viernes, 29 de octubre de 2010

SATURDAY NIGHT / BAY CITY ROLLERS



"Saturday Night" es una canción del grupo Pop escocés Bay City Rollers que fue lanzada como single en el año 1975 y se convirtió en uno de los éxitos musicales más potentes de ese año y una de las piezas musicales mas reconocidas de estos simáticos jóvenes oriundos de Edimburgo.

Ese año 1975 traia nuevos proyectos para esta banda juvenil que la rompía con "tutti" en el Reino Unido desde que apareció en las disqueras, en 1971, su magnifica versión de "Keep On Dancing" que fue todo un éxito y les abrió las puertas a la fama.
De ahí en adelante, con varios cambios en la formación y en la "facha", los Bay City Rollers (cuyo nombe fue elegido al azar por su manager Tam Paton) tomaron sus maletas y fueron recorriendo todas las ciudades de Inglaterra entonando sus canciones y reversiones de clásicos del rock and roll y haciendo delirar a su fanaticada que los seguían a todas partes.
En medio de la "rollermanía", los productores y los integrantes de la banda decidieron dar un salto continental y tratar de conquistar los charts de estados Unidos, un mercado que les traería mas dólares a sus arcas y los dejaría como una leyenda del Pop británico. Para hacer realidad ese sueño sólo necesitaban una canción...

En esas extensas reuniones con la banda en los estudios de grabación, los productores Bill Martin y Phil Coulter les plantearon la idea de volver a grabar un viejo hit que habían escrito en 1973 para el primer disco de los BCR. Se referían a esa canción se llamaba "Saturday Night", que fue escrita por estos dos productores pero que ahora veían con buenos ojos hacer una reversión sólo para Estados Unidos.
Martin y Coulter habían escrito esta canción en 1973 para que fuera incluída en el disco Rollin', que fue el primer LP de esta banda escocesa y causó mucho furor en el Reino Unido. En esa grabación, la voz principal estuvo a cargo de Gordon "Nobby" Clark , que por ese entonces era el cantante de la banda. Pese a que sonaba bien y tenía un coro pegajoso, la canción pasó sin pena ni gloria dentro del disco. Tiempo despues, Clark decide abandonar la banda para dedicarse al canto como solista y la canción quedó ahí, como una simple pieza de relleno para el disco.

Pero en ese mítico año 1975, los productores de BCR decidieron reemplazar a Clark por el jóven Les McKeown y la primera tarea que le pusieron sobre la mesa era grabar "Saturday Night".
Martin y Coulter se dieron la tarea de arreglar con pinzas la canción, aumentarle el optimosmo del coro y dejarla como una pieza positiva y apta para las pasarla bien con amigos en un bar, discoteca o una simple reunión con cervezas.
Los BCR grabaron la canción y el resultado fue un producto Pop de gran calidad, que de seguro la rompería en Estados Unidos con esas líneas que viajan con acordes de rock y con un gancho comercial memorable: S-A-T-U-R-D-A-Y.
El toque vocal de McKeown también ayudó a los nuevos aires de la canción entregandole un sonido distinto, medio dulzón y algo delicado.

Nunca hubo dudas, porque la canción estaba para romper esquemas y asi no más fue. A comienzos de 1976, año en que Estados Unidos celebraba su Bicentenario, la canción llegaba al prumer lugar del Bill board Hot 100 y era coreada en muchos medios de comunicación.
En muchos programas de televisión se peleaban los contratos para tener como invitados a estos chicos que venían de la lejana Escocia. Las niñas lloraban al verlos cantar, querían tenerlo todo sobre ellos , coleccionaban fotos las biografías, le tiraban su ropa interior (?) y se ponían celosas si se enteraban que uno de los chicos estaba "pololeando". Parecía que la banda lo tenía todo...

Pese a que los críticos esperaban más de los BCR en Estados Unidos, nunca más pudieron igualar el éxito de esta canción y rápidamente pasaron al olvido en los charts y los medios de comunicación.
En el reino Unido la cosa fue más lenta, ya que lograron lanzar unos singles antes que todo se fuera a "las pailas". Con cambios en la formación, con miembros que terminaron siendo actores pornos y una que otra polémica la banda fue perdiendo pisada en el plano musical.
Con la llegada del Punk, los BCR desaparecieron de la escena musical y pasaron a mejor vida como ya le ha pasado a varios grupos Pop de antaño.

Les dejamos este clásico Pop, ue de seguro les traera mas de algun recuerdo...
Que la disfruten!!!

jueves, 28 de octubre de 2010

SPIRITS IN THE MATERIAL WORLD / THE POLICE



"Spirits in the Material World" es una canción de la banda británica The Police que fue lanzada como single en el año 1982 convirtiendose en una de las canciones mas emblemáticas de este trio musical oriundo de Londres.
Fue incluída en su cuarto disco "Ghost in the Machine", que fue publicado en Octubre de 1982, y que es considerado uno de los trabajos musicales más experimentales y oscuros de la banda, donde además incluyen mucho sentido social dentro de sus letras.

"Spirits in the Material World" fue escrita por Sting, lider creativo de la banda, que se inspiró para la idea principal de la canción en los escritos del novelista, ensayista y filósofo húngaro Arthur Koestler. Sting, que además de músico casi fue futbolista profesional y además se las dió de profesor de Inglés, se declaraba fanático de la obra de este activista político que adoraba la ideología comunista (se declaraba un comunista romantico) y en 1931 se alistó dentro de ese conglomerado político pero seis años despues, luego de conocer la realidad de esos ideales, decidió abandonar el Partido Comunista bajo una desilución tremenda.

Sting se sentía muy representado con las ideas planteadas por Koestler, especialmente en sla obra Ghost In The Machine (1968) donde el ensayista húngaro nos presenta la hipótesis de que el aparente instinto de autodestrucción de la humanidad puede tener una base fisiológica en ciertas patologías cerebrales. En otras palabras, Koestler nos quiere decir que ese impulso de autodestrucción, que restringe el espiritu y el pensamiento del ser humano es generado por influencias externas que estan presentes en nuestro contexto, en este caso los gobiernos y los partidos políticos, a los cuales el autor los señala como "la máquina".

Bajo esos ideales filosóficos y ante los problemas sociales que eran pan de cada día en distintas partes del mundo en los 80's, Sting empezó a escribir esta gran canción a ritmo de Reggea.
Dentro de la letra, la palabra "material" va muy ligada a la comparación entre los físico y lo espiritual. Esto tiene sus inicios a partir de una idea fundamentada en la dualidad.
Esta dualidad o separación, tradicionalmente nos ha indicado que no se puede tener todo o que al tener algo por exclusividad pierdes lo otro. Un buen ejemplo para reflexionar sobre esto que plantea Sting en la canción, es el caso que si tienes dinero serás pobre espiritualmente y si eres rico espiritualmente carecerás de riqueza material.

Vamos ahora al plano musical donde "Spirits in the Material World" nos trae al ruedo una melodía New Wave muy marcada por el Reggea. Esta experimentación resulta ser muy interesante.
Sting se hizo cargo del bajo, los sintetizadores, el saxofón y en la voz. Mientras que Andy Summers fue el dueño de las guitarras, el piano y fue encargado de los coros. El baterista Stewart Copeland se encargó de todo lo que tenía que ver con percusiones.

Finalmente fue lanzada como single en 1982 obteniendo gran éxito en toda Europa y Norteamerica. En el Reino Unido la canción llegó a la casilla #12 en el Reino Unido y en Estados Unidos este temazo llegó al puesto #11 del Billboard Hot 100.

Les dejamos esta "joya musical" que nos dejó como legado Sting y compañía...
Que la disfruten!!

miércoles, 27 de octubre de 2010

LIAR, LIAR / THE CASTAWAYS



"Liar, Liar" es una canción de la banda estadounidense The Castaways que fue lanzada como single en el año 1965 conviertiéndose inmediatamente en un hit radial y en una de las canciones mas famosas de la decada de los 60's.
De paso, el éxito de esta canción sacó a la fama mundial a esta banda oriunda de Minnesota que hasta ese entonces pasaban desapercibidos entre la gente de sus barrios y se dedicaban a tocar en fiestas escolares y tertulias varias.

Los Castaways eran James Donna en teclados, Robert Folschow y Roby Dick en las guitarras, Roy Hensley en bajo y Dennis Craswell en la batería y desde el año 1960 llevaban tocando covers y canciones para animar fiestas, tertulias y una que otra tocata en su ciudad y saciar sus gnas de ser rock star y dejar marcado un estilo propio.
Cosecharon gran fama en su localidad y los alrededores, pero sería recien en 1965 cuando encontrarian la tan ansiada fama al lanzar al mercado la oscura melodía de "Liar, Liar", una pieza fundamental para la música de los 60's.

"Liar, Liar" fue escrita por Donna y Craswell durante las sesiones de ensayo de la banda y tenía varios detalles que la hacían una pieza musical con tintes extraños, partiendo con ese llamativo falsete en voz del guitarrista Robert Folschow que no deja de ser una joya que le dá otro aire a la canción.
Musicalmente esta canción tambien tiene tintes notables para el oyente, y está muy marcada con ese juego de teclados y guitarras que se pasean entre los versos de una manera tenebrosa pero a la vez interesante para otras bandas que tomaron muy en serio la influencia de esta canción, que a la postre fue el unico hit de los Castaways y los ayudó a tener sus años de fama y una excusa para ser invitados a los medios de comunicación.

Con "Liar, Liar"llegando al puesto #12 del Billbord Hot 100, la banda pasó de tocar en una fiesta para jubilados en Minnesota a estar en los escenarios mas prestigiosos de Estados Unidos y tambien los llevó a firmar un importante contrato con el sello Soma Records, que se dióla tarea de grabar el hit y llevarlo a todas las disqueras de Norteamerica.
Fue tanto el éxito de eta canción de los Castaways, que con el paso de los años ha sido puesta dentro de las bandas sonoras de las peliculas Good Morning, Vietnam y Lock, Stock and Two Smoking Barrels. Además tuvieron una breve participación en una escena de la pelicula It's a Bikini World de 1967, donde salen tocando su gran hit radial.

Actualmente la banda sigue tocando sus cacniones en algunas fiestas, matrimonios y graduaciones donde quieren echarle un vistazo a la nostalgia. Los Castaways, liderados por James Donna, terminaron tal como empezaron; ensayando en su garage en algun lugar de Minnesota esperando algun telefonazo de una persona que los quiera contratar, total aprovecharon la máximo su momento de fama y la disfrutaron a concho.

Les dejamos este hit de hits... Que la disfruten!!!

martes, 26 de octubre de 2010

LOVE IS THE DRUG / ROXY MUSIC



"Love Is the Drug" es una canción de la banda británica, experta en Glam Rock, Roxy Music que fue lanzada como single en Septiembre del mítico año 1975 y fue incluída en el famoso disco Siren (donde aparece la hermosa modelo Jerry Hall en la portada).
Esta banda, liderada por el excéntrico Bryan Ferry, fue uno de los pilares fundamentales en el durgimiento del Glam Rock, con un sonido Pop que rodeaba la íronia de sus letras y con un llamativo juego de sintetizadores que estuvieron a cargo por algunos años del famoso compositor Brian Eno.
Navegando por varios estilos musicales (entre los que cuentan el New Wave, el Synth Pop y el Punk), estos chicos ingleses se convirtieron en una banda de culto que inspiró a muchas agrupaciones pop ochenteras.

Pero vayamos al año 1975, época en que la banda ya tenía abonadas muy buenas criticas por parte de la prensa por sus discos "Stranted" y "Country Life", que era verdaderas joyas musicales. Por eso días la ausencia de Brian Eno, que se retiró de la banda en 1972 por diferencias con Ferry, no había sido un error sino que ayudó a que la banda salga de su lado experimental y under y empieze a ir de la mano con lo comercial, aunque algunos fans se hubieran enfadado en primera instancia.

En esos días, la banda quería mostrar que tambien eran buenos en la construcción de hits bailables (estilo musical donde aún no ponían su bandera) y el encargado de crear las melodías fue el saxofonista Andy Mackay, que le presentó un día a la banda una parte instrumental bastante llamativa y que contó con el visto bueno de Ferry. Sólo faltaba una buena letra...
Asi fue como una tarde, mientras caminaba por Hyde Park, Ferry se le ocurrió la idea principal de la letra que sería incluída dentro de la maqueta musical de su compañero. Se fue corriendo a su casa a dejar plasmada su ídea.

Sobre el histórico momento de la composición del tema, el saxofonista Andy Mackay recordó en una entrevista con el The Mail, hecha en Junio del año pasado: "Bryan (Ferry) trabajaba sin parar las letras y luego las llevaba al estudio y las interpretaba en una sola toma y sin arreglos. Era sorprendente, parecía un mago sacando conejos de su sombrero. No hay dudas de que lo más emocionante fue lo que hizo con esta canción (Love is the Drug)".

No hay dudas de que esta canción contiene una de las líneas de bajo más famosas de la historia rock y se ha convertido en una de las canciones épicas para el Art Rock, por su sentimiento intelectual y su experimentación que navega entre el rock, algunos guiños al Jazz y el pop de una manera muy inteligente y bastante llamativa para otros músicos.

Con esta canción la banda logró cosechar la fama necesaria para conquistar los charts estadounidenses, que hasta ese entonces nunca habían logrado entrar de manera decente. Con su llegada al casillero #30 del Billboard Hot 100, la banda ya tenía suficiente satisfacción por el trabajo realizado. Mientras que en sus tierras lograban el segundo puesto del UK Singles Charts, con lo cual dejaron muy en claro que ellos eran una banda camaleonica, que ante cualquier ritmo hacían una buena canción.

Les dejamos este temazo de proporciones... Que la disfruten!!!

domingo, 24 de octubre de 2010

NEL BLU DIPINTO DI BLU (VOLARE) / DOMENICO MODUGNO



"Nel blu dipinto di blu" (más conocida en todo el mundo como "Volare"), es una popular canción del cantautor italiano Domenico Modugno que fue presentada al mundo en el año 1958, convirtiendose rapidamente en un clásico musical que dió la vuelta al mundo.
Con esta canción, la popularidad de Modugno (que tambien era director de teatro y años despues fue diputado por el Partido Radical Italiano) traspasó todas las fronteras y todos los continenete conviertiendo su canción en una de las meldías mas populares de la historia de la música popular.

Era mediados del año 1957, y el famoso Festival de San Remo, evento musical mas popular de toda Italia, estaba buscando canciones para su competición, que tenía un premio muy especial: El ganador se llevaba los pasajes para competir en el Festival de la cancion de Eurovision. Eso tenía muy ansioso a varios compositoes italianos, que son "capos" en hacer y tejer acordes para preciosas baladas.

Uno de esos compositores era Domenico Modugno, un talentoso italiano que tenía un talento en la guitarra, en el canto y además gustaba del teatro y compartía su tiempo escribiendo ua que otra obra. En fin, un artista completo.
Modugno compuso una dramática balada llamada "Nel blu dipinto di blu" con el fin de postularla para que sea partícipe del Festival italiano más popular y reconocido a nivel mundial. Para que no se le escape ningún detalle, le pidió una ayuda al productor y escritor Franco Migliacci, para que los asesorara en las letras y los arreglos musicales. En pocos días la canción estaba lista para ser enviada al jurado del festival...

Esta maravillosa y delicada balada relata un sueño , con tonos muy surrealista, de un hombre que quiere volar por los aires para sentir la libertad de la brisa del viento, poder divisar lo infinito que es el cielo azul y finalmente sentirse bien y totalmente rodeado de paz.
En fin, si la melodía es una delicia impregnada de detalles instrumentales muy finos, la letra es una poesía simple pero a la vez potente porque está llena de frases para el bronce. Esos detalles hacen que la canción sea una joya...

Finalmente "Nel blu dipinto di blu" fue presentada en el Festival de San Remode 1958 y fue interpretada por el mismisimo Domenico Modugno junto al tambien cantante Johnny Dorelli que dejaron al jurado con los pelos de punta ante una actuación sobre el escenario magistral. No había lugar para dudas, "Volare" ganó la competencia y además la popularidad del público que ya se sabía parte de la letra despues de estas presentaciones.
Junto con los abrazos, los galardones y los aplusos, Modugno se ganó los pasajes para representar a su Italia querida en el Festival de Eurovisión donde finalmente sacaría el tercer lugar entre las 10 naciones participantes. Un triunfazo!!!

De ahí en adelante la popularidad de Modugno era mas grande que la Torre de Pisa (?). Invitado a todos los programas de televisión en Italia, ganando tres veces más el festival de San Remo con sus llamativas composiciones y con "Volare" sonando en toda Europa y Estados Unidos. Que mas podía pedir este talentoso artista del pais con forma de bota??...

“Volare” se convitió en la canción italiana más conocida, sólo superada por “''O sole mio”, y además fue el unico single en la historia de la música italiana en llegar al primer lugar en los charts estadounidenses. Este llamativo récord no ha sudo superado hasta la fecha.
Fue tanto el éxito de esta canción de Modugno, que los medios de comunicación lo celebraban como si hubieran ganado la Copa Mundial de Futbol. Un ejemplo, el diario italiano "L'Espresso", tituló en su portada: «Modugno ha conquistato l'America».
Finalmente, la cifras dijeron que sólo en Italia el single con la canción vendió 800.000 copias. Mientras que en el resto del mundo se vendieron 22 millones de copias.

La canción dió la vuelta la mundo y pasó a ser conocida simplemente como "Volare", y esa palabra le dió un tinte especial pra ser interpretada en varios paises y traducida a sus respectivos idiomas. Quizás una de las versiones mas famosas es la del francés de rumba catalana grupo Gipsy Kings, que le hizo una versión fenomenal...

Una canción que pasó a ser un himno popular, una pieza italiana de alto grado que de seguro traerá mas de algun recuerdo... grazie mille!!!!
Que la disfruten!!

sábado, 23 de octubre de 2010

EVIL WOMAN / ELECTRIC LIGHT ORCHESTRA



"Evil Woman" es una canción de la banda británica Electric Light Orchestra que fue lanzada como single en Octubre y Noviembre del año 1975 exclusivamente para el Reino Unido y Estados Unidos respectivamente.
Aademás, esta famosa canción fue incluida en el disco Face The music, que fue la quinta placa de esta famosa banda liderada por Jeff Lynne, que le traería buenos dividendos a sus arcas especialmente desde tierras Norteamericanas donde el disco fue furor y "Evil Woman" la "rompió" en los charts.

Pero el logro de la banda tuvo que pasar por varias situaciones complejas, una de esas fue el cambio en la formación, entrando a la cancha el bajista Kelly Groucutt y el chelista Melvyn Gale reemplazando a los que hasta ese entonces eran titulares como Mike de Albuquerque y a Mike Edwards respectivamente. Con esa formación ya ambientada y bien complementada al plan de trabajo, los chicos de la ELO pescaron sus maletas y se marcharon a grabar su quinto LP a Munich, Alemania, especificamente a los Musicland Studios de esa bella ciudad teutona.

Lynne y compañía no se tomaron su visita a Alemania como unas vacaciones pagadas y entre Mayo y Junio de 1975 sacaron a relucir todas sus ideas musicales para crear un disco de calidad, tal como se lo pedían sus fans y la prensa, que estaba espectante a escuchar algo nuevo de la ELO.
Luego de duras semanas de trabajo, la banda ya había grabado gran parte de las canciones que estaban aptas para el sonido del disco. Pero Jeff Lynne aun quería encontrar una canción que fuera un hit comercial para la promoción del LP , y aprovechando que le quedaba un poco de tiempo antes de partir a Londres y que el resto de la banda fue a comprar recuerdos y a conocer que había mas allás de los estudios de grabación, se dió el momento para empezar a pensar y trabajar en una canción.
El "barbón" se sentó frente al piano y empezó a buscar los acordes que lo llevaran a una canción especial. La tarea al parecer fue facil, ya que en un dos por tres sacó un riff en el piano el cual sería una pieza clave en su nueva canción.
Cuando llegó el resto de la banda al estudio a buscar sus instrumentos, se dieron cuenta que tenían aún les quedaba trabajo, Lynne había escrito una canción llamada "Evil Woman" y quería grabarla antes de partir a casa.
De inmediato el resto de la banda tomó sus intrumentos y empezaron a tocar la canción. La ensayaron durante toda la tarde y a la noche ya habían grabado. La pate instrumental de "Evil Woman" estaba hecha en su totalidad. Al otro día dejaron grabada la parte vocal y se fueron a Londres...

Sobre esto ultimo, referido a la letra de la canción, muchos fanáticos especulan que Jeff Lynne tuvo alguna experiencia amorosa fallida que quizo plasmar en la letra de esta canción que habla de una mujer mala, casi diabólica que le gusta dejar a los hombres sumergidos en la melancolía jugandoles "chuecos". Pero eso nunca lo ha aclarado el autor d ela canción y siempre que le hacen esa "puntuda" pregunta en alguna entrevista el músico responde muchas frases irónicas y nunca dá pistas ni menos va a dar nombres.
Tampoco hay que descartar que la letra es simplemente pura e inocente fantasía que quizas fue hecha con algo de humor, para hacer que el fanático se pregunte estas cosas que relatamos en estos momentos.
El misterio sigue vivo y eso le dá un toque especial a la canción...

Pero volvamos a la historia.... Cuando la banda pisa suelo británico, de imediato parten al famoso De Lane Lea Studios para afinar el sonidos de las cuerdas e incluirle un coro femenino, que tambien es una de las piezas claves de esta canción.
En los coros participaron Ellie Greenwich (que tambien hizo coros en algunas canciones de Neil Diamond) ,Susan Collins, Nancy O'Neill y Margaret Raymond.

"Evil Woman" fu el primer gran éxito mundial de Electric Light Orchetra y en ese entonces fueron las primeras canciones con aires comerciales que lanzaba la banda como single.
El éxito de esta canción fue en vrios paises del mundo, incluyendo entrar al Top Ten en el Reino Unido y en EE.UU.
En el UK Singles charts la canción entró Entró en el 10 de enero de 1976 y alcanzó el puesto # 10 el 31 de enero de 1976, pasando casi ocho semanas en esa posición. Minetras que en EE.UU., "Evil Woman" entró al Billboard Hot 100 el 15 de noviembre de 1975 y alcanzó el número 10 durante dos semanas consecutivas el 14 de febrero y 21 de 1976, pasar 17 semanas en la tabla y entró a las listas de caja Caja el 15 de noviembre de 1975, alcanzó el puesto # 9 el 14 de Febrero de 1976 y logró estar dentro del Top Ten por casi dos semanas. Para volver a entrar el 1 de Febrero y permanecer 9 semanas en el Top Ten por segunda vez.

Un temazo de proporciones para una de las agrupaciones mas interesantes de mitad de los 70's...
Que la disfruten!!!


viernes, 22 de octubre de 2010

BONUS TRACK: EL PEZ ZEPPELIN


Justin Havird, es el nombre del investigador, graduado en la Universidad de Auburn, que decidió rendir un homenaje a uno de sus grupos de rock favoritos: Led Zeppelin, bautizando a una nueva especie de pez con el nombre de la mítica banda de Hard Rock.
El nombre científico inventado por Havird es Lepidocephalichthys zeppelini, el cuál decidió utilizar ya que las aletas del desconocido pez tenía gran parecido a la emblemática guitarra de doble brazo que utilizaba Jimmy Page sobre el escenario.
radiografia del pez rockero (?)

Según ha explicado Havird: "soy un gran fan de Led Zeppelin y estaba escuchándolos mientras trabajaba investigando al pez. La estructura que hace a esta especie única me recordó a la guitarra que tocaba Jimmy Page". Eso si que es fanatismo!!!!

De acuerdo con la revista científica Zootaxa es común encontrar al "Lepidocephalichthys zeppelini" en el sur y sureste de Asia, incluyendo las islas de Java y Borneo.
Por ahora nadie a mencionado si este pez puede ser comestible (disculpen si nos desubicamos, pero somos fanáticos de la pesca ), pero pronto sabremos si seria bueno acompañarlo con un buen vino chileno y de fondo uno de los "temazos" de esta gran banda británica.

Fuente: El Pais

BABY, I LOVE YOU / THE RONETTES



"Baby, I Love You" es una canción del grupo vocal femenino estadounidense The Ronettes, que fue lanzada como single en Noviembre de 1963 siendo el segundo gran éxito de esta agrupación que fue un furor en los sesentas gracias a las genialidades del productor Phil Spector, que detras de las perillas tenía una caja para sacar hits en voz de estas tres talentosas damas.

Luego del rotundo éxito que cosecharon Veronica Bennett (que luego tomaría el nombre de Ronnie Spector), su hermana Estelle Bennett y su prima Nedra Talley con la interpretación de "Be My Baby", la banda y el productor Phil Spector decidieron retomar esa idea musicaly lanzar inmediatamente un nuevo single para que la fama y los chueques se eleven hasta las nubes mas altas.
Para ello, Spector se contactó nuevamente con el compositor y productor Jeff Barry y con, el tambien compositor, Ellie Greenwich, ambos autores del primer hit de la banda, para que empezaran a trabajar en una nueva canción para sus Ronettes. Estos dos "artesanos de canciones" le enviaron inmediatamente una cinta al "loco" Spector con una canción llamada "Baby, I Love You" que contenía una armonía muy parecida a "Be My Baby" y sonaba como un futuro hit. La versión que llegó a las manos de Spector contaba con la voz de una joven cantante llamada Cher, que por ese entonces hacía sus primeras apariciones en la escena musical estadounidense. Años despues, y bajo la tutela del mismísimo Spector, volvería a cantar esta canción pero en una versión a puro piano y mas lenta, y a la vez mas emotiva. Pero eso es otra historia... Volvamos a 1963.

Asi fue como Spector, luego de escuchar la canción, quedó bastante motivado con la ídea y empezó a trabajar esta melodía para que la puedan interpretar las Ronettes. Para ello recurrió a su famoso "Muro de sonidos", que fue una llamativa técnica de producción donde se resaltan las percusiones con un eco bastante inusual en ese entonces. Además se duplica y a la vez se desfasan los canales de sonido para que la canción logre un efecto de sonido que no vaya tan de la mano con la melodía principal. Este "Muro de sonido" contiene gran cantidad de coros (con aires celestiales), instrumentos de cuerdas y de bronces, siendo un trabajo de producción donde cada detalle tiene que ir en su momento justo. De ese proceso sale "Baby, I Love You", listo para que las Ronettes le pusieran su sello vocal.

Luego de la grabación de este "temazo", la banda y el sello discográfico que las tenía en sus filas en ese entonces deciden lanzar "Baby, I Love You" en Noviembre de 1963 pero la carrera ascendente del single se vió truncada por una tragedía que paralizó a todo el mundo: El asesinato del Presidente estadounidense John F. Kennedy el 22 de Noviembre de 1973.
Luego de ese impactante suceso, la gente y los medios de comunicación se empeñaron en rendir un luto sobre la muerte de su líder político. Para ello quitaron de las ventas y de las emisoras radiales las canciones que tengan aroma a "optimismo". Una de esas canciones fue el segundo single de The Ronettes.
Segun Spector, ese fue el motivo que llevó a "Baby, I Love You" a tan sólo ocupar la casilla #24 del Billboard Hot 100, que contrastaba con el megaéxito que lograban en el Reino Unido, cuando se supo que la canción estaba en el puesto #11 de los charts.

A pesar de no igualar el éxito cosechado con "Be My Baby", esta canción tambien fue interpretada por otros artistas, que la tenían como una canción épica para la décad a delos 60's. Ese es el caso del famoso galés destructor de guitarras Dave Edmunds, que grabó una versión de esta canción en 1973 para rendirle un homenaje a su amigo Phil Spector y resultó ser todo un éxito en tierras británicas.
Siete años despues de la versión de Edmunds, vino el turno de la banda de Punk Rock estadounidense The Ramones, que interpretaron magistralmente esta canción bajo la producción del famoso productor y tambien lograron cosechar gran éxito en Inglaterra.

En resumen, una canción genuina, llena de detalles que la hacen ser una de las canciones mas famosas de las Ronettes y de toda la década de los 60's...
Que la disfruten!

jueves, 21 de octubre de 2010

WORKING CLASS HERO / JOHN LENNON



"Working Class Hero" es una canción del músico británico John Lennon, que forma parte del repertorio de su disco debuto como solista John Lennon/Plastic Ono Band, que fue publicado el 11 de Diciembre del año 1970.
Con este disco, Lennon logró muy buenas criticas por parte de la prensa. Esa misma prensa mundial que pensaba que despues de los Beatles, sus integrantes pasarían al olvido y que las buenas canciones de Lennon, McCartney, Harrison y Starr quedarían colgados como cuadros de obras de arte sesentero.

Tras tres álbumes experimentales y con poco sabor a Pop y Rock, Lennon decide dar su gran paso ahora como ex-Beatle lanzando una joya musical llamada John Lennon/Plastic Ono Band, cuyo título rinde honor a la banda de musicos que lo acompañaban en las canciones. Un disco con letras personales, con una euforía que se transmite en todas las canciones. Con un Lennon rebelde, a ratos depresivo y en otros momentos irónicos. Pero tambien con conciencia social, que sería su bandera de lucha durante su nueva decada de vida terrenal. En especial su repudio a la diferencia de clases sociales, un producto generado del capitalismo imperante en el mundo...

Desde que era parte The Beatles, Lennon se consideraba en varias entrevistas como un miembro -y heroe- de la clase obrera, ya que había sobrevivido en una casa sin sus padres y al cuidado de una tía, que el músico de cariño le llamaba Mimi. Sin embargo, si uno analiza bien las biografias de Lennon se pueden dar cuenta que su infancia y juventud no la pasó en una cuna obrera, mas bien la casa en donde se estaba quedando era un hogar de clase media, donde lo unico que le faltaban era el amor paternal, algo que a Lennon siempre le dolió y dejó plasmado su sentir en más de una canción.
Distinto era el caso de Ringo, Paul y George, que realmente venían de la clase obrera y pertenecían a una clase menos acomodada y muy ligada al trabajo y al esfuerzo por ganar unos billetes más.
Pero Lennon tendría sus motivos para ser un heroe de la clase obrera... Y quizás de las experiencias de vida de sus amigos decidió escribir una canción dedicada a esa gente que nació en esa clase social y tendra que vivirla por años. A ellos, Lennon les dedicó "Working Class Hero".

En esta "rola" vemos a un John Lennon disfrazado de Dylan (que era uno de los ídolos musicales del ex-Beatle), a pura guitarra acústica y furiosa voz entonando una canción con aroma armónico a la tambien valiente "Master Of War".
Con acordes simples, "Working Class Hero" se convierte en una canción que protesta contra las maldades del mundo capitalista, con el repartir lo necesario a cada rebaño humano y toma esa idea para decirle a la gente que la única fomar de acabar con esas injusticias sociales es luchando, no resistiendo.
Más allá de debatir si Lennon fue un revolucionario de tomo y lomo (hay gente por ahí que dice que todo lo hacía para "vender"), hay que señalar que en esta canción deja muy en claro su postura politica y social, dejando a "Working Class Hero" como su aporte a tantos himnos defensores a los obreros, a la clase trabjadora que en realidad mueven a un pais.

En una entrevista con la revista Rolling Stone, en Enero de 1971, Lennon se dió el gusto de hablar sobre esta canción y la catalogó de "revolucionaria". Además agregó: "Espero que entiendan que está dedicada a los trabajadores y no para los idiotas y maricones" refiriendose especialmente a la gente de los gobiernos, que podrían usarla para sus campañas políticas.
Pero Lennon no se quedó ahí en la conversación sobre esta canción, luego agrega que: "Por otra parte, ojalá no la ignoren, porque es para toda esa gente de la clase obrera, como yo. No importa si eres superior o inferior dentro de esa clase, ya que algunos la transformaron como clase media, un invento de la "máquina"... Todo viene de mi experiencia y espero que esto sea una advertencia para todas las personas, ya que estoy hablando de una canción revolucionaria... No cualquier canción sino que es una canción para la revolución".

En las sesiones de grabación "Working Class Hero" se convirtió en una canción que le trajo mas de algun problemilla a Lennon. Es que debido a su forma tan detallada de trabajar, el músico buscaba grabar una voz especial, que le causara mucha satisfacción. Es por ello que el músico grabóvarias tomas de la canción cn distintas voces pero ninguna calzaba con su gusto o con lo esperado.
Varios participantes de esas sesiones de grabación concuerdan con que Lennon se cabeceaba día y noche buscando el tono perfecto para su canción en defensa de los obreros. A tal punto que la frustración llegaba a su momento mas duro cuando de rabia golpeaba las paredes del estudio y a ratos, cuando escuchaba el resultado de una toma y esta no le gustaba pecaba sus cosas y se iba a pensar a algun parque cercano.

Finalmente, Spector y Lennon decidieron incluír en el disco una de las tomas que va mezclada con dos sesiones de grabación, hechas en estudios diferentes. Por eso, si escuchan detenidamente y con mucho cuidado podran percatarse que en un momento dado el sonido de la guitarra y la voz cambia a mitad de camino. Un curiosidad para analizar en los hogares (?).

Una canción universal, valiente y que a pesar del paso de los años y que ha pasado mucha agua debajo del puente su temática sigue tan vigente como en epocas pasadas... Que raro no?
Que la disfruten!!

miércoles, 20 de octubre de 2010

S.O.S / ABBA



"S.O.S" es una canción de la famosa banda sueca ABBA, que fue publicada como single un 14 de Junio del año 1975 obteniendo grandes comentarios por parte de la prensa y la crítica en general.
Para muchos estudiosos de ABBA, esta canción marca mucho a la carrera de la banda ya que fue el primer hit mundial que llevó a que estos cuatro chicos de Estocolmo se hicieran famosos en toda Europa.

Era el año 1974 y la banda no la pasaba muy bien. Es que pasaban por el fracaso de su single "So Long" y su sello discográfico le pedía un hit, un temazo que entrara en el Top 20 de los charts mundiales. Pero la cosa no sería tarea fácil y tendrían que esperar casi un año para que ABBA tenga un superhit que fuera coreado en varias partes del planeta, como lo fue su archiconocido debut llamado "Waterloo".

Asi fue como un 22 de Agosto de 1974, Benny Andersson y Björn Ulvaeous, los cabezillas creativos del grupo, le presentaron al productor Michael B. Tretow una canción llamada "Turn Me On", que sonaba bastante interesante y llamativa.
La banda y su productor no dudaron en grabarla y le hicieron todos los arreglos necesarios y rebuscados con detalles de pianos impresionantes y una actuacion vocal notable de las voces femeninas a cargo de Agnetha Fältsko y Anni-Frid Lyngstad.
En un principio se pensó publicarla como lado B del malogrado single "So Long", pero a ultima hora decidieron colocar otra canción y guardar esa versión demo para un futuro LP.

"Turn Me On" trataba sobre una mujer que le pide desesperadamente a su hombre que la rescate de las penurias, de la mala vida y de un pasado triste. Pero ese rescate no es por medio de palomas ni grandes instrumentos de ingeniería (?) sino que debe rescatarla de ese abismo solo con amor, o sea, entregandole cariño y seguridad. Increíbe letra!!!

Fue en una de las sesiones de grabación para el disco ABBA, tercer LP de la banda, cuando el manager Stig Anderson escuchó la "rola" y decidió pedirle a sus pupilos que le cambien el título a esa magnifica pieza musical. Su sugerencia fue "S.O.S", un título acorde a la temática de la letra y más llamtivo para ser lanzado como single. La banda aceptó de inmediato esa idea...

Al lanzar "S.O.S" al mercado mundial, la canción fue todo un suceso para ABBA. Rápidamente la canción alcanzó la fama mundial llegando a los primeros lugares en Austria, Canadá, Irlanda, Noruega, Holanda, Italia y Zimbabwe (!); y llegó al número 1 en Nueva Zelanda, México, Sudáfrica, Bélgica y Alemania. ABBA ya había traspasado fronteras internacionales y eso los dejaba como estrellas del POP.
Pero no todo quedaba en esos paises. En mercados tan importantes como el del Reino Unido y Estados Unidos la canción fue todo un éxito. En tierras de Obama, "S.O.S" llegó a la casilla #15 del Billboard Hot 100, y tuvo un record que jamás fue reconocido a la banda, ya que fue la primera canción en la historia del Top 20 estadounidense en la que el título de la canción y el nombre del artista o agrupación son palíndromos (que son palabras, números o frases que se leen igual hacia adelante que hacia atrás).

Minetras que en tierras británicas la canción llegó al sexto puesto y fue un gran hit radial, a tal punto que varios músicos britanicos quedaron impactados con esta balada de ABBA. Uno de ellos fue Pete Townshend, guitarrista y lider creativo de la banda The Who, que en una entrevista a la radio BBC en el año 2009 reveló que "S.O.S" es una de sus canciones favoritas de ABBA y que ese LP homónimo de la banda sueca fue como un bálsamo ante toda la furia rockera y rebelde de su banda a mediados de los 70's.

Les dejamos este temón de una de las bandas más prestigiosas en la historia del Pop y que tiene varios records de ventas en varias partes del planeta y ya son una leyenda musical...
Que la disfruten!!

lunes, 18 de octubre de 2010

THE BOOK OF LOVE / THE MONOTONES



"The Book of Love" (tambíen conocida como "(Who Wrote) The Book of Love") es una canción interpretada por la agrupación vocal afroamericana, practicantes del famoso estilo Doo Woop, The Monotones.
Esta canción, que quedó como una pieza clásica del rock and roll, fue publicada como single en Febrero de 1958 y fue, a la postre, su único hit reconocido a nivel mundial por el publico cosechando buena escalada en los rankings estadounidenses con su pegajoso y entretenido ritmo.

La historia cuenta que esta canción nace de una inesperada forma, gracias a un comercial de Televisión, que promocionaba la famosa marca de pastas de dietnes Pepsodent. Resulta, que una tarde Charles Patrick, voz principal del conjunto oriundo de New Jersey, se encontraba mirando televisión y le pareció muy llamativo el jingle de dicho comercial de la pasta de dientes, que decía la llamativa frase: "Wonder where the yellow went" y rapidamente la cambió por la estrofa:"I wonder, wonder, wonder who, who wrote the book of love".
Con esa idea revotándole en la cabeza, Patrick fue donde sus compañeros de banda, Warren Davis y George Malone, para trabajar en una nueva canción que practicamente surgió en su momento de ocio y bajo la marca Pepsodent.

A finales de Agosto de 1957 la canción ya estaba hecha en su totalidad y la agrupación vocal se encontraba en los estudios de grabación del sello Mascot esperando su sesión para dejar plasmada esta canción.
Cabe señalar, que hasta ese entonces esta agrupación er más conocidas por su reversiones a clásicos del rock and roll que por alguna que otra canción propia. Por eso, "The Book of Love" era un buen momento musical para demostrarle a muchas personas y criticos musicales que ellos no solo sobrevivirían, como banda, a punta de benditos covers.

En el momento en que la grabación iba andando de "10 puntos", apareció de la nada un detalle que sería primordial dentro d ela canción. Resulta que extrañamente mientras la banda grababa "The Book Of Love" pasó una pelota de baseball con vidrio y todo y llegó a rebotar en una de las paredes del estudio mientras cantaban la introducción de la canción, que es a capella. De imediato los productores y la banda fueron a escuchar si ese pelotazo había dañado la gabación y se percataron de un mágico hecho. El sonido de esa pelota en la pared calzaba justo con el coro inicial y decidieron agregarlo como un toque de tambor sorpresivo pero impactante para la melodía. Que grandes!

Otro detalle importante, es que hasta ese entonces el sello Mascot no le tenía mucha confianza a los Monotones, asi que decidió sacar unas cien copias del single para que sean comercializada. Total, ellos creian que sería una pasajera canción de rock and rolll opacada por las grandes estrellas de ese entonces como Jerry Lee Lewis o Elvis Presley. Pero la historia fue otra...
Fue tanta la popularidad de la banda con esta canción que las cien copias se hicieorn humo y las disqueras empezaron a pedir mas singles al sello, y esto que no tenían mucho presupuesto colapsaron y no pudieron ante tanta demanda. Pudo ser el negocio de sus vidas...
Asi fe como los Monotones se vieron en la obligación de firmar un contrato con el sello Argo, para que estos se hicieran a cargo de la promoción de "The Book Of Love" y la llevaran a la cima de los charts.
Asi fue como en Febrero de 1958 salió a la venta el single con esta llamativa canción en todas las disqueras de Estados Unidos y la popularidad del grupo vocal se fue a las nubes en fama y ventas.

El single llegó al puesto #5 del Billboard Hot 100. Además tuvo gran éxito en Australia, país donde el rock and roll marcó a muchas generaciones y a varios canguros (?).
En el Reino Unido, esta canción fue interpretada de manera magistral por la banda The Mudlarks, quienes la hicieron sonar como un hit hecho en casa.

Les dejamos esta canción que forma parte del soundtrack de varias vidas y que además formó parte del repertorio del mítica presentación de la banda Sha-Na-Na en Woodstock en el año 1969.
Que la disfrutís (?)!

domingo, 17 de octubre de 2010

SPANISH FLEA / HERB ALPERT & THE TIJUANA BRASS



"Spanish Flea" es un popular instrumental de la banda estadounidense Herb Albert and The Tijuana Brass que publicada en 1965 dentro del famoso LP Going Places, que fue un éxito en ventas en Estados Unidos y luchó palmo a palmo en los charts con otras bandas que ya tenían un aclamado recorrido musical y experimental entre la juventud, como por ejemplo: The Beatles.

Pero el éxito del disco viene de la mano con todo el trabajo realizado por el trompetista y cantante Herb Alpert, que durante años estuvo buscando una oportunidad para mostrar su talento musical a los productores de varios sellos en Estados Unidos.
Pasó mucho tiempo tocando en fiestas y reuniones sociales, se unió el Ejercito de su país simplemente con las ganas de tocar trompeta en las bandas militares y así ir demostrandole a la gente que él tenía un talento.
Poco a poco fue trabajando y componiendo canciones, que poco a poco iban teniendo buenas criticas por parte de la gente. Asi, paciente y muy motivado por sobresalir, Herb Alpert fue escribiendo su historia, marcada por hacer una música con aires latinos, ya que amaba las rancheras mexicanas y mezclarlas con todo el boom de la música Boogie, que mandaba a inicio de los 60's.
Luego de ir ahorrando su dinero, que ganaba en las fiestas y con la venta de algunos singles. Alpert y su amigo de parranda musical Jerry Moss decidieron crear su propio sello discográfico, y asi no pedirle permiso a nadie ni andar rogandole a los productores, que en ese entonces lo único que querian era hacer bandas que imiten la ola británica. Asi fue como ambos, en 1962, formaron y fundaron Carnival Records. Bajo este nombre empezaron a grabar y lanzar al mercado unos cuantos singles, que no tuvieron mucha repercusión entre la gente, pero se le apareció el primer problema legal. Resulta que ya existía una discográfica con el nombre "Carnival", y que fue fundada años antes que a ellos se les ocurriera ese nombre. De ahí en adelante, la discografica pasó a llamarse A&M Records, en honor a las iniciales de los apellidos de sus fundadores. Bajo esa situación, sale al mercado el LP The Lonely Bull, que fue el primer gran paso de Herb Alpert y su Tijuana Brass, para mostrarle al mundo que ellos no eran más de lo mismo a nivel musical. De ahí en adelante se iban cuesta arriba...

Poco a poco, la música de Herb Alpert y su talento en hacer geniales instrumentales versionando famosas canciones de otros artistas, hicieron que los contratos ocuparan varias carpeta y que las actuaciones en los teatros de Estados Unidos se hicieran a tablero lleno.
Para eso, a finales del año 1964, Alpert decide formar una banda formal para que lo acompañara en sus actuaciones. Ya no quería depender de los arriendos de músicos y andar enseñando sus canciones. para ello organizó un taxi y formó la verdadera y mas famosa formación de The Tijuana Brass. Los elegidos fueron: John Pisano (en guitarra), Nick Ceroli (batería), Lou Pagani (en piano), Bob Edmondson (en trombón), Pat Senatore (en bajo) y Tonni Kalash (en trompeta segunda). En más de una ocasión, la banda contó con la ayuda de Julius Wechter, un destacado percusionista y experto en tocar marimba que particpió en varios discos del trompetista con su singular instrumento caribeño.

La amistad de Alpert y Wechter se hizo mas fuerte cuando el trompetista se ofreció de productor para las grabaciones de Baja Marimba Band, la cual estaba liderada por el experto en Marimba.
Wechter, agaradecido de la oportunidad que le dió Alpert para pertenecer al catalogo de A&M, le ofreció una canción que había escrito para su banda. Esa canción se llamaba "Spanish Flea", y contenía un pegajoso ritmo de marimba y de bronces. Alpert no dudó en aceptarla...
Es que la llamativa melodía tenía ese toque alegre y caprichoso, que era parte principal de la música hecha por Alpert y su Tijuana Brass. C
"Spanish Flea" contiene una melodía muy látina, con una seccionde ritmos muy marcada por la trompeta de Alpert. Además, el uso de la marimba le da un toque espacial a la "rola" ofreciendo un nuevo detalle, el cual fue usado de manera inteligente.

El resultado final fue un instrumental sólido, con aires latnos y que es considerado como una pieza importante para la carrera de Herb Alpert & the Tijuana Brass, que luego de ser lanzada como single en 1965 llegó de manera inmediata al primer lugar del Billboard Hot 100.
Fue tanta su popularidad en esos años, que fue usada como pieza principal de la banda sonora del famoso programa televisivo de juegos: The Dating Game. Eso la hizo pasar a la eternidad y dicen que cada vez que suena esa canción la gente de Estados Unidos se acuerda de ese singular programa ideado por Chuck Barris.

Fue tanta la popularidad de esta pieza musical, que años despues se le incluyó una llamativa letra, cuya autoría pertenece a Cissy Wechter, esposa del autor de este temazo. Una de esas versiones cantadas fue grabada en 1966 por el famoso cantante y actor estadounidense Franckie Randall.

Pero la popularidad de "Spanish Flea" traspasó varias generaciones y medios de comunicación. Asi fue como en varios capitulos de la famosa serie animada Los Simpsons, esta canción tiene una que otra participación, especialmente en las travesuras del heroico Homero...

Que la disfruten!!

sábado, 16 de octubre de 2010

ALMOST SATURDAY NIGHT / JOHN FOGERTY



"Almost Saturday Night" es una canción del músico estadounidense John Fogerty, que fue publicada en Septiembre del año 1975 dentro del LP homónimo, que fue el primer disco de Fogerty con canciones propias luego de la separación de Creedence Clearwater Revival, que fue la banda donde se hizo famoso y le demostró a todo el mundo su talento como compositor y cantante.

Luego de poner fin a los Creedence, John Fogerty decidió darle rienda suelta a su carrera como solista. La fama cosechada con la banda, hizo creer al músico que esto sería una tarea facil y que las radios no olvidarian su pasado ni sus hits, pero todo fue lo contrario.
Luego de la separación de su banda, Fogerty lanzó al mercado en 1973 su primer disco sin la máscara Creedence, que fue titulado The Blue Ridge Rangers y que pasó sin pena ni gloria por los charts, pese a ser un disco lleno de reversiones a temas clásicos de la música Country y Folk. Era obvio, la gente sólo quería ver a John con los Creedence, quería canciones con aroma a Creedence y quería ver en los escenarios a los mismísimos Creedence. Al parecer había que dejar tiempo para el luto de los fans...

Dos años despues de ese fracaso musical fueron suficientes para que el autor de "Bad Moon Rising" recargara las pilas y se metiera nuevamente a los estudios de grabación para trabajar en un disco con canciones nuevas y con la marca "Fogerty".
Asi fue como apareció en las tiendas de discos "John Fogerty", el segundo disco de este gran artista, y el primero que contenía gran parte de las canciones con la firma del ex-Creedence. Pero la historia fue la misma. La poca difusión de los singles, las malas ventas y los problemas legales de John Fogerty con el sello Fantasy Records por las canciones de su antigua banda (donde los gerentes del sello acusaron a John de autoplagio!!!!!), hicieron que el disco fuera un fracaso total y que el cantante no la pasara tan bien.

A pesar de eso, el disco conenía varias piezas interesantes. Una de ellas es "Almost Saturday Night", una canción que trata sobre el deseo de que llegue el fin de semana y que es una de la canciones mas interesantes y aplaudidas de la carrera de John como solista.
Con una letra optimista, que nos relata la espera de una noche que se viene llena de diversión y que contiene una introducción muy al estilo "Hey Tonight", donde con su guitarra y unos desordenados riffs espera al resto de la banda para comenzar su canción con todas las ganas de decirle al publico que tiene ganas de pasar una noche de juerga y mucha diversión con amigos novia, familiares y primas (?).

Si bien la canción, en voz de Fogerty, sólo alcanzó el puesto #78 del Billboard, muchos otros artistas tomaron esta canción como un buen trampolín para activar su fama o realizar un "cover" interesante.
Asi lo entendia el cantante y destructor de guitarra, oriundo de Gales, Dave Edmunds, que en 1981 lanzó su propia versión de este "temazo" y conquistó nuevamente el mundo con su talento musical aunque esta vez se las dió solo de interprete (y de paso le dió una ayudita a John Fogerty para que no pase al olvido). De manera personal, la versión de Fogerty la encuentro mas interesante, ya que no contiene tantos arreglos de estudio y se nota que fue grabada directo al LP sin pasar por tantas manos, aunque la de Dave contiene una delicada parte de guitarra que es de la vieja escuela de los 60's y debe ser revisada por todo fanático del rock and roll.

Que la disfruten!!

viernes, 15 de octubre de 2010

MOONSHADOW / CAT STEVENS



"Moonshadow" es una canción del músico británico Cat Stevens (hoy conocido como Yusuf Islam), que fue lanzada como single en Septiembre del año 1970 y que un año despues fue incluída en su exitoso LP Teaser and the Firecat, que esuna de las joyas musicales que nos dejó este gran músico que años después dejaría su guitarra por la fé islámica y el deseo de vivir en paz ayudando a los niños y a las victimas de las guerras.

Esta canción viene de una imagen que marcó fuetemente la infancia de Cat (que realmente es su apodo, ya que su verdadero nombre es Steven Demetre Georgiou). Cuando era niño, él y su familia fueron a pasar unas merecidas vacaciones a España. En su estadía en ese hermoso país, el pequeño Cat quedó impactado al observar la luna, al verla tan gigante, tan luminosa y tan hermosa. Es que en su barrio de Londres, las farolas tapaban la luz de la luna y pasaba desapercibida para la gente. "Así pues, yo estaba ahí, sentado frente al mar, de noche y observando esa luna brillante. De repente mire al suelo y observe mi sombra. Para mí eso era genial, porque jamás lo había visto", señaló el cantante el año 2009 en una entrevista en el programa de televisión The Chris Isaak Hour.

Impactado por ese suceso, Stevens siempre guardó ese recuerdo como algo memorable y algo que marcó varias de sus canciones. Una de esas canciones fue "Moonsadow", que era una pieza musical brillante, donde Stevens deja todo su talento melódico y poético en el ruedo. De echo, en varias entrevistas el músico inglés ha dicho que "Moonshadow" es una de su canciones favoritas en su etapa cuando vestía de Cat Stevens.

Sobre la temática de la canción, esta tiene que ver con una reflexión bastante interesante sobre la vivir la vida. Quizás todos hemos pasado por ciertos momentos en nuestras vidas cuando nos encontramos ilusionados por algo, no importa si es algo fácil de realizar o realmente es una prueba de aquellas, lo importante es que es algo que provoca ilusión y nos tiene ansiosos. Generalmente, cuando la cosa se pone dificil y vemos que tenemos que afrontar diversos obstáculos que son muy complicados tendemos a amurrarnos y a exigir una explicación al cielo. Pero realmente jamás perdemos las ganas de hacer eso que nos proponen en la vida cotidiana (sea un examen de grado, una entrevista de trabajo, un proyecto de tesis, escribir notas en un blog (?)...) porque siempre tenemos dentro de nosotros una pequeña ilusión (llamada esperanza) que nos hace pensar que realmente lo que deseamos puede cumplirse. Y esa ilusión la tendremos hasta el último momento, por eso decimos que es lo último que se pierde y "Moonshadow" viene de la mano con esta famosa frase: la esperanza es lo ultimo que se pierde.

Para Cat Stevens, esa luz de luna que miró una noche sentado en una playa de España no era un simple acto de la naturaleza sino que era una luz de esperanza que tiene como misión iluminar las almas del ser humano y hacernos reflexionar sobre el vivir la vida en el presente (enmarcado en la canción con la metafora de la sombra), no mirar tanto lo malo del pasado y tener fé del futuro. Esa luz de luna tiene una misión especial y es ella la que busca a los humanos pero no deja que los humanos a salgan a buscar. Que capo Cat!!!

La canción fue todo un éxito para la carrera musical de este artista que se puso como nombre artistico Cat, porque su novia de ese entonces le decia que tenía ojos de gato...
"Moonshadow" fue toda una sorpresa para la carera de este gran artista, ya que llegó al puesto #22 del UK Singles Charts y al puesto #30 del Billboard, en Estados Unidos. Claramente una canción con aroma a hit mundial.

Que la disfruten!!!


jueves, 14 de octubre de 2010

BONUS TRACK: TRAGEDIA, 33 MINEROS Y ROCK AND ROLL

la nación.cl


Es verdad señoras y señores, todos los medios de comunicación del planeta hacen buena sopa con el rescate de los 33 mineros.
Es cierto que fue muy emocionante ya que todos los días desde la televisión nos enterabamos detalles del calvario de estos 33 personajes que pasaron casi setenta días bajo tierra y ahora los "genios" de la TV y los diarios los quieren postular al Guiness.
Pero este blog es musical, y hemos querido publicar un Bonus Track sobre esos rockeros que le hicieron homenaje a estos 33 mineros, cuyo esfuerzo y valentía valen mucho mas que los discursos llenos de patriotismo artificial. Pongale play...

TRAGEDIA, 33 MINEROS Y ROCK AND ROLL

  • Partimos con la banda Rage Against The Machine, que estuvo estos días en tierra chilena participando en un Festival de Rock. El concierto fue emotivo y lleno de energía e incluyó una "joya" musical para todos los fanaticos cuando Zack De La Rocha pescó el microfono entonó "Canción del Minero" de Victor Jara en homenaje a los 33 mineros de la San Juan, aunque realmente son de la San José, pero a nadie del publico le importó ese detalle ya que el gesto dejó en claro la postura política de esta excelente banda... De 10!
  • La mítica banda estadounidense Pixies tambien quiso dejar su aporte musical para los mineros de la San José. Pero lo de ellos no fue una canción con contenido social ni un discurso en favor de la vida, sino que hicieron un homenaje basado en cantar 1 canción por minero, o sea su recital tuvo un tracklist de 33 canciones, siendo el concierto mas largo que ha hecho la banda a lo largo de historia musical. "Queríamos hacer algo que mostrara lo afectados que estábamos por esto, así que tocamos un set especial, 33 canciones para 33 mineros, el más largo que hemos tocado como banda" señaló el vocalista Black Francis en una carta dirigida a los fans. Notable...
  • Ahora es le corresponde el turno de Alex Lora, el vocalista y compositor de la mítica banda mexicana El Tri. Este mercenario del rock hispano, se dió el lujo de improvisar un "Blues" dedicado a los mineros y sus familias durante una entrevista en Perú. Les dejamos un fragmento del dicho "Blues" para que usted, señor lector, le dé su veredicto: "En la república de Chile, 33 mineros quedaron atrapados en el fondo de la tierra y han sido rescatados gracias a Dios hoy en día. Sus familia estaban desesperadas, nada las podía consolar y ahora están felices de haber recuperado a sus seres queridos del fondo de la tierra..."

  • Y para finalizar, el cierre de este humilde Bonus Track le corresponde al archiconocido Elvis Presley, Rey del Rock y fanáticos de las toallas (?), que tambien estuvo dando su apoyo ante esta tragedia, eso sí, sólo a un minero...
    El minero Edinson Peña, que estuvo bajo tierra junto a sus 32 compañeros, siempre se declaró seguidor del interprete de "Hound Dog" e incluso mientras estuvo esperando su rescate escuchaba las canciones de Elvis en su iPod mientras trotaba para calmar su ansiedad y además le enviaron un poster de su idolo para que adorme el lugar donde descansaba. Pero vamos a lo bueno, ya que luego de ser rescatado le llegó a sus manos una carta que contenía una invitación a conocer Graceland, mansión que fue parte de la historia de Elvis y que hoy es el museo Oficial del legendario cantante. "Vamos a hacerlo sentir como una estrella de rock", dijo Kevin Kerin, director de relaciones públicas de Elvis Presley Enterprises, que maneja Graceland. Cuando se le preguntó el porqué de esta invitación, la respuesta fue:"Edison era un fan en una situación única"...

THE BALLAD OF THE BEACONSFIELD MINERS / FOO FIGHTERS



"The Ballad of the Beaconsfield Miners" es un instrumental de la banda estadounidense Foo Fighters, que fue incluída dentro del exitoso y aclamado sexto disco Echoes, Silence, Patience & Grace, en Septiembre del año 2007.
Esta delicada y peciosa pieza musical, que marca un cambio musical dentro del LP, tiene una historia muy especial que va ligada a unos mineros y a una tragedia.

Todo empezó a finales de Julio del año 2006 en una mina de Oro de la ciudad de Beaconsfield, ubicada en la isla Tasmania, cuando tres mineros quedaron atrapados a más de un kilómetro de proofundidad, dentro de una jaula de acero donde apenas se podían mover. Obviamente la noticia dió la vuelta al mundo y los medios de comunicación quedaron sorprendidos con la historia de estos tres mineros que durante 5 días sobrevivieron bebiendo el agua que se filtraba por las rocas. Luego se supo que uno de los mineros lamentablemente había muerto a causa del derrumbe... La cosa se ponía muy fea.
Cuando los ingenieros y los rescatistas anonimos dieron con los mineros bajo tierra, se les fue entregando bebida y alimentos a traves de una sonda con el fin de que los dos mineros sobrevivientes esperen por su rescate.

Pero la espera por el rescate no la podían aferrar solo a comida y bebidas, ya que uno de los mineros, el señor Brant Webb, pidió a los rescatistas que le enviaran por la sonda un iPod con todos los discos de Foo Fighters, que era su banda favorita. De esa forma esperaría su rescate con buen rock y la ansiedad pasaría a segundo plano. Esa noticia tambien dió la vuelta al mundo y llegó a los oídos del mismisimo Dave Grohl, vocalista y lider de la banda, que quedó impactado por ese detalle y hasta llegó a las lágrimas cuando supo que sus canciones ayudaron a esos dos mineros en la espera de su rescate en el interior de la tierra.
Emocionado, el ex-baterista de Nirvana le envió una nota a esos dos mineros que por esos días eran el foco de los medios de comunicación a nivel mundial. Esa mítica nota decía: "Aunque en estos momentos me encuentre al otro lado del mundo, quiero decirles que mi corazón está con ustedes dos, y quiero que sepan que cuando lleguen a a casa, habran 2 entradas para cualquier recital de los "Foo", no importa en que lugar, y les daremos dos cervezas frías que ya estan esperandolos. Trato? "

Un 9 de Mayo del año 2006, Todd Russel y Brant Webb fueron rescatados desde las profundidades de la tierra y el festejo fue enorme ya que la vida nuevamente le ganaba a una tragedia.
Meses despues de ese épico momento, en Octubre de 2006, los dos mineros cumplieron el trato de Grohl y asistieron al recital de los Foo Fighter en el famoso Ópera de Sydney, donde la banda de Seattle haría tres conciertos "desenchufados".
En esa ocasión, Grohl presentó una canción dedicada a los mineros, que la había escrito el mismo día que supo sobre la tragedia y como un merecido homenaje a esos dos fans y valientes mineros, dijo que la incluíria en el disco que lanzarian el año 2007. Esa canción era un emotivo instrumental acustico llamado "The Ballad of the Beaconsfield Miners".

Posteriormenta, tal como lo estipuló el vocalista de la banda en ese concierto, la pieza musical fue grabada dentro del disco Echoes, Silence, Patience & Grace y contó con la participación de la talentosa guitarrista Kaki King. Un detalle muy importante...
La idea de ese instrumental era recordar por siempre ese épico monento, donde dos mineros sobrevivieron por dos semanas bajo la tierra y tuvieron que sufrir la pérdida de uno de sus colegas aplastados por las rocas, por esas mismas rocas que a ellos le da de comer, que les da su bono de salud, por esas rocas que son su trabajo, su sobrevivencia en el mundo capitalista de hoy.

En Noviembre del año 2007, en una entrevista con el Daily Mail, Grhol mencionó que ese momentos fue uno de los mas importantes de su vida y señaló que "mucha gente me ha dicho que gracias a nuestras canciones habian superado problematicas como el divorcio o un duelo por un pariente fallecido, pero sobre el tema de sobrevivir lo encuentro fantastico y estos dos hombres son muy especial para mí. Escribí esta canción como un homenaje y le prometí a Brant (Webb) que la pondría en el álbum"

Esta canción ya no es solo un homenaje a esos dos mineros de Tasmania que sobrevivieron bajo tierra por dos semanas, tambien es un mensaje a no olvidar que en todo el mundo hay personas que tienen que "parar la olla" y trabajar bajo tiera para buscar riquezas que valen muchos dólares y a cambio tienen un trato laboral indigno, con sueldos miserables, con problemas de salud que a la Empresa le importa un "pepino". Esta semana en Chile, 33 mineros dieron la vuelta al mundo tras pasar casi 70 días bajo tierra, de los cuales 17 días pasaron perdidos entre las rocas mientras en la superficie el mismisimo ministro, que hoy al parecer es heroe, los daba por muerto ante los medios de comunicación. Gracias al trabajo de otros mineros y rvalientes escatistas salieron sanos y salvos, y eso nos puso feliz...

Ojalá esto no ocurra más, que los gobiernos fiscalizen las empresas que por querer ganar mas dinero le quitan prestigio a sus mineros y no los cuidan. Ellos sobrevivieron un manto de rocas, ellos nos mostraron el trato miserable que la empresa privada le da a sus trabajadores en este flaco pais, ellos fueron victimas de eso, ellos fueron la luz... No los olviden.

Que la disfruten!!!