "Kurt Smells Like Teen Spirit" en su muro. Debido a que habian conversado sobre anarquía, punk rock y temas similares, Cobain lo tomó como un eslogan de esta causa. Pero el verdaderos significado de ese mensaje escrito por Hanna, era que Kurt olía como el desodorante, que Vail (por ese entonces novia de Cobain y compañera de banda de Hanna) usaba, queriendo decir de forma humoristica que Kurt olía como una mujer. Cobain alegó que no sabía que era una marca de desodorantes, y finalmente estuvo de mal humor porque un producto era mencionado en la canción. En los meses posteriores al éxito de la canción, Colgate-Palmolive creó una campaña publicitaria para tratar de hacer algún beneficio por la conexión. Un comercial de televisión incluía líneas cómo "Do you smell like teen spirit?" ("¿Hueles a espíritu adolescente?") y "Deodorant made for your generation" ("Un desodorante hecho para tu generación").

Cuando Cobain les presentó la canción a sus compañeros de banda (que hasta ese momento sólo consistía del riff principal y la melodía vocal del coro) el bajista comentó que era "ridícula". Sin embargo, Cobain convenció posteriormente a la banda para tocarla de forma repetida por "una hora y media", de acuerdo a las palabras del cantante. Novoselic declaró en una entrevista en el 2001 que después de tocar el riff una y otra vez, él dijo: 'Esperen un momento. ¿Por qué no tocamos éste pedazo un poco más lento?' Entonces procedí a tocar la parte del verso. Y Dave empezó a tocar un ritmo diferente en la batería. Asi fue como los tres crearon el ritmo rabioso del tema.

Unas semanas antes del comienzo de la grabación de Nevermind, Cobain le entregó al productor Butch Vig un casete de una grabación hecha en marzo de 1991 por los tres integrantes en un granero donde estaban incluidas varias canciones que conformarían el álbum o que solo volverían a ser grabadas en las sesiones de éste. Vig posteriormente declaró que la calidad de la grabación era baja, y añadió sobre ésta: "Podía escuchar la parte de 'Hello, Hello' y los acordes, pero era tan indescifrable que no tenía idea de lo que podía esperar de la canción".

El video musical, al igual que la canción, ha sido altamente popular y aclamado, y en 1992 ganó en los MTV Video Music Awards ne la categoria "Mejor Nuevo Artista" y "Mejor Artista Alternativo", además de ser nombrado por el Libro de record Guinness en el año 2000 como el videoclip más rotado por MTV Europa.

El video estuvo a cargo de la direcion de Samuel Bayer (que posteriormente se encargaría de la dirección de videos de Smashing Pumpkins y Green Day), y es notable por su puesta en escena surreal, inspirada por la película de 1979 Over the Edge, una de las favoritas de Cobain. El video mostraba a la banda tocando en una reunión en un gimnasio de una escuela, rodeados por animadoras, que portaban vestidos negros con el símbolo anárquico de la A con círculo, en vez de una mascota del equipo o de la escuela.
El video termina con los "estudiantes" destrozando el lugar y el equipamiento de la banda. Dos días antes de la grabación del video, la banda invitó a varios de los extras que actuarian en su video a asistir a un concierto en el Teatro Roxy de Los Ángeles.

Este famoso videoclip fue estrenado a nivel mundial en el programa de noche de MTV dedicado al rock alternativo llamado 120 Minutos, pero demostró ser tan popular que el canal empezó a transmitirlo durante el día, lo que impulsó las ventas del sencillo y el álbum. En la lista de Billboard Hot 100, la canción alcanzó el puesto número 6, además de llegar a la primera posición en los listados de rock moderno elaborados por la misma revista, mientras que en el Reino Unido, la canción logró llegar a la posición número 7. Además, la canción se mantuvo en la cima de varios listados alrededor del mundo en 1991.

En el 2004, la Rolling Stone colocó a "Smells Like Teen Spirit" en la novena posición en su lista de las 500 canciones más grandes de todos los tiempos.
En el 2002, la canción hizo parte de la serie de documentales de la SBS, Impact: Songs That Changed The World. La canción también alcanzó el tercer lugar en el sondeo de la revista británica Q sobre las canciones más grandes de la historia en el 2006 y el primer lugar en la lista de VH1 de las 100 canciones más grandes de los pasados 15 años en 2003.
En el 2006, "Teen Spirit" fue ubicada en la tercera posición de la lista de MTV Latinoamérica "Los 100 videos más MTV", emitida con motivo del aniversario número 25 de la cadena estadounidense.

Les dejamos esta canción que marcpo una peoca, que hasta el dia de hoy es un grito de rabia de las bandas juveniles noventeras.
Que la disfruten!!

Fuente: Wikipedia

WALK LIKE AN EGYPTIAN / THE BANGLES



"Walk Like an Egyptian" es una canción de la banda The Bangles publicada en 1986 en su disco Different Light.

Liam Sternberg fue quien escribió esta canción inspirada simplemente después de ver a unas personas equilibrandose torpemente encima de las lineas del ferrocarril lo que le hizo recordar esa postura que tenian los antiguos egipcios en sus dibujos.
De hecho en el video clip de la canción se puede ver a varias personas bailando en esa pose.

Muchos tienen la percepción de que los antiguos egipcios normalmente caminaba de esa debido a muchos artículos de la cultura popular como por ejemplo la canción "King Tut" interpretado por el comediante Steve Martin y King Tut Strut. Pero esto es falso ya que varias eviencias historicas ahn revelado que los "constructores de piramides" caminaban de manera normal.

En un principio Sternberg ofreció esta canción a la cantante y coreografa Toni Basil para que la cantara en su disco que estaba grabando por esa fecha pero la interprete de "Micky" desechó esta canción.
Luego se la presentó a David Kahne, quien estaba trabajando como productor del disco de The Bangles y al escucharla le gustó y decidió que el grupo femenino la grabara. Kahne se dió el trabajo de escuchar a cada una de las integranes cantar el tema y deidió que cada una cantar una estrofa. Asi es como Susanna Hoffs, Vicki Peterson y Michael Steele cantan el tema de manera conjunta.

"Walk Like an Egyptian" fue lanzado como el tercer single para promocionar el disco Different Light. El single debutó en el Billboard Hot 100 en septiembre de 1986. La canción alcanzó el puesto número tres en el UK Singles Chart en noviembre de 1986 y alcanzó el número uno en los EE.UU. el 20 de diciembre, permaneciendo en la parte superior de la lista Hot 100 hasta enero de 1987.
Esta canción es la primera en llegar al numero uno del Billboard interpretada por un banda de mujeres que toca instrumentos .

La canción tambien fue el ultimo single de Las Bangles en llegar a cubrir los Top 40 que no fue escrito por ninguna de las integrantes de la banda. Recordemos que la mayoria d ela canciones de la banda eran co-escritos por Susanna Hoffs y Debbie Peterson.

Ademas esta canción fue uno de los temas considerados inapropiados por Clear Channel tras los atentados del 11 de septiembre de 2001, presumiblemente debido a su referencia a Egipto (?).

Les hemos dejado este super hit de 1986 que sonpo en todas la radios, las fiestas y que trae al recuerdo una maravilllosa decada.

Que la disfruten!!

lunes, 20 de julio de 2009

CALIFORNIA DREAMIN' / THE MAMAS & THE PAPAS



"California Dreamin'" es una canción de The Mamas & the Papas, publicada en noviembre de 1965. Esta clasica canción fue escrita en 1963 por John Phillips y Michelle Phillips mientras vivían en Nueva York, y está inspirada por la nostalgia de Michelle por California. En ese entonces los Phillips eran miembros del grupo de musica folk New Journeymen.

La banda Ganó su primer contrato para grabar un disco después de haber sido presentados al productor Lou Adler, la cabeza de Dunhill Records, por el cantante Barry McGuire. Ahi fue donde grabaron el disco If You Can Believe Your Eyes and Ears donde grabaron este tema. Nunca llegó al número 1, pero se mantuvo en los altos lugares por 17 semanas.

"California Dreamin'" fue la primera canción y el primer gran éxito de The Mamas & the Papas. De no haber sido por la canción, y el talento del grupo, ellos, tal vez nunca se hubieran convertido en la importante banda que se hicieron. Ademas es incorrecto decir que es una canción de "verano" (como sacaban antes compilaciones que colocaban este tema en sus ediciones veraniegas), puesto que dice que todo sucede en un "winters day" o sea, un día de invierno.

Existe un famoso mito que dice que "California Dreamin'" fue escrita debido a una experiencia de John Phillips en la Escuela naval de los Estados Unidos. Dicen que habla sobre eso que los guardias marinos llaman "la edad del oscurantismo" que ocurre en el periodo de inviernal en la Academia, debido tanto a las pocas horas de luz en invierno como a la carga de exámenes finales y a la de trabajo (el tipico fin de semestre estudiantil donde estamos hasta las manos de tantos trabajos y pruebas). La canción tenía el deseo de un día en la vida de Phillips en la escuela naval que fuese mas largo y que tuviera un clima más cálido.

Un clasico de los sesenta, de la epoca hippie, de las primaveras con flores de paz y de una epoca de cambio... musica libre!!

que la disfruten!!

BONUS TRACK: BEATLES NIKE, ESCENA CALIENTE, EGOS EN EL RING, DYLAN EBRIO, DEPIG MODE, LAS ARMAS DE ELVIS, LITTLE FÉ, DEMANDANDO A SI MISMO Y THE NOBS

(tambien celebramos la llegada a la luna)


CANCIONES VENDIDAS
Cierto día el tan hablado Michael Jackson le preguntó a su, por aquel entonces, buen amigo el ex-Beatle Paul McCartney cuál era la mejor manera de invertir sus ganancias. McCartney , e buena onda, le aconsejó entrar en el mundo de las editoriales de canciones, así que Michael Jackson le hizo caso y compró los derechos editoriales de las canciones de The Beatles. “Pensé que era un chiste cuando me lo dijo. Ni por un momento se me pasó por la cabeza que fuera a comprar mis canciones”, reconoció meses despues un asombrado McCartney.
Ademas de eso, hasta ese entonces el cuarteto de Liverpool había impedido que cualquiera de sus temas sirviera como fondo musical de un anuncio televisivo. Y adivinen que hizo el "Rey del Pop"... Lo primero que hizo tras comprar aquellos derechos fue ceder una de las canciones a la compañía deportiva Nike a cambio de una suma más que respetable de dolares.

GRANDE MICK!!
En la película Performance lanzada en 1970, el cantante de los Rolling Stones, Mick Jagger, interpreta a una estrella del rock bisexual ya retirada de los ruedos. Pero una de las protagonistas de la cinta era Anita Pallenberg, quien por aquel entonces estaba saliendo con el guitarrista de los Stones y amigo de Jagger, nos referimos al "capo" Keith Richards. En una de las escenas románticas, Pallenberg introdujo su lengua en la boca de Jagger y trabajó hasta conseguir ponerlo en acción, como pudieron comprobar los que se encontraban en el estudio. Pero la escena llegó a ser tan súbida de tono, que derritió hasta las camaras, que fue retirada del montaje final por temor a censuras. Pero se dice que existe una versión sin cortes la cual llegó hasta un festival porno en Ámsterdam, en donde logró uno de sus galardones maximos.

GUERRA DE EGOS
La primera vez que los Beatles visitaron Estados Unidos, en febrero de 1964, se reunieron en Miami con Muhammad Ali, por entonces llamado Cassius Clay, para muchos el más grande boxeador de todos los tiempos.
El encuentro entre la banda mas famosa de esos momentos y el boxeador capeon de campeones fue arreglado por la prensa. Los Beatles venían de tocar en el show televisivo de Ed Sullivan, registrando una cifra record de televidentes hasta ese momento: 75 millones en todo Estados Unidos. Mientras que Cassius Clay estaba en Miami a la espera de su primer combate por el título de los pesos pesados, título que le ganaría días más tarde a Sonny Liston.
Al entablar conversa los musicos con el bozeador empezaron a hablar todo egolatras de sus hazañas, hay que recordar que Lennon tenía 23 años, Harrison solo 17 y Cassius Clay 22.
En definitiva, todos eran grandes y no se dejaban vencer en la conversación. Menos mal que no se fueron a los golpes porque ya sabemos quien iba a ganar.
El encuentro tuvo lugar en el gimnasio donde entrenaba Clay. Flashes, chascarrillos, macadas y una histórica foto donde los cuatro de Liverpool simulan sucumbir ante un golpe del boxeador.

DYLAN LO QUE DYLAN
En diciembre de 1963, el Comité de Emergencia de las Libertades Civiles le concedió al gran Bob Dylan un galardón por su contribución a la causa de los derechos civiles. Dylan se presentó a la cena puntual, pero con el paso del acto y del coctail que quedó tan borracho que acabó vomitando en los baños. Cuando por fin subió al estrado a recoger su premio, el ‘políticamente correcto’ cantautor sorprendió a su audiencia asegurando que veía en sí mismo algo de Lee Harvey Oswald, el supuesto asesino del Presidente John F. Kennedy. Fue abucheado, pifiado e insultado por todos los presentes. Unos minutos más tarde reflexionaba en voz alta: “Si digo la verdad, ni siquiera sé lo que es la política”.

SOLO QUERIA PASARLO "CHANCHO"
Por increíble y hasta chistoso que parezca, Axl Rose, lider y voz de los Guns N’ Roses, siempre se declaró un seguidor de los "tecnos" Depeche Mode, tanto que los persiguió hasta conseguir invitarlos a su mansión de Beverly Hills para conocerlos y compartir una cena. Pero encontrarse con un cerdo muerto no fue del agrado de los británicos, quien era unos estrictos vegetarianos. Poco después de ese acto, la banda de "Enjoy the silence" emitían un comunicado de prensa en el que aseguraban que ‘el grupo no quiere asociarse con nadie que vaya por ahí matando cerdos sólo por diversión’.

¿QUE SUCEDIO?
El "rey del rock" era también el mayor coleccionista de armas del rock, muchas de las cuales aún adornan las paredes de su mansión, Graceland. Incluso hay quienes dicen que dispararle a los aparatos de televisión era uno de sus pasatiempos favoritos.
Cuando le presentaron al Presidente Nixon, Presley le regaló un Colt 45. A sus novias también las agasajaba con revólveres caros y llamativos. El día que supo que sus guardaespaldas Red y Sonny West habían publicado un libro titulado Elvis: What Happened? (Elvis: ¿Qué sucedió?), en 1976, Presley, tras esnifar una buena cantidad de cocaína y bien pertrechado con un cinturón cargado de pistolas, despertó a parte de su personal al grito de “¡Arriba! ¡Vamos a cazar cabezas! ¡Vamos a matar a esos hijos de puta!”

JOHN FOGERTY CONTRA JOHN FOGERTY
¿Qué puede haber más extraño que una demanda contra uno mismo? Para empezar, el principal compOsitor de la banda Creedence Clearwater Revival, John Fogerty había firmado un contrato en su juventud que lo tuvo diez años en dique seco, al impedirle cantar las canciones de su extinta banda para su carrera solista en las decadas de los ochentas y noventas. Después, llegó la demanda de su antigua compañía discografica, Fantasy. Bien es cierto que se trataba de abogados que servían a la misma persona en momentos distintos de su trayectoria, pero también no deja de ser curioso que John Fogerty se demandara a sí mismo por haber plagiado la canción “Run Through The Jungle” de los Creedence Clearwater Revival años más tarde en solitario y titularla “The Old Man Down The Road”. Aunque las canciones son casi iguales, John Fogerty, a través de su antiguo sello Fantasy, perdió la demanda interpuesta contra John Fogerty tras presentarse ante el juez, guitarra en mano, para mostrarle las diferencias que en relaidad son pocas. Increible!!!!


CUESTION DE FE
Su fe le llegó en las alturas al interprete de "Tutti Frutti". Durante un viaje a Australia en 1957, uno de los motores del avión en el que viajaba comenzó a arder. Little Richard se puso a rezar en voz alta, asegurándole al Señor que dejaría su vida en el rock si le permitía salvarse de esta tragedia que tenia ante sus ojos. Tras aterrizar sin problemas, se dirigió al puente de la Bahía de Sydney y tiró todas sus joyas, convirtiéndose poco después en un predicador; además vendió todos sus derechos de autor futuros por 10.000 dólares. Cumplió, pero no por mucho tiempo: en 1962 estaba de nuevo sobre los escenarios tocando sus temas con su llamativa voz y en 1980 presentó una demanda para recuperar sus derechos de autor. Por eso, cada vez que vuela sufre el temor de enfrentarse a la ira divina del Señor!!!!.
LED NOBS
“Esos cuatro monos chillones no van a seguir usando un apellido prestigioso sin permiso”. Esta frase pasó a la historia del rock. Los cuatro monos chillones eran Robert Plant, Jimmy Page, John Bonham y John Paul Jones. Juntos, los Led Zeppelin, una gran banda de rock.
La frase la pronunció la condesa Eva Von Zeppelin, aristócrata danesa, descendiente del inventor de los Zeppelin, que llevó a juicio al grupo por usar su apellido como nombre de la banda, indignada de que “cuatro monos chillones” le ensuciaran el patronímico. Y eso desconociendo todas las historias jugosas de los Zeppelin de gira donde no dejaban groupie sin cabeza y hotel en buen estado.
El veredicto final favoreció a la banda. Ganó el juicio y pudo seguir usando el nombre. Eso sí, aconsejados por sus asesores, cuando fueron a Dinamarca, tierra de la condesa, decidieron tocar como The Nobs y no como Led Zeppelin.