lunes, 30 de noviembre de 2009

IN THE FLESH? / PINK FLOYD



"In the Flesh?" es una canción de la banda inglesa Pink Floyd. Esta magnífica pieza musical, escrita por el genio Roger Waters, fue publicada dentro del repetorio del notable álbum The Wall en 1979.

El titulo de esta canción es una referencia a la gira "In the Flesh Tour" que hizo la banda en 1977, promocionando el disco Animals. En uno de esos conciertos, un desesperado fans que estaba a punto de subir al escenario tuvo que recibir un rabioso escupo de Roger Waters en respuesta a su acto que ponia en peligro a la banda en plena actuación y además, fue el suceso que inspiró el disco The Wall.

In The Flesh?, que al principio no estaba en los planes de Waters para su "Muro", es una canción muy dinámica, que nos regala unos potentes riffs de guitarra electrica. En el disco podemos percatarnos que empieza con esa suave e infantil melodia de "Outside the Wall" que tambien cierra el disco. Esto fue hecho con la idea caracteristica de Waters de crear un "ciclo" e sus discos.
Luego viene una exploción de rock, entre guitarras furiosas y órganos electrónicos distrocionados, nos entregan un intro fenomenal, potente y entretenido, digno de una opera-rock "floydiana". Luego pasan a ritmos mas calmados y silenciosos, logrando un climax enigmatico para quien escucha la canción y otra vez viene la potencia del rock con su dinámica mas explosiva.

La letra de In The Flesh?, al igual que las otras canciones pertenecientes a The Wall, nos relata una parte de la historia de su protagonista principal cuyo nombre es Pink.
Esta canción da el comienzo al show de Pink y nos relata, de manera soberbia, el por qué decide construir sus "murallones invisibles".
La letra dice que a pesar de su apariencia exterior, las cosas son muy diferentes "detrás de esta mirada fria" y que si el oyente quiere encontrar estas cosas, tendrá que ponerse en su camino ese "disfraz". En la canción tambien se le informa al oyente, aunque no tan directamente, sobre la causa de la muerte del padre de Pink. Esto lo hacen con ese genial efecto de sonido de una bomba en picada, lo que indica que la causa de la muerte de su "father" fue durante la Segunda Guerra Mundial.

La letra de esta canción tiene la misión de ubicar al oyente en su lugar y define el rol del que toma la palabra (Pink).
Marcos Mara, en su interesante documento "Psicoanalisis de The Wall por Pink Floyd" menciona sobre esta canción: "Realmente se puede notar esa metáfora de la máscara del fantasma que crea la fantasía. Se encuentra un paralelo entre la ficción y el psicoanálisis, en este último se realiza un pacto con el analizante y su inconsciente dando crédito a la fantasía que estructura el inconsciente, también en la creación artística se da valor de verdad a lo relatado. Finalmente, antes de terminar la canción se escucha lo que podría traducirse como "luz, cámara, acción", para empezar con la historia propiamente dicha".

A 30 años del lanzamiento del aclamado The Wall, le dedicamos este pequeño homenaje con la canción que abre esta obra maestra del rock mundial...

Que la disfruten

BONUS TRACK: 30 AÑOS DEL MURO DE LOS PINK FLOYD....


Un dia como hoy, pero de 1979 la banda británica Pink Floyd lanza al mercado un disco doble titulado "The Wall".
"The Wall" tiene su inspiración original despues que Roger Waters , en un estado de rabia extrema, le tirara un escupo un fans descontrolado en un concierto en Montreal. Luego de ese acto, Waters reflexionó esa actitud y tuvo la (loca) idea de colocar un muro en sus escenarios entre la gente y la banda como forma de dar otra actitud a sus megaconciertos. Luego de eso, empezó la historia...



The Wall es el decimotercer disco de estudio de la banda y es una creación, casi en su totalidad, del bajista y líder en aquel momento: Roger Waters.

Es una opera rock que incluye dos discos y 26 tracks. Al utilizar este formato (de opera rock) la banda sale de lo convencional en cuanto a lo que es un álbum clásico de rock, aunque lo había hecho ya en sus anteriores grabaciones. En este tipo de obras las canciones se encuentran entrelazadas siguiendo un mismo hilo conductor. Las letras y música van contando una historia a lo largo de todo el disco.

Pink es el nombre del personaje principal, cuya historia es relatada. Waters plantea diversos temas en The Wall, muchos de los aspectos de la personalidad de dicho personaje son basados en las propias vivencias del autor. Es una estrella de Rock hastiada de las presiones y la superexposición que impone la industria musical a los artistas.
El protagonista se encuentra psicológicamente trastornado debido a diversos episodios que han marcado su historia personal. La muerte de su padre durante la segunda guerra mundial es uno de esos episodios. A través de esta obra Waters plantea una dura crítica a las autoridades británicas, quienes mandaron al “matadero” a muchos jóvenes soldados en esa guerra. La educación infantil inglesa, opresiva y conservadora es planteada también. Aparecen temas como la locura y el vínculo problemático con su madre, los fracasos sentimentales y lo que decía, el conflicto interno producto de la presión que le trae su carrera. De esa alienación que le producen todos estos conflictos, surge el concepto de The Wall (El muro). La idea de ese muro ilustra el aislamiento y la reclusión de Pink en su mundo interno como una defensa de la realidad hostil que vive.



Este disco tuvo un profundo impacto en la época y fue un éxito comercial, a tal punto que consiguió 23 discos platinos y fue el más vendido de los años setenta. Se sitúa en el tercer puesto de los álbumes mas vendidos de la historia, luego de Thriller de Michael Jackson y Back in Black de AC/DC. En 1982 se filma la película bajo el título de: “Pink Floyd The Wall” dirigida por Alan Parker.

Muchos la consideran el álbum una obra maestra, sin embargo no es la mejor de la banda. Eso si, no cabe duda que The Wall es un disco indispensable en la historia de la música.



Via: El Acontecer

domingo, 29 de noviembre de 2009

CARRIE ANNE / THE HOLLIES



"Carrie Anne" es una canción de la banda británica The Hollies. Fue lanzada como single un 26 de mayo de 1967 y logró un gran éxito en los charts.
Esta canción llevó a la banda a un nivel de popularidad muy alto dentro de la actividad musical británica logrando asi su "época dorada" tanto interpretativa como creativa.

Esta gran canción fue escrita por Allan Clarke, Graham Nash y Tony Hicks. Dentro de la parte musical notamos una caracteristica muy notable ya que puede ser una de las primeras canciones pop británicas que experimentó con sonidos del Caribe, especialmente con el uso de los tambores de acero o Steelpanes, que son un instrumento de la música popular de Trinidad y Tobago que poseen una afinación en una escala cromática, aunque existen algunos de ellos que son afinados en escala diatónica. Aproximadamente a los dos minutos de la canción se puede escuchar un solo de Steelpanes.

En el documental The History of Rock 'N' Roll de 1995, Graham Nash, afirmó que esta canción fue escrita para la cantante y actriz Marianne Faithfull, quien en ese entonces tenia una relación amorosa con el lider de los Rolling Stone, el etero Mick Jagger. Pero la banda se arrepintió a ultima hora del titulo: "Marianne" y lo modificó por "Carrie Anne" para que no sea tan evidente su inspiración.

Como dato curioso, la canción fue tan popular que los padres de la actriz canadiense Carrie-Anne Moss (The Matrix, Memento) le colocaron ese nombre debido a que el día en que nació esta "guapa" mujer esta pieza musical era muy popular por esos lares.

Esta canción se convirtió en un gran éxito en 1967, alcanzando el casillero # 3 en el UK Singles Chart. También fue un éxito en los EE.UU., alcanzando el puesto # 9 en las listas de éxitos norteamericana.

Que la disfruten!!!

BONUS TRACK: UN VIAJE POR LA "COSMO'S FACTORY"


Un 25 de Julio de 1970 sale al mercado el quinto disco de la famosa banda Creedence Clearwater Revival titulado Cosmo's Factory.
Hecho en plena "Creedencemania", este disco fue grabado entre las giras, conciertos y todo lo que ocurre cuando una banda "la rompe" en los charts.
La idea de su lider creativo, John Fogerty, era que la banda ensayara cuantas veces pudiera las nuevas canciones para que al momento de grabarlas sonaran perfectas, sin tantos arreglos raros de estudio para que se escuchen tal como son, con su sonido carateristico mosntrando que la banda igual podia hacer un disco experimental, son caer tanto en lo comun y corriente por causas de la fama.

Aqui les dejamos un breve pero entretenido analisis sobre lo que contiene este notable disco de una de las bandas mas importantes del rock:



El paseo por la Cosmo's Factory empieza con un pegajoso riff de guitarra que nos dice que llegamos a "Ramble Tamble", una larga e hipnotizante canción, que nos muestra todo el lado critico y ácido de las letras de John Fogerty. Luego de 7 minutos y algo de disfrutar un buen rock, otro riff de la guitarra de Fogerty nos dá la alerta que empieza la blusera "Before You Acusse Me" de Bo Diddley y que marca un homenaje a sus idolos del viejo rock and roll y nos dejan claro que este disco no es para tenerlo guardado en las repisas sino que es para disfrutarlo y gozarlo de buena manera. La tercera parada es su autobiográfica "Traveli'n Band" un duro rock and roll con similitudes a una famosa pieza de Little Richard, pero con unos "rulos" de bateria marca Clifford que nos deja los pelos de punta y las piernas acalambradas de tanto bailar. Pero hay que pararse de nuevo y seguir moviendo las caderas con la pegajosa canción "Obby Dooby", que es otro homenaje a uno de sus idolos de infancia, el gran Roy Orbison y donde estos cuatro chicos nos dejan claro que en en riffs de guitarras tambien saben.
Luego de un ataque de buen rock and roll, nos sumergemos en una enigmatica "Looking' Out My Back Door", un country con una letra imaginaria, no sabemos si es un mensaje sobre drogas o un cuento para niños, pero es sin lugar a dudas un punto alto del disco y de la carrera de los Creedence. La ultima parada del primer lado de este discazo es la cruda "Run Through the Jungle", donde John Fogerty nos habla sobre el estado de violencia que se vivia en los Estados Unidos en esa epoca, conviertiendose en otro punto alto de la carrera musical de esta gran banda norteamericana. Terminada esta canción, nos paramos y damos vuelta el vinilo, el caset o simplemente seguimos con el CD... la buena musica sigue.



La segunda etapa del disco empieza con otro riff, este nos dice que estamos en "Up Around the Bend", una canción optimista, llena de arreglos simples y con esa alegria setentera en sus acordes. Pero luego de esa pieza empieza un homenaje al gran Elvis, que empieza con un solo de bateria notable que deja listo los acordes de My Baby Left Me. Pero no todo es "fiesta" en este disco, ya que ahora pasamos a la balada "Who'll Stop the Rain", una obra maestra llena de melancolia hacia lo que pasaba en la guerra de Vietnam y una postal de ese mitico concierto en Woodstock en 1969. Terminada esa balada pasamos a 11 minutos de pura experimentación en esta fabrica rockera, ya que empieza "I Heard It Through the Grapevine", el clásico de Marvin Gaye con estilo Creedence, con amplios riffs y un sonido muy interesante que nos deja maravillado ante tanto talento de estos cuatro genios. Despues de todo este recorrido por la Cosmo's Factory llegamos a un triste final, ya que despues del rock and roll, rockabilly, baladas y blues llegamos a una canción estilo soul llamada "Long as I Can See the Light" que es una canción reflexiva, lenta, con John Fogerty que deja su guitarra para regalarnos un solo de saxofón. Terminada esa canción, nos damos cuenta que este disco es una obra maestra, el punto alto de la carrera de los Creedence Clearwater Revival se ve reflejado aqui, con un disco escencial, potente y lleno de buenas canciones.

Cosmo's Factory se convertiría en el álbum más vendido de Creedence, alcanzando el primer puesto de la Billboard 200 y el puesto #11 de la lista de álbumes soul.




CAN'T GET IT OUT OF MY HEAD / ELECTRIC LIGHT ORCHESTRA


"Can't Get It Out of My Head" es una canción de la banda Electric Light Orchestra. Fue publicada en el cuarto album de la banda británica titulado El Dorado (1974) y fue lanzada como single en Noviembre de 1974, siendo una de las canciones mas importantes de esta agrupación liderada por Jeff Lynne.

"Can't Get It Out Of My Head" fue grabada en los De Lane Lea Studios en Londres, entre febrero y junio de 1974, durante las sesiones de grabación del disco.

Según Jeff Lynne, esta fue una de las primeras canciones de la banda donde se utilizó una orquesta sinfonica completa en la grabación. Aqui la banda mezcla sus interpretaciones instrumentales junto a la orquesta, especialmente los instrumentos de cuerda de Mik Kaminski (violin), Hugh McDowell (violonchelo) y Mike Edwards (violonchelo) que son, en algunas partes, irreconocibles en la grabación.

Esta canción fue escrita por Jeff Lynne en respuesta a su padre, Phil, que era el primero en criticar las composiciones musicales de Jeff. Phil Lynne, que era un amante de la musica clásica, no era muy fanático de la musica de la Electric Light Orchestra, aludiendo que "No tenian melodía." Entonces, Jeff, para demostrarle a su padre que él podía escribir una hermosa canción con influencia de música clásica, escribió esta balada titulada Can't Get It Out Of My Head.
Quizás esta fue la motivación del músico en utilizar una orquesta completa en el disco y en esta canción, ya que quería respoderle a las criticas de su padre, quien escuchó parte de esta canción mientras Jeff la escribia en el salón de descanso de su casa en Birmingham.

Dentro de la letra de esta balada, lo que más llama la atención es la frase "walking on a wave's chicane" o tambien escrita como "walking on a wave she came"?... pero realmente no se sabe si es "Chicane" o es "She came" ya que la pronunciación es muy similar. Esto ha sido material de debate entre muchos fanaticos de la banda, ya que dentro de las letras que traia la caja del disco Eldorado, aparecía esa frase con la palabra "Chicane" y se cree que fue simplemente un error de imprenta. Pero Lynne en las interpretaciones en vivo dice "Chicane"... entones la pregunta que queda revotando es ¿que es "Chicane"?. Esta enigmatica y muy poco usada palabra inglesa, se refiere a la punta de espuma que trae una ola de mar hacia la costa. Entonces la frase quiere decir que la mujer, que Jeff describe en la letra, está caminando encima de las olas... a no ser que simplemente fue un error de imprenta, lo cual es un misterio.

Sin embargo, esta canción fue todo un éxito para esta banda, ya que llegó al puesto #9 en los EE.UU, logrando asi su primer top ten en tierras norteamericanas en 1975. Mientras que en el Reino Unido la canción no llegó ni siquiera a entrar en los charts, hasta 1978 cuando fue incluida en un EP y llegó al casillero #34 en el UK Singles charts.

Una gran canción de una gran banda como la E.L.O, esperamos que la disfruten!!!...

sábado, 28 de noviembre de 2009

GRACIAS A LA VIDA / VIOLETA PARRA



"Gracias a la Vida" es una canción de la gran artista chilena Violeta Parra. Publicada en 1966, esta cancion forma parte del famoso disco "Las últimas Composiciones", que fue la ultima placa lanzada por esta folclorista antes de su suicidio en 1967.

Esta canción con el tiempo se convirtió en un himno humanitario, siendo considerada como una de las piezas musicales mas reconocidas de la gran trayectoria de Violeta Parra, y ademas siendo interpretada por diversos artistas por todo el mundo.

"Gracias a la Vida" tiene una melancolia secreta y oscura, llena de frases cuidadosamente hiladas, quizás inspirada en la depresión que tenia la cantante al terminar su relación amorosa con Gilbert Favre, y a eso, sumemosle unas frases poeticas universales que van de la mano con tintes de ese dolor ("gracias a la vida / que me ha dado tanto / me ha dado la marcha / de mis pies cansados") logró como resultado una canción notable.

Una composición completa, muy reflexiva, que con su música simple y la voz de Violeta en su estado más natural nos regala un canto a la libertad de vivir, a mirar el pasar del tiempo y el camino que hemos dejado en años... realmente una de las canciones en castellano mas universales, que siempre se quedará en su sitial esperando que alguien la cante porque pertenece al cancionero mundial.
Sobre esta canción El sitio Emol.com señala: "Se han hecho suficientes interpretaciones sobre el hecho de que una mujer con su suicidio en pauta compusiera una canción como "Gracias a la Vida". Qué puede escribir uno sobre esos versos categóricos, los más universales en salir nunca de una mente chilena."

Luego de ser lanzada por Violeta y lograr muho éxito en hile, el reconocimiento mundial vino de la mano de la cantante argentina Mercedes Sosa, quien en 1971 interpretó esta canción en su disco Homenaje a Violeta Parra. Con este disco y una versión mas arreglada para el oido popular, difundió el mensaje de la canción a nivel internacional dentro de todo el mundo hispanohablante.

Esta maravillosa canción ha sido interpretada por numerosos artistas a lo largo del mundo (desde Fito Páez, Joan Baez, Mercedes Sosa, Inti Illimani, Joan Manuel Serrat, Cecilia, Los Bunkers, Milton Nascimento, Gloria Simonetti y muchos más), y ha sido elegida en numerosas encuestas como la canción chilena más importante de toda la historia.

Que disfruten esta gran canción!!!

viernes, 27 de noviembre de 2009

ONLY THE LONELY (KNOW HOW I FEEL) / ROY ORBISON



"Only the Lonely (Know How I Feel)" es una canción del cantante y compositor estadounidense Roy Orbison.
Escrita por Orbison y, el tambien cantante, Joe Melson, esta canción fue el primer gran exito que tuvo este influyente músico, con la cual llegó a la fama internacional gracias a las buenas posiciones en los charts norteamericanos.

La canción fue publicada en Mayo de 1960 y aparece en el disco Lonely and Blue, que Roy Orbison lanzó en Septiembre de 1960.

La idea original que tenía Roy Orbison, al escribir esta canción, era ofrecercela a Elvis Presley o The Everly Brothers, para que estos la interpretaran y lograran algun éxito con sus derechos de autor. Pero fueron los dos integrantes de The Everly Brothers que le dijeron a Orbison que seria mucho mejor que la interpretara él, ya que no creian en esta canción y hasta el día de hoy deben estar lamentandose...

Esta balada nos habla, de manera desgarradora, sobre la soledad, a eso sumado una ejecución vocal perfecta, cantada con tonos muy parecidos a la opera, que con el tiempo se convertiría en una de las caracteristicas principales en las baladas de Orbison. Incluso el New York Times describió en sus páginas que esta balada tenia un sentido "desgarrador y melancolica, impulsada por la urgencia de un amor".

Al ser publicada, los productores junto al cantante decidieron colocarle entre parentesis al lado del titulo la frase "Know How I feel" para evitar la confusión con la canción "Only The Lonely" que Sammy Cahn y Jimmy Van Heusen habían escrito para Frank Sinatra en 1958.

Esta balada fue un pilar fundamental para la evolución del rock and roll, por su inusual estilo musical.
"Only The Lonely" llegó al puesto 2 en el Billboard charts y llegó a estar 6 meses en los primeros lugares de las listas Británicas, siendo considerada por muchos especialistas como una canción clasica de la decada delos 60's.

En el año 2004, la revista Rolling Stone situó esta balada en el puesto 232 en su lista "500 Greatest Songs of All Time".

Para finalizar, tambien debemos mencionar que en la epoca que Orbison participó en la banda The Traveling Wilburys (donde se escondia bajo el seudonimo de"Lefty Wilbury"), escribió una secuela de esta canción llamada "Not alone anymore".

Que la disfruten!!!




jueves, 26 de noviembre de 2009

HOLIDAYS IN THE SUN / SEX PISTOLS



"Holidays in the Sun" es una canción de la banda de punk británica Sex Pistols. Lanzado como single un 14 de Octubre de 1977, esta canción se convirtió en una de las emblematicas composiciones de esta influyente banda de rock.
Con esta canción se inica el aclamado disco Never Mind the Bollocks, Here's the Sex Pistols, que fue el único que sacó la banda de Rotten, Vicious, Cook y Jones.

La temática de la canción fue inspirada por un mítico viaje que hizo la banda a la isla de Jersey, sobre dicha inspiración, el vocalista Johnny Rotten mencionaría: "Intentamos ir a pasar nuestras vacaciones en la Isla de Jersey, la idea era tomar sol, pero no funcionó la idea debido a que nos echaron por nuestro mal comportamiento, asi que empacamos y nos fuimos a Berlín. La gente siempre dice que Berlin es una ciudad "lluviosa y deprimente" pero nosotros estabamos felices de salir de Londres". Luego Rotten menciona: "Estando en Londres, nos sentiamos como si estuviéramos atrapados en un ambiente de campo de concentración. Había mucho odio y amenazas constantes de violencia en las calles. Lo mejor que podíamos hacer era ir instalados en otro lugar para cambair de aire . Para ello, Berlín y su decadencia era una buena idea. La canción surgió de eso, de lo máginifco que lo pasamos en Berlín. Ver el Muro y toda la locura que habia ahí, donde en la parte occidental se vivia un ambiente de fiesta, mientras los comunistas ni dormian pensando que ocurría en la parte Occidental".

El gancho principal de esta canción es su estructura musical simple, que tiene una linea de bajo muy influenciada por la canción de The Jam "In the City", que fue lanzada al publico meses antes que esta canción, específicamente en abril de 1977.
A pesar que ambas bandas habian compartido, de manera muy amistosa, escenario en Queensway Hall en la localidad de Dunstable, el 21 de octubre de 1976. Luego de esta canción las relaciones entre los musicos fueron muy tensas, ya que el bajista de The Jam, Bruce Foxton, se dió cuenta que los Sex Pistols le habian "plagiado" el riff de guitarra y lo interpretaron en el tema "Holidays in the Sun". Incluso, Foxton y, el bajista de los Sex Pistols, Sid Vicious llegaron a los "combos" en alguna ocasión por culpa de este riff de guitarra, donde el ganador de esa mitica pelea fue... Foxton.

Esta canción fue el ultimo single que lanzó la banda británica antes de disolverse por causas internas entre sus integrantes y completar un corto, pero fructifero camino artistico que les dió un espacio en la historia del rock...

Que la disfruten!!

miércoles, 25 de noviembre de 2009

MASTER OF PUPPETS / METALLICA



"Master of Puppets" es una canción de la banda de "trash rock"estadounidense Metallica. Publicada en 1986 en el disco del mismo nombre de la canción y que fue el tercero en lanzar esta famosa y aclamada banda de rock. Para muchos fanaticos, es en este disco donde el bajista Cliff Burton muestra todo su talento en las cuatro cuerdas.

Esta canción fue grabada en septiembre de 1985 en Copenhagen y la composición trabajada por los cuatro miembros de la banda.
Musicalmente es una opera rockera de gran calidad, con una intriducción de guitarra, bajo y bateria soncronizadas que ya te dice que se viene con todo la energía de esta banda. Ademas cuenta con notables cambios de ritmos dentro de la misma y una parte instrumental donde James Hetfield y Kirk Hammett nos enseñan todos su dotes en materia de riffs y punteos melodicos de sus guitarras que suenan magistrales y hacen mover las melenas en 180° (?) mientras Burton recita versos con una voz profunda y misteriosa.

Master of Puppets tiene varias similitudes musicales con otras canciones de la banda, por ejemplo: Ride the Lightning y ... And Justice for All donde tambien usan largas secciones instrumentales y los Downpicking, que es movimiento rítmico de la púa hacia abajo que hacen los guitarristas.

Sobre la temática de la letra de la canción podemos mencionar que es sobre el abuso de las drogas y como estas dejan al consumidor como un titere que depende de sus efectos para poder vivir.
Sobre esto, el vocalista y guitarrista James Hetfield explicó en una entrevista en 1988, "Trata de los problema con las drogas. de como han cambiado a la gente, que ahora no tiene el control de lo que estan haciendo y tomando. Por ejemplo, la parte que dice "...chop your breakfast on a mirror" habla sobre el acto de preparación del consumo de cocaina".

Sin lugar a dudas, Master of Puppets es una de las canciones mas reconocidas de esta banda, siendo considerada como un emblema musical del trash metal...

Que la disfruten!!!!

BONUS TRACK: UN ELVIS DESCONOCIDO...


Elvis Presley, denominado por muchos como "el rey del rock", siempre dá que hablar y pensar. Un personaje enigmatico tanto fuera como dentro de los escenarios, ya que este joven de "jopo" que cambió el ritmo del mundo con sus "electricos" movimientos de cadera siempre tuvo un lado oculto, ese que no mostraba a la prensa ni al resto resto d elos cantantes que lo querian imitar pero jamas igualar...
Al parecer Elvis siempre estará vivo...

Con respecto a esto, el escritor sevillano Javier Márquez Sánchez en el año 2007 publica un libro titulado "Elvis. Corazón Solitario" donde retrata la vida sentimental, las historias de sus canciones, los secretos que guardaba y la etapa mas amarga de la carrera del rey del rock and roll. Un libro interesante, especial para todos los que quieran aventurarse en la vida de este enigmatico cantante, que es una leyenda muy influyente del rock.

Por ello, con el afán de promocionar este libro, en Octubre del 2007, el escrito español dá una entrevista con el portal ADN.ES, y nos regala 5 de sus anécdotas preferidas sobre Elvis Presley, las cuales señalamos hoy en este Bonus track!!!....

1. La princesa Grace, también horrorizada

"Cuando Elvis alcanza la fama en marzo de 1956 se convierte en la gran figura musical de Estados Unidos pero la clase media y los padres de los fans no le aguantan porque consideran que esas formas de cantar y moverse, tan insinuantes, eran vergonzosas y aberrantes. Hubo quemas de discos y las emisoras le censuraban. Hay un reflejo interesante de ese desagrado cuando Grace Kelly, ya princesa de Mónaco, fue de viaje a EE UU, embarazada de su primer hijo. Un periodista le preguntó si ya había decidido el nombre y ella contestó que 'lo único que hemos decidido es el nombre que no le pondremos, nunca le llameramos Elvis'".

2. Las afortunadas fans tras la verja de Graceland

"Principios de los años 60. Y hablando de mujeres... Elvis en esos primeros años es un mito erótico, a las chicas les encantaba la música pero sobre todo estaban enamoradas de esa forma de moverse. Cuando Elvis se compró Graceland, su casa, había cientos de chicas esperando en la puerta y algunas noches él daba indicaciones a sus colaboradores para que alguna entrase. Alguna noche la voracidad del cantante era tal que, recuerda uno de sus amigos o colaboradores, Elvis abría la verja para que entrasen todas las que hubiera. Este colaborador dijo que empezó a contar y cuando iba por 150 chicas ya se paró".

3. Eric Clapton, ven que te de una oportunidad

"Un salto en el tiempo. En torno al año 75, Elvis vivía encerrado en su mundo. Sólo salía de su mansión para cantar en Las Vegas y hacer giras por el país. Estaba desconectado del mundo que le rodeaba, a todos los niveles y también en el musical. Le gustaba ir al cine y normalmente alquilaba uno de Memphis para pases privados e invitaba un grupo grande de amigos. Un día uno de sus amigos llevó a Eric Clapton, que estaba en un gran momento de popularidad, y se lo presentó. Elvis le preguntó nombre y, sin reconocerle, quiso saber a qué se dedicaba. Cuando Clapton contestó que era guitarrista, El Rey le invitó 'cuando quieras te vienes con nosotros, que nuestro guitarrista es muy bueno y te puede dar algunas lecciones'. El amigo común le pidió a Clapton que disculpara a Elvis pero aquel contestó que porque para él, en verdad, era un honor".

4. El peluquero gurú

"Se habla mucho del lado espiritual de Elvis, la meditación y los libros religiosos que leía. Pero lo curioso es ver cómo nace ese interés. En 1964 Elvis quiere un corte de pelo pero su peluquero habitual ha dejado de trabajar para él, aunque le recomienda a Larry Geller, un joven que puede ser un buen estilista para él. Geller va a casa de Elvis, le peina y, tras una sesión de 40 minutos, Larry hace un comentario que deja entrever sus conocimientos sobre temas trascendentales. Elvis se ve fascinado, hablan sobre el sentido de la vida, se hecha a llorar y dice que ha estado durante años buscando a alguien que le hablara de estas cosas. Llega El Coronel, que era el manager del cantante, para buscarlo y sus amigos le dicen que se está cortando el pelo pero que lleva ya dos horas. Y a partir de ahí, las sesiones de peluquería de Elvis duraban dos horas mínimo".

5. El mensaje de Dios... o de Stalin

"A mediados de los 60, Elvis y sus amigos iban en coche cruzando el desierto. Se paran a descansar y Elvis empieza a gritar, a llamar a todo el mundo y a decirles que está viendo en una nube el rostro de Stalin. La gente se extraña mucho y se dispersan. Entonces Elvis vuelve a gritar diciéndoles que no era el rostro de Stalin sino el de Dios el que acababa de ver. Habla con el peluquero y al final concluye que esa aparición de Jesús en una nube le indicaba que su función, su fin en la Tierra, era dedicar su voz cantar, a hacer feliz a los otros gracias a su voz. Él se sentía confuso porque ganaba dinero, hacía películas, pero no acababa de entender porqué Dios le había dado esa voz... hasta que vio esa nube".



La idea de este post es promocionar este excelente libro. Tuve el honor de leerlo (en las tardes y con un disco de Presley a "todo chancho") y lo encontré fantástico. Lleno de datos de interesantes sobre Elvis, y lo mejor es que no es la tipico libro de prensa rosa o un anecdotario comun y corriente, este libro va mas allá. Nos trae el lado humano de Elvis, sus penas, sus alegrias y su soledad, que a pesar de la fama, lo dejaba mal. Recomendable!!!!

Tal como mencionamos arriba... Elvis siempre estará vivo!!!

Webgrafía:
http://www.adn.es/cultura/20070814/NWS-2143-Elvis-anecdotas.html

martes, 24 de noviembre de 2009

EASY / COMMODORES



"Easy" es una canción de la banda estadounidense Commodores. Fue publicada en Marzo de 1977 (bajo el sello Motown) y debido a su gran éxito de ventas se convirtió en una de las baladas mas famosas de esta agrupación liderada por Lionel Richie.

Fue el mismo Richie quien escribió esta canción, basandose en esas baladas romanticas que eran furor en esos años en los rankings norteamericanos.
La letra de la canción no habla de una amante despechado, que ha sido victima del termino de una relación romantica con su pareja. Pero en lugar de estar deprimido por esa situación, el narrador cuenta que ha sido fácil superarlo ("easy like Sunday morning.")

En la parte musical, esta canción cuenta con un maginifico solo de guitarra y unas armonias vocales en el coro que le dan un toque poco usado en esas baladas setenteras.
Un canción digna para escuchar tranquilo en la casa, con una simpleza musical notable pero efectiva para cualquier melómano.

Esta canción realmente fue lanzada como un salvavidas para la banda oriunda de Detroit, ya que debido al fracaso en las radios de su canción " Just To Be Close to You ", Richie tuvo que apurarse en escribir una canción que lograra el éxito deseado por la discográfica y la banda. Luego de varios intentos creativos, llegó a componer "Easy" con la cual llegó al numero uno en el Billboard de R & B gráfico, y al cuarto puesto en el Billboard Hot 100.

Aunque la banda se dedicaba a hacer música funk, sus mayores exitos fueron las baladas escritas por Lionel Richie, que luego le sacaria provecho, especialmente en su carrera solista, a su talento de componer canciones romanticas "épicas" para bailar pegados en alguna fiesta.

Pero la balada tambien tendria su renacer en el éxito cuando la banda "Faith No More" la incluyó en su disco Angel Dust en 1992 y le hicieron una versión muy interesante, aunque siguiendo las lineas de la idea original.

Que la disfruten!!

domingo, 22 de noviembre de 2009

CERCA DE LA REVOLUCIÓN / CHARLY GARCÍA



"Cerca de la revolución" es una canción del famoso músico argentino Charly García. Publicada en el exitoso e influyente disco Piano Bar en 1984, esta canción es considerada uno de sus emblemas musicales que lo llevaron a la cumbre del rock trasandino y latinoamericano.

Escrita e interpretada por Charly García, esta canción nace en los momentos en que caía la última dictadura militar en su país, la que dejaba cerca de 30 mil personas desaparecidas y un pueblo al borde de la crisis social y económica. La vuelta a la democrácia era la solución y tambien era el momento de la revolución del pensamiento...
Sobre eso trata esa pegajosa canción, al momento de entrar a otra revolución, a aquella fuera de ideales establecidos en viejos libros de historia, sino qu una revolución democrática y social.

Charly esconde el mensaje y nos relata una letra que al esucharla por primera vez se le puede dar un significado romántico o que le esta hablando a dos mujeres. Pero esas dos mujeres son simplemente "La revolución" y la "democracia".

Charly mencionaría en una entrevista sobre esta canción: ""estoy cantando esta canción que alguna vez fue hambre" y al especial momento que vivía el país, luego de haber recuperado la democracia: "Y si mañana es como ayer otra vez, lo que fue hermoso será horrible después; no es sólo una cuestión de elecciones". Esto último fue premonitorio en algún aspecto..."

La canción empieza con un riff muy influenciado por el estilo de la canción "(I'm Not Your) Steppin' Stone" de Paul Revere & the Raiders, lo cual llamó la atención de Fito Paéz, quien por ese entonces era tecladista de la banda de García, y le declaró su malestar al tomar prestado ese riff, quizás con miedo a que lo denuncien por plagio o le cobren un derecho de autor extra al músico del bigote de dos colores. Charly, al escuchar atento a la promesa musical, le dijo, en su humor ironico caracteristico: "escuchame pibe, cuando algo te gusta mucho, tomalo y hacelo tuyo, nada de homenajes ni tributos".

La grabación de la canción incluye a Willy Iturri en bateria, Fito Páez en los teclados y coros, Pablo Guyot en guitarra, Alfredo Toth en el bajo y al señor Charly García en el piano, guitarras y voz principal.

Para finalizar esta entrada con esta espectacular canción, El sitio web www.rock.com.ar consideró, en un ranking, que "Cerca de la Revolución" es la mejor canción de la historia del rock argentino.

Que la disfruten!!!

sábado, 21 de noviembre de 2009

GOD / JOHN LENNON



"God" es una canción del musico britanico John Lennon, que pertenece a su primer disco en estudio (había hecho otros pero experimentales) John Lennon / Plastic Ono Band. El cual fue lanzado el 11 de diciembre de 1970 en los EE.UU. y el Reino Unido.

Esta canción causó mucha polémica cuando fue publicada, ya que trataba de manera muy fuerte los temas religiosos.
De entrada Lennon describe a Dios como "un concepto por el cual medimos nuestro dolor" y luego empieza a declarar un discurso , donde saca todo su espiritu agitador, describiendo su visión sobre Dios en el mismo lodo que personajes como Adolf Hitler, y en la que conviven varios personajes y creencias de las cuales él no comparte como verdaderas: Elvis, Buda, la familia Kennedy, Jesús, Los Mantras, Los Reyes, el Yoga, Gita, I Ching, la Biblia, el Tarot, la Magia y Bob Dylan (cuando dice "no creo en Zimmerman"). Al final de esa llamativa lista, y en un tono muy especial, Lennon grita "No creo en The Beatles", esta alusión a su ex-banda viene de aquella vez que dijo ante la prensa que "Los Beatles eran mas famosos que Cristo", lo cual llevó a que la banda fuera censurada, le quemaran sus discos, perdieran fanáticos y los pifiaran en mas de alguna ocasión, todo por atacar la elección de creer o no creer en alguna religión.
En esa parte de la canción, Lennon hace parar a la banda... Dejando el suspenso y el mensaje en el aire que "The Beatles eran adorados por sus pares como unos dioses".
Su mensaje final es una declaración, junto a su amada Yoko, de su independencia y , la simple pero humana, creencia del uno en el otro

La sección final de la canción describe el cambio que tuvo Lennon desde la ruptura de The Beatles. Ahpi nos afirma que ya no es el "Dreamweaver" o "The Walrus", solo es "John".
La ultima frase es "The dream is over" que era la frase perfecta de Lennon hacia todos los fans que querian la vuelta de la banda mas popular de la historia, pero este les decia que todo había llegado a su final, incluso los ideales Hippies y los sueños de paz y flores de los años sesentas.

En algunas entrevistas, Lennon señalaba ante las "punzantes" preguntas sobre la temática de esta canción que: si existía un Dios, y ese Dios somos todos los habitantes de este planeta.

Musicalmente la canción no contiene arreglos rebuscados, tampoco mucha producción, ya que la misión del disco era sacar un disco vivo, con sonidos sin tantos arreglos ni excesos de efectos de sonidos.
Para esta canción y casi todo el álbum, el productor Phil Spector, solo utilizó cuatro músicos para que acompañen a Lennon en esta canción: El ex-Beatle Ringo Starr tocó la batería, Klaus Voormann, viejo compañero de The Beatles en sus tocatas por Hamburgo y quien diseñara la tapa del disco "Revolver", tocó el bajo. Billy Preston, quien habia tocado en la ultima etapa de Los Beatles, se hizo cargo del piano.

Una canción polemica pero fiel a los ideales de su autor. Lennon era asi, un soñador pero de la realidad, un nihilista moderno y con ritmo... Sea como sea simplemente es John.

Que la disfruten!!

HOY CUMPLIMOS 1 AÑO DE "HISTORIAS DE UNA CANCIÓN"


Un caluroso viernes 21 de Noviembre del año pasado, mientras estudiaba "analisis exploratorio de datos" tuve la idea de hacer un blog diseñado en describir las historias que hay detras de una canción con un afán propio de saber que nos ocultaban, que nos querian decir y cual fue el propósito de su creación.
La idea fue recopilar e investigar dichas historias desde la web (hasta páginas en japones me han servido en la busqueda), libros dedicados a esta materia que al no poder comprarlos (aló IVA???) los leia (y leo) en la misma libreria y esos tipicos cancioneros de "luca-quina" que venden en la calle con la biografia de las bandas de rock y pop extranjeras.

La idea era simple, pasar un buen rato leyendo y escribiendo sobre una canción especifica, especialmente esas que tanto coreamos, esa que nos trae mil recuerdos de antaño, esa que quizás te ayudó en la busqueda de un amor o te sirvió en algun instante de pena, fiesta, risa o llanto. En fin, demostrar que muchas veces lo que no podemos hablar lo podemos cantar y acá te damos algun dato(o datito) de lo que realmente estabas cantando.

Luego del fracaso del primer blog (ya que nadie lo visitaba me bajó una depreweb (?) y lo dejé tirado y lanzé la clave a un río para no lesear mas), meses despues, sin querer lo abrí y me di cuenta que si habían posteos de gente que agradecía la información que les había dado, que encontraban interesante el tema y otros que se quejaban de cosas tan chistosas como " Basta ya!!...Deep Purple no es rock, es Heavy Metal!!" (?) o "que mala la tradución de la letra del Scorcho". Eso, sumado a diversos amigos que me decian "que vuelva el blog po' Jimmy" me decidí a abrir uno nuevo y empezar de cero con todas las vitaminas necesarias... y asi nace DETRASDELACANCION.BLOGSPOT.

Gracias a todos los que visitan (ya son 39 mil) de todo el mundo (?), a los que siguen el blog y comentan algunas entradas, a los que lo siguen por Facebook y los que envian mail's pidiendo sus canciones favoritas que poco a poco les voy dando el gusto. Un abrazo del porte de una ballena azul (?) de parte del Team HDC y sigan visitandonos porque tenemos cuerda para rato!!!...

viernes, 20 de noviembre de 2009

EL BAILE DE LOS QUE SOBRAN / LOS PRISIONEROS



"El baile de los que sobran" es una canción de la exitosa banda chilena Los Prisioneros. Esta emblematica canción, que aparece en su segundo disco titulado "Pateando Piedras" (1986), fue publicada como single en Septiembre de 1986.

Escrita por Jorge Gonzalez (vocalista de la banda y lider), esta canción marcó a toda esa generación chilena, que por causas de la dictadura militar imperante, sufria con la crisis economica que azotaba el país llegando a marcar notablemente la desigualdad social, donde "esa cosa llamada educación" fue un agente de discriminación, ya que los "ricos" tenian acceso a colegios de calidad y los pobres junto a la clase media se tenian que conformar con la educación municipal que por ese entonces pasaba por una gran crisis de recursos y profesores mal pagados.

La canción representa a todos esos jovenes que luego de terminar su etapa escolar y egresar de los colegios, descubren que sus oportunidades laborales son nulas y el entrar a la Universidad, en los ochentas, era muy dificil por el gasto economico. Esto los alejaba dramáticamente de un futuro en la educación superior o de una preparación adecuada para insertarse en el mundo laboral. Al final lo unico que lograban era "patear piedras" que era un termino metaforico para decir "no hacer nada", por eso la canción empieza con la frase: "Es otra noche más de caminar, es otro fin de mes sin novedad".

Musicalmente, esta canción nos trae un sonido electroacustico mezclado con ese tecno-electronico muy al estilo "Depeche Mode".
Uno de los detalles más llamativos de esta canción es el ladrido de perro que se escucha en la parte inicial de la canción. Dicho "dog" pertenecía a la madre de Jorge Gonzalez y tenia como nombre "Nestor" (según Gonzalez "el perro tenía buen carácter y no era muy talentoso, pero podía aprender un par de notas") .

La canción, hasta el día de hoy, es considerada como una de las piezas escenciales de la musica popular chilena, por su mensaje ligado a un contexto muy problematico, donde pocos se atrevían a cantar para hacer pensar dentro del pais.

Los Prisioneros pertenecian a esa juventud que describian en varias de las canciones de "Pateando Piedras", sus tres integrantes eran de familias de clase media y fueron parte de esas humildes escuelas "numeradas".
Para ellos, formar la banda les significó un trabajo estable (no quedar pateando piedras), un sueño hecho realidad ya que eran protagonistas de esas desigualdades educacionales y podian dar su mensaje social a todo el público en sus memorables conciertos.

Que la disfruten!!!...

Pd: Desde hoy tambien incluiremos canciones en español al Blog, con sus historias, anecdotas y curiosidades. La idea es abarcar todos los estilos y lenguajes... es la nueva sopresa que le traemos en el mes de aniversario de este Blog (mañana cumplimos un año en la WEB)

ROCK AND ROLL / LED ZEPPELIN



"Rock and Roll" es una canción de la banda británica Led Zeppelin. Esta canción pertenece al famoso disco conocido como Led Zeppelin IV (ya que al no tener nombre comercialmente fue nombrado asi, aunque muchos lo llaman Zoso, Runes, Four Symbols, Four Sticks o incluso Unnamed).

Esta canción nace de una improvisación en el estudio, donde Jimmy page, John Bonham, John Paul Jones y Robert Plant empezaron a tocar viejas pero famosas canciones de los 50's y 60's mientras intentaban terminar la grabación del tema "Four Sticks".
Todo comenzó cuando el baterista Bonham empezó a tocar la introducción de "Good Golly Miss Molly" y Page se une a su compañero con un solo de guitarra digno de su calidad musical. Luego de eso, empezaron a grabar la música junto a Ian Stewart en el piano.
En una entrevista radial en 1977, Jimmy Page declaró sobre esa sesión: "En realidad, todo fue en un descanso luego de 12 horas de grabación. Pero aun teniamos ganas de hacer algo y decidimos trabajar en esa canción. Incluso Robert Plant, llegó al estudio, y se puso a cantar de inmediato".

Musialmente esta canción es una mezcla muy interesante entre el Hard Rock y el Blues, estilos donde la banda hacia magia musical.
La parte de guitarra interpretada por Page nos trae un fusión perfecta de hard Rock que en notas dobles de la 6ª, 5ª, 4ª y 3ª cuerda que se entrelazan. El solo consiste en notas agudas empleadas generalmente en la segunda y primera cuerda.
El intro de batería está inspirado de "Keep a Knokin'" del gran Little Richard y la letra ,escrita por Plant, trae referencias a varias canciones de los 50's y los 60's como "The Stroll," "The Book of Love," y "Walking In the Moonlight", lo cual deja muy claro que la canción es un homenaje, en Hard Rock, a los pionero del Rock'n'Roll.

Esta canción, que es una de las mas populares del catalogo de la banda, formó permanentemente una de las partes aplaudidas del repertorio de Led Zeppelin en vivo, siendo interpretada hasta el final de sus giras.
Ademas fue una de las canciones interpretadas en la reunión de Led Zeppelin en 1985 (con Phil Collins en bateria) durante el Live Aid y también en la reunión de 2007 en el Arena02.

jueves, 19 de noviembre de 2009

BONUS TRACK: COMO DESTROZAR (POR CULPA DEL INGLES) UN CLASICO DEL ROCK...



En los diccionarios modernos, la definición de "cover" es un termino anglosajón que se refiere a una canción versionada o una nueva interpretación ( ya sea en directo, o una grabación) de una canción grabada previamente por otro artista que el que la interpreta.

Existen buenos covers de canciones, incluso algunos han ido mas allá y han adaptado canciones de otra decada y las han puesto en el número uno de los rankings (pueden ver varias entradas en el blog donde se demuestran estos hechos), del otro lado de la vereda, tambien exiten covers que han sido menos exitosos por su calidad musical o porque simplemente destrozaron la canción original.

Lo que les dejamos ahora es algo inédito... un buen cover (musicalmente los encuentro geniales) pero con una interpretación vocal digna de un show humoristico de trasnoche además de demandarle mas "pega" a los profesores de Ingles en este flaco y largo pais. Con ustedes los rancaguinos Manhattan Sur y su cover de Smoke on The Waters... titulado por los usuarios del portal Youtube como Loooo woly woooo tai (lluvia de ????).

Ojalá Ritchie Blackmore (guitarrista de Deep Purple) no se querelle o viaje a Chile a romperle una de sus guitarras distorcionadas favoritas en las cabezas de cada uno de estos proceres.

Opinen, rian o lloren ( si es que eres fans "a morir" de los Deep Purple)... yo lo tomo como un Bonus Track para reir y disfrutar un rato porque son jovenes simpaticos, con ganas de tocar y pintar el mono arriba de una escenario... aunque he visto peores interpretaciones.

cuidate Ian Gillan!!! (????????)

ONLY A NORTHERN SONG / THE BEATLES



"Only a Northern Song" es una canción de la famosa banda The Beatles. Con musica y letra de George Harrison, esta canción aparece en el disco Yellow Submarine (soundtrack de la pelicula animada del mismo nombre) publicado en Enero de 1969.

Originalmente esta canción fue grabada en las sesiones del aclamado album Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band pero Harrison decidió no incluirla por encontrarla algo pobre musicalmente hablando.
La primera grabación fue hecha el 13 de Febrero de 1967, con un mix de pistas que fueron añadidas por medio de cintas por Harrison bajo un duro y cansador trabajo hasta el 20 de Abril. George se dió la labor de grabarla con dos maquinas de cinta de 4 tracks y bajo ocho pistas que organizaron la armonia de la canción. Esta forma de grabar fue muy llamativa, ya que nadie en Abbey Road había exprimentado esa forma de trabajo en los estudios. Además incluye varios instrumentos muy inusuales dentro de las grabaciones de The Beatles, por ejemplo un solo de trompeta distorionada tocada por Paul McCartney junto a varios efectos de sonidos y ruidos hechos por Lennon y Harrison.

La letra de la canción tambien ha sido objeto de criticas y varias polemicas por muchs fans de la banda y el mismo autor. En primera instancia Harrison se refería a la temática de la canción como "una broma asociada a Liverpool, que muchos denominadan como "la tierra santa del norte de Inglaterra".
La ironia estaba bien marcada dentro de la letra la canción, que entonada en una sarcástica voz nasal, contenia estrofas con ideas muy autoreferenciales como "It doesn't really matter what chords I play/What words I say or time of day it is/As it's only a Northern Song."

La letra también refleja el poco entusiasmo que Harrison ya sentía por la banda, sobre todo después del último concierto en Candlestick Park en 1966 donde amenazó con irse de la banda por problemas internos.
Por esa razón, la canción no era una simple broma, no era solo una jugarreta en el estudio, sino que traia un mensaje critico de George Harrison hacía Northern Song Ltd, que era la empresa propietaria desde 1963 de los derechos de autor de la dupla Lennon/McCartney. Debido a que en 1965 la empresa fue vendida a otros propietarios, se dió a conocer que John Lennon y Paul McCartney poseían un 15% de acciones mientras Harrison era propietario sólo de un 0.8%. La razón de esta minima suma de dinero se debía a que Harrison solo fue contratado por esa empresa como un simple compositor que mantenia sus derechos de autor ahí, mientras que John y Paul eran accionistas mayoritarios y eso hacia que reciban mas ganacias por sus canciones que George.

La canción apunta especificamente al principal accionista de Northern Song, el productor Dick James. "Me gustaba esa idea de escribir una canción asi... como si esperara que Dick James le asigne una clasificación" comentó Harrison en una entrevista. Además agregó: "Me di cuenta de Dick James me había estafado con los derechos de autor de mis propias canciones, siendo mi editor. Claro, cuando el se ofreció ser mi editor quedé tan feliz que altiro pensé "genial, alguien va a publicar mis canciones! " Pero nunca me dijo, "Pero, cuando usted firma este documento, me está asignando la propiedad de todas sus canciones", que es lo que pasó despues. Era sólo un robo a mano armada. Cuando me dí cuenta de lo sucedido escribí Only a Northern Song como una ironia al respecto!

Esta canción tuvo su aparición, por primera vez, en la película animada Yellow Submarine de 1968 y fue publicada oficialmente en su banda sonora de 1969 demostrando que Harrison no era un simple músico de acompañamiento dentro de la banda mas influyente de la historia del rock.

Que la disfruten!!!