sábado, 31 de diciembre de 2011

CHAU 2011 , BIENVENIDO 2012


A cada uno de nuestros lectores diarios y a aquellos que recien se unen a este blog les deseamos un feliz año 2012.
Que sea un año cargado gasta las venas de éxito, alegrías y de paz en nuestro tan manoseado mundo.

Esperamos que 2012 sea un año especial, y que todos esos fanáticos a rabias de los Mayas y del popular fin del mundo simplemente se vayan un rato con su mala onda a la punta del cerro y nos dejen pasarla bien en esta noche...

Asi que amigos a celebrar con sus seres queridos y a brindar por los buenos momentos del año que se va y a reflexionar en aquellos que fueron malos para sacar enseñanza y no caer en los errores.

Un abrazo de gol a cada uno de ustedes. Feliz 2012 y que esté cargado de buen rock!




GREEN TAMBOURINE / THE LEMON PIPERS



"Green Tambourine" es una canción de la banda psicodélica The Lemon Pipers, que fue lanzada como single en Diciembre del año 1967, y además está incluída en su disco debut, titulado tambien "Green Tambourine", y que vió la luz pubica en Febrero de 1968.
Oriundos de Nueva York, esta potente banda estaba formada por el guitarrista Bill Bartlett, el también guitarista y a la vez vocalista Ivan Browne,el tecladista R.G. Nave, el baterísta Bill Albaugh y el bajista Steve Walmsley. A pesar de que solo duraron 3 años en la escena musical, esta banda logró cosechar buenas criticas y dejar un puñado de canciones inmortales para esa gloriosa época, siendo una banda escencial para el tan comentado Pop Psicodélico.

Esta canción, que es considerada pieza fundamental para la psicodelia, fue escrita por el compositor, poeta y psicoterapeuta Shelley Pinz junto al productor Paul Leka, quien trabajaba para la banda.
La historia cuenta, que la idea de esta canción surge una tarde de 1967 cuando Pinz estaba relajado en una plaza leyendo el periodico y derrepente llegó a un reportaje de un veterano músicos inglés que recorría las calles de Londres cantando a costa del dinero que le entragara la gente. Este hombre siempre estaba cantando con una pandereta, y al aprecer mal no le iba en cuanto a ganancias, y por ello en la letra se usa el color "verde" como descriptor, ya que era el color de los billetes.

La parte musical quedó en manos de Paul Leka, quien ya tenía una nutrida carrera como propductor y compositor, la cuál tenía como punto fuerte el haber escrito la pieza "Na Na Hey Hey Kiss Him Goodbye" que sería todo un clásico en las voces del grupo "Steam". Por ello, los Lemon Pipers depositaron toda su confianza en este talentoso músico, que de seguro le daría alguna canción que la rompería en los charts. Y eso estaba por suceder.

El resultado final fue una pieza musical muy notable, y llena de tintes armónicos que la hace una pieza de culto, y de alta influencia para otras bandas que andaban por ahí cerca.
Con un intro marcado por violines distorcionados, piano a contratiempo y un curioso sitar que se sumerge bajo una producción muy ingeniosa que colocó diversos efectos sonoros para que sea etiquetado de inmediato como pilar psicodélico. Obviamente, no tenía que faltar un pandero en la secuencia musical, sí el pandero verde (como el submarino amarillo de los Beatles), que hace su aparición al final de cada verso y acompaña la voz distorcionada, la cuál tiene una mínima diferencia entre la versión "mono" y la versión "stereo".
Todos esos detalle hicieron que la canción sea una pieza notable, y obviamente les sería muy díficil para la banda repetir esta fórmula, ya que la crítica era muy fina, y siempre gustaba que la banda se dedicara a la experimentación total y no a la repetición de un hit.

Publicada a finales de 1967 (que año!), esta canción llegó a la cima del Billboard Hot 100 un 3 de Febrero de 1968 y se mantuvo una semana en ese puesto( siendo el primer hit hecho en Budda Records en llegar a esa posición). Además, en sus tierras se hicieron merecedores de un disco de Oro tras vender un millón de copias de su single. Como leen, la canción fue todo un suceso, a pesar d eque la crítica en un principio trató muy mal a la banda tras declararlos unos "vendidos" y de ser aprovechadores dela fama del rock psicodélico, pero eso poco le importó a los agentes cercanos al grupo.
Lamentablemente, y pese a lanzar mas singles, los Lemon Pipers no lograron superar esa barrera impuesta por su mega-hit, y terminaron concenados al olvido de los charts por un buen tiempo hasta decir adiós, y dejar el paso a la leyenda.
Que la disfruuuuteeeeeeeeeeeeeeeeeen! y feliz 2012
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viernes, 30 de diciembre de 2011

NOBODY TOLD ME / JOHN LENNON



"Nobody Told Me" es una canción del famoso músico británico John Lennon y fue lanzada como single un 23 de Enero del año 1984 promocionando el comentado disco póstumo "Milk and Honey".
Tras la muerte de Lennon, un 8 de Diciembre de 1980 y en manos de un descerebrado, y como homenaje a su trayectoria musical y en especial a su fanaticada, Yoko Ono decide entregar las cintas a la discográfica que contenían varias grabaciones "demo" que había dejado John en sus ultimos 2 meses de vida. Este material musical, donde la mayoria había sido grabado en las sesiones del Double Fantasy, tenía como objetivo formar parte de un disco que se grabaría en 1983, con el fin de volver con todo a las pistas musicales tras un breve receso dedicado a la familia y a la desintoxicación.

Una de esas canciones que aparece en el disco es "Nobody Told Me", que en un principio iba a ser cedida a su amigo Ringo Starr para que formara parte del tracklist de su disco Stop and Smell the Roses (1980), pero tras la muerte de John la idea simplemente quedó en nada, y los derechos de autor jugaron un papel importante.
Pero la historia de esta canción recien empieza en el año 1976, y tras su reconciliación con Yoko Ono, cuando Lennon grabó en uno de sus estudios caseros que tenía en el Dakota una canción llamada "Everybody's Talkin', Nobody's Talkin'", donde el músico estaba en el piano y bajo una llamativa caja de ritmos. esta canción ya sería el 80% de la pista que hoy conocemos y que aparecería en el Milk and Honey. Eso sí tuvieron que pasar casi 4 años para que la canción volviera a ser interpretada y arreglada.

Semanas antes de entrar a grabar el disco Double Fantasy, Lennon volvió a sacar a la palestra a esta canción, y le incluyó una pista de guitarra a su nueva "rola" y pus algunos detalles vocales para adornarla más. Lo más llamativo de esa versión es que ahora contenía como coro la frase "nobody told me", lo cuál la hacía mas especial y la cuál marcaría para la eternidad a esta canción.

De esa manera, y cuando ya tenía terminada la canción, Lennon decidió trabajar más la letra para luego llamar a Ringo con el fin de que la escuchara y si le gustaba se la llevara para incluírla en el disco que estaba preparando, tras dos proyectos musicales de muy baja calidad que había lanzado sin verguenza al mercado años antes.

La mítica sesión de grabación de la canción, donde Ringo participó como oyente, se llevó a cabo un 7 de Agosto de 1980 en los Hit Factory de Nueva York. En esa ocasión Lennon grabó 10 tmas de la canción, quedando seleccionada la última pieza ( y que fue la que usó Yoko en la versión del disco Milk & Honey), y la cuál se puede escuchar en el compilado "John Lennon Anthology" publicado en 1998.

Otro detalle interesante es la parte lírica. Aquí es donde Lennon nos vuelve a sorprender con frases que tienen varias historias en su pasado oscuro. Por ejemplo, la frase "Little yellow idol to the north of Katmandu" es una adaptación de una frase que aparece en el famoso poema The Green Eye of the Yellow God cuyo autor es el emblemático actor y poeta británico J. Milton Hayes.
Otra frase que causó misterio fue "there's a UFO over New York and I ain't too surprised", que estaba ligada a un episodio donde el músico tuvo un encuentro cercano del tercer tipo en Agosto del año 1974. En su libro "Loving John", la secretaria personal de la familia Lennon y que también fue pareja de Lennon durante el "Lost Weekend", la también japonesa May Pang relata detalles sobre ese suceso: "Nosotros acabábamos de pedir algunas pizzas y ya que era una tarde de mucho calor, entonces decidimos salir a la terraza". No había ninguna ventana que nos permitiera ver más allá de la calle, entonces John salio caminando afuera para sentir esa brisa fresca que venía del río. Recuerdo que justo estaba dentro del dormitorio vistiéndome cuando John comenzó a gritar para que saliera hacia la terraza. Le grité que ya iba pero me siguió llamando para que saliera de inmediato. Entonces, salí a la terraza, mis ojos vieron un objeto grande, circular y que venía hacia nosotros (1). Pang agrega sin tapujos que
el objeto tenía forma de cono con amplio radio basal y que no tenía para nada forma de avión o de helicoptero.
La pareja quedó muy asustada con el suceso, y miraron fijamente el OVNI que se posaba sobre sus cabezas . "Cuando estuvo un poco más cerca, podíamos distinguir una fila o círculo de luces blancas que se ubicaban en todo el borde de la nave, y estas destellaban una intensa luz intermitente. Había tantas de estas luces que eran deslumbrantes para la mente. Tenía el tamaño de un avión Lear Jet y estaba tan cercano que si le hubiéramos lanzado algo probablemente le habríamos golpeado fácilmente" agregaría Pang en su libro.
Lennon, que era un fanpatico de la British UFO Magazine (1), quedó muy impactado con el suceso pero a la vez decidió hablar sin tapujos de esto, y en esta canción dejó una frase que data de ese encuentro. Ademas, por eso es que en su disco "Walls & Bridge" se puede leer la enigmática frase: "On the 23rd August 1974 at 9 o'clock I saw a U.F.O. - J.L.". Pero volvamos a pisar tierra firme...

Cabe señalar que tras la muerte del músico, Ringo no tuvo ni las ganas ni mucho menos el ánimo de grabar la canción que le había cedido su amigo meses antes de la tragedia. De hecho, el mismísimo baterísta ha mencionado que fue tanta su impresión por ese acontecimiento que no se hallaba capaz de grabar la pista, pues ya el escuchar la voz de Lennon en la cinta "demo" lo hacia llorar frente al microfono. Además, una insegura Yoko decidió suspender todo homenaje musical, y guardar todo lo que fuera firmado por su esposo con el fin de ser ella la única en tener ese material y publicarlo bajo los derechos de autor que ambos protegían.

Finalmente la canción fue lanzada como single en Enero de 1984 (donde el lado B contenía la canción " O'Sanity" en voz de Yoko, quien no se separaba de su difunto esposo ni en los isngles póstumos).
Este sería el último single de John lennon en entrar a los primeros lugares del Billboard Hot 100 (llegó al puesto #5) y además llegó a la sexta posición del UK Singles charts.
Lennon era la leyenda.... Que la disfruten!

Fuente: (1) Extracto sacado de http://www.soloseneluniverso.com.ar/John_Lennon.html

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miércoles, 28 de diciembre de 2011

DON'T GO BREAKING MY HEART / ELTON JOHN & KIKI DEE



"Don't Go Breaking My Heart" es una canción interrpetada a dúo por el artista británico Elton John y la cantante (también inglesa) Kiki Dee, que fue publicada como single un 21 de Junio del año 1976.
Esta canción trae a la palestra a dos importantes personajes para la escena musical britanica: Por una parte Elton John, considerado uno de los genios musicales de los 70's, y que con su carisma y su talento en el piano marcó influencia e hizo una carrera musical llena de éxitos. Y por otra parte, tenemos a Kiki Dee, oriunda de Bradford, y con un especial talento vocal para el Soul que la llevó a ser la primera artista británica en grabar para el mítico sello Motown a inico de los 70's. Con una amplia batería de éxitos, tener a dis artistas de esta talla era una grata sorpresa, y mucho mejor si la cancion que traían ambos era un hit de proporciones altas.

A nicios del año 1976 Elton John se encontró en als oficinas de su sello musical (llamado Rocket Records) con Kiki Dee, quien había firmado un buen contrato en esas filas, con el fin de realzar su carera musical que andaba en un mal momento.
Como Kiki había trabajado en Motown, el pianista le dejó muy en claro que tenia cierto gusto especial por esas hermosas y potentes baladas que sacaba ese sello, en especial por los duetos que hacía la super-estrella Marvin Gaye con cantantes de la talla de Tammi Terrell o Kim Weston, lo cuales eran de buena calidad y contenían arreglos musicales muy notables, y bien trabajados. Como en esos años los duetos mixtos pasaban por un mal momento en la inductria musical, Elton decidió convencer a Kiki en grabar una balada al estilo Motown, y qué mejor idea que componer una "rola" original que contenga los detalles musicales de esas añejas piezas musicales.
Como dato anecdótico, se cuenta que en primera instancia ambos músicos habían decidido grabar una versión de "Loving You Is Sweeter Than Ever" de los Four Tops, pero decidieorn no meterse en problemas futuros por los derechos de autor, y decidieron emprender con una canción original.

En unas cuantas sesiones, Elton John y su compañero de mil batallas, el compositor y letrista Bernie Taupin escribieron durante una gira por Canadá una canción llamada "Don't Go Breaking My Heart", la cuál empezó a ser grabada en Toronto, lugar donde Elton John realizó su parte vocal. Una vez termianada la canción, la cinta fue enviada a Londres donde la recibiría Kiki Dee, y le haría arreglos y grabaría su parte vocal de manera separada en un estudio alquilado por el autor de "Sacrifice".
Gus Dudgeon, que fue el productor de esa canción, recordaría años después el proceso en que se grabó esa balada: "Estaba junto a Elton en Canadá, y ya teniamos grabada las tres cuartas partes de la canción. Fue en esa ocasión que él me dijo que la ultima parte la cantaría Kiki Dee, y yo le respondí: "Espera un minuto, ¿se supone que esto es un dúo, o simplemente se la vas a ceder?", y Elton se para de su asiento y me dice "es un dúo, y luego debes darle el 50% de los créditos a ella". Asi que la canción fue grabada en dos lugares del mundo, y fue muy divertida la forma en que se logró capturar las voces".

El resultado final fue una canción juguetona y a la vez muy bien estructurada, donde la letra habla de una pareja que se muestra insegura con el paso del tiempo y las nuevas responsabilidades que la vida le presenta.
A pesar de que la canción fue grabada durante las sesiones de grabación de Elton John con su banda para el disco "Blue Moves", esta pieza fue lanzada como single meses antes de la publicación del LP (que fue en Octubre d 1976) y finalmente no quedó en el tracklist, pese a llegar al primer lugar del Billboard Hot 100 y del UK Singles charts eso si que es promoción!), y ser pieza fundamental en la parrilla musical en todas las radios del planeta. Además, esta pieza fue elegida en ese año como el single de mayor venta en ambos lados del "charco".
En dicho single aparecía otro detalle misteriosos: Los créditos de la balada estaban a nombre de Ann Orson y Carte Blanche, que simplemente fueron los seudonimos utilizados por Elton y su socio Bernie Taupin.
La única vez que esta romántica canción apareció en un LP fue en el compilado del año 1977 Elton John's Greatest Hits Volume II, que fue certificado meses desues con triple disco de platino en el año 1995, a causa d elas ventas.

Una de las canciones mas exitosas dentro del repertorio de Elton John y de Kiki Dee, quienes salieron muy favorecidos con este interesante "pastiche musical" hecho a lo Motown.
Que la disfruten!

lunes, 26 de diciembre de 2011

I'LL FOLLOW THE SUN / THE BEATLES



"I'll Follow the Sun" es una canción de la banda británica The Beatles y está incluída en su LP "Beatles For Sale", publicado el 4 de Diciembre de 1964 y que tuvo un gran éxito en las listas.
Tras estar sumergidos en las giras, conferencias de prensa, viajes y otras cosas, lo que menos tiempo había era para grabar canciones nuevas y originales. En plena "Beatlemania", las cosas se ponían mas que dificiles y por ello este disco cuenta con una batería de elegantes y moldeadas versiones de clásicos de sus artistas favoritos como Chuck Berry, Buddy Holly y Carl Perkins entre otros. Por ello, "Beatle For Sale" marca un periodo en que las doscográficas querían sí o sí lanzar discos en las fiestas de fin de año, y además nos trae a un John Lennon que poco a poco iba haciendo de sus letras un canto autobiográfico.

Las sesiones de grabación de este LP empezron en Agosto de 1964, y era tan el poco tiempo que pasaban ensayando o componiendo que en algunos casos Lennon y McCartney tuvieron que ir en busca de esas viejas canciones qe tenían guardadas cuando simplemente eran una banda que tocaba en Pubs y bares de mala muerte en Hamburgo y en Liverpool
Una de esas canciones rescatadas fue la balada "I'll Follow The Sun", que dara del año 1959 y que era uno de los primeros registros bajo la firma "Lennon-McCartney".

La historia cuenta que esta melancólica canción fue escrita por Paul McCartney mientras pasaba sus vacaciones de invierno en la casa de un familiar en Allerton, Liverpool.
"La escribí en un salón que daba de frente con el camino a Forthlin. Yo tenía apenas 16 años, y escribí "I'll Follow The Sun" una mañana en que me levanté temprano. Recuerdo que venía saliendo de un fuerte cuadro gripal, y que tenía un cigarrillo - Yo fumaba desde los 16 años- de esos de algodón. Mientras estuve enfermo no fumé, pero cuando me sané y probé nuevamente un cigarro fue terrible, más si era de algodón. Bueno, recuerdo estar mirando por la ventana en ese salón, con mi guitarra y escribí la letra de una" comentaría años después Paul en una entrevista con el historiador inglés Mark Lewisohn.

Si bien la fecha exacta nadie la sabe, o simplemente la memoria fue fragil, al parecer entre Mayo y Junio de 1960 (pre-historia Beatle) aparece la primera versión de esta canción en una grabación casera hecha en el baño de la casa de McCartney, que al parecer era un lugar con una acústica formidable. En esa sesión McCartney, Lennon y Harrison tocaron las guitarras acústicas y Stuart Sutcliffe estaba en el bajo.
En ese audio que ya es un registro histórico, y que estaba en manos de Peter Hodgson y que fue comprado en 1995 por McCartney, traía una versión distinta en cuanto a sonido y gran parte de la letra (debido a la mala acustica del lugar y por ser algo casero, es muy dificil captar la letra en su totalidad). Además traía un acto de guitarra en manos Harrison que si bien era simple también contenía un especial arreglo con tintes Perkins, y eso que en aquellos años eran "amateurs".

Ahora, en cuanto a los créditos parecía raro que ya en ese entonces apareciera acreditado Lennon, que al parecer en esos años no tuvo ningun acercamiento con la "rola", pero igual la gente quería saber si ambos músicos crearon esta melodía tras bambalinas.
De hecho, tras publicar el "Beatles For sale", Paul declaró en una entrevista "John y yo escribimos esto hace mucho tiempo, pero decidiemos cambiarle la melodía de ocho compases antes de grabarla". Pero en 1980 y en la famosa entrevista con la Playboy, John Lennon se desmarcó de los créditos, diciendo: "Esto es de Paul. No se que más puedo decir...'Tomorrow may rain so I'll follow the sun.' Es de las primeras melodías de McCartney, ya sabes... Escrita antes de ser The Beatles, creo. Había muchas cosas de esos años". Con eso queda claro, que la pareja de compositores también hacía cosas por separado incluso antes de formalizar la banda. Lo cuál es un dato interesante, y esta canción es un buen ejemplo y a la vez poco comentado.

Tuvieron que pasar 4 años para que la banda decidiera grabar de manera formal esta balada. La tarea no fue tan fácil, ya que tenían que hacer algunos arregos musicales y adecuar la letra, que al aprecer estaba muy pobre de metáforas.
Mientras pasaban la semanas, y la gerencia del sello de grabación apresuraba a la banda, Paul y John se dieron la tarea de hacer los cambios musicales, y elresultado final fue notable.
Una pieza con aroma a folk, bajo un manto musical agradale y una parte instrumental de alta calidad. Con un Harrison, sueño de punteos simples pero muy influyentes, dando un toque especial a su guitarra que al parecer, también quería seguir al sol.

Antes de incluirla en el disco, y como una forma de ir ya promocionandolo, la banda decidió interpretar esta pieza en un programa radial de la BBC llamado Top Gear. Dicha aparición fue grabada un 17 de noviembre de 1964, y fue transmitido recien el 26 de noviembre, dejando a muchos fanáticos con la boca abierta, tras escuchar un nuevo material Beatle.

Finalmente un 18 de Octubre de 1964, en los estudios de Abbey Road, fue grabada de manera oficial "I'll Follow the Sun", en tan sólo ocho tomas, donde la ultima versión fue la elegida ya que era la que usaba las guitarras eléctricas y contnepia la base melódica total.
En lo que se refiere a percusión, hay un dato interesante puesto que Ringo dejó un rato su batería e hizo sonar unas cajas de carton y grabó palmas. Sobre la actuación del baterísta, Paul recordaría años después: "No queriamos caer en la trampa popular de que todas las canciones sonaran igual en un disco, algo asi como le pasaba a las Supremes, por lo que queriamos hacer una instrumentación variada. Ringo no podía seguir tocando lo mismo en batería en todo el disco, por lo tanto decimdimos que toque una caja de cartón o que se coloque de rodillas y haga palmas"

Si bien la canción no fue lanzada como single por The Beatles en los 60's, es considerada una pieza importante dentro del catalogo muiscal de esta gran banda que cambió todo en el aspecto musical.
Que la disfruten!

domingo, 25 de diciembre de 2011

TO LOVE SOMEBODY / BEE GEES



"To Love Somebody" es una canción del grupo musical inglés Bee Gees, que fue lanzada como single en Junio del año 1967 promocionando su tercer LP titulado "The Bee Gees 1st".
La historia de los Bee Gees en los sesenta empieza formalmente cuando son contactados por el productor y manager Robert Stigwood, quien los hace firmar un contrato con el seloo Polydor con el fin de sacar provecho a sus llamativas armonias vocales y la facilidad que tenían los tres hermanos Gibb en escribir delicadas baladas muy influenciadas por el sonido Mersey y en especial por The Beatles. De esa época sale a la luz publica el LP "The Bee Gees 1st", considerado por la prensa británica como una joya del Pop Pscicodélico marcado con notables arreglos orquestales que hacían de cada canción una aventura musical extrema. Si bien esta banda es mas conocida por su etapa sesentera ligada a la música Disco, no hay que dejar de lado su pasado en los 60's donde incluso tenían sonidos más que interesantes y derrochaban talento a miles por hora.

El papel del australiano Stigwood dentro de la historia de esta banda es más que importante. Reconocido en el mundo musical por sus extraordinarios proyectos (que lo llevaron hasta tener en sus manos a la megabanda Cream y a ser el productor general de la Opera-rock "Jesus Christ Superstar") también destacó en el circulo musical y teatral operado por la comunidad homosexual de Londres, donde él les dió todo su apoyo (tiempo después declararía su postura homosexual) y ayudó a sacar adelante varias obras y espectáculos defendiendo los derechos de esas personas y dando conciencia que la discriminación de géneros es sólo cosa de trogloditas sin cerebro.

La historia cuenta que mientras los Bee Gees preparaban material para su nuevo disco en Nueva York, Stigwood apareció en el estudio y llamó a Barry Gibb (el pricipal compositor de la banda) de manera urgente. El músico salió de la sala y vió a un melancólico y descarado Robert pidiendole un gran favor: "Escribe una canción para mí". Tras un lapsus de silencio mortal, el manager señaló que quería esa canción para que fuera interpretada por Ottis Redding, considerado en esos dias por los medios como el "rey del Soul".

De esa manera Barry empezó a trabajar en una balada que iría dedicada al momento amoroso de su manager, y que sería interpretada por el gran Ottis Redding. Aún confundidos por la idea, la banda decidió probar con una canción ligada al Soul, y que tuviera detalles muiscales muy ligados a las delicadas obras de Sam & Dave o de The Rascals. De esa manera aparecía en escena la gran balada "To Love Somebody".
"Fue escrita para Robert, quien descaradamente me lo pidió. La escribimos en Nueva York para que fuera cantada por Ottis, pero la idea y su contexto estaba dedicado a Robert, de manera de agradecimiento porque era una excelente persona con nosotros. No tenía nada que ver con lo homosexual sino que por la gran admiración que teníamos nosotros sobre él y sus trabajos" señalaría en el 2001 Barry Gibb a la revista Mojo.

Los Bee Gees, antes de cederla a Ottis, decidieron grabar "To Love Somebody" en Marzo de 1967 en los IBC Studios de Londres, y lanzarla como single en Junio de 1967 para el Reino Unido y un mes después para Estados Unidos. Por esos días el manager Robert Stigwood decidió contactar a un músico para que sea parte de la banda en el apoyo en vivo y en las sesiones de granación. El elegido fue el guitarrista Vince Melouney, quien traía un interesante pasado musical y que de inmediato se unió a la "onda" del grupo y aportó buenas ideas para el disco que estaban grabando.

"To Love Somebody " llegó al puesto #17 del Billboard y a la casilla #47 del UK single charts. Pero igual se dió lugar para quedar como una de las baladas mas reconocidas de esta agrupación que luego la rompería en la Onda Disco.
Artistas como The Animals, Nina Simone , Janis Joplin, Michael Bolton y Tom Jones se han dado el tiempo de grabar y resurgir en los charts a esta maravillosa canción que no pudo ser grabada por Ottis Redding, ya que perdió trpagicamente la vida en un accidente aereo en Diciembre de 1967 y simplemente quedó como un proyecto.
Que la disfruten y feliz navidad!

FELIZ NAVIDAD !!!


Y unas muy muy Felices Navidades
y un feliz Año Nuevo,
dar esperanza es bueno,
sin ningún miedo.
(John Lennon)

El equipo de HDC les desea a cada uno de sus lectores una feliz Navidad y un prospero año nuevo.
Que sea un momento grato donde esten rodeados de la familia y seres queridos, y que sea un nuevo año recargado de éxitos y buen vivir.

Abrazo de gol para todos!
Y sigan echandole un vistazo a nuestor humilde espacio musical...

Atte.
Jimmy Jazz

sábado, 24 de diciembre de 2011

FAIRYTALE OF NEW YORK / THE POGUES



"Fairytale of New York" es una canción de la banda irlandesa The Pogues, que fue lanzada como single en Diciembre del año 1987 y que además contaba con la participación de la famosa cantautora británica Kirsty MacColl en voz principal. Además, esta pieza musical fue incluída en su tercer disco, el famoso "If I Should Fall From Grace With God ", que fue publicado en Enero de 1988 y que tuvo excelentes comentarios por parte de la crítica por mostrar experimentaciones variadas bajo un compilado de estilos musicales valientes.
Admirados por el folk irlándes de antaño, y con fuertes influencias del Punk setentero, este septeto decide tomar sus guitarras para dar vida a canciones eternas, con alto sentido social y con una fuerte influencia local, lo que los dejó como una banda muy influyente en esas tierras, en especial el talento musical de líder y vocalista Shane MacGowan, que es todo un personaje.

Tras romperla con el disco "Rum, sodomy & the lash", a mediados de 1986 los Pogues decidieron dar otra vuelta a su repertorio y esta vez intentar clavar un hit en los charts navideños. En un principio se manejó la idea de relaizar un "cover" o una nueva versión de alguna vieja tonada de fin de año, pero Shane MacGowan lo descartó de manera inmediata, y propuso la idea firme de escribir algo original y al estilo de la banda. Asi fue como empezó de manera inmediata el trabajo con Jem Finer, el dueño de la mandolina dentro de la banda.

La tarea de escribir una canción con aires navideño no fue tan fácil como creían, y finalmente llegado Diciembre decidieron dejar de lado ese proyecto y empezaron simplemente a grabar otras canciones. Hasta ese entonces, se cuenta que la idea de ambos músicos era escribr una canción donde MacGowan hiciera un dueto con la bajista Cait O'Riordan, pero a finales de 1986 Cait decidió dejar la banda y de paso también ayudó a dejar de lado la idea de la canción navideña. Hasta ahí todo iba mal...

En 1987 MacGowan decidió poner nuevas fuerzas en la canción, con el fin de atacar en Navidad de ese año. Finalmente Finer y el vocalista escribieron una llamativa canción que hablaba sobre un marinero que estaba en medio del oceano y miraba con harta nostalgia el paso del tiempo. Pero cuando la pieza ya empezaba tomar forma, apareció la esposa de Finer quien les sugirió a ambos que cambien parte d ela histria, ya que del sentido de la Navidad no tenía casi nada, o mejor decir nada de nada.
Ese llamado de atención hizo que MacGowan saltara de su escritorio y empezara a escribir una historia mas impactante donde combinara los deseos de ese marinero solitario contrastansolo con la falsa alegria de esta fiesta consumista.

La nueva parte lírica ya tomó una nueva forma y ahora trataba sobre varios irlandeses que emigraron a Nueva York en el siglo XIX en busca de nuevas oportunidades laborales y escapando de la hambruna que aparecia en sus tierras natales. MacGowan tomó esas historias como un reflejo hacía el sentir navideño de pasarla en alegría junto a la familia mientras que en una ciudad ajena un grupo de persona, en busca de un nuevo sueño para sus vidas, simplemente la pasaban mal. Por ello en la letra el narrador habla sobre un personaje que está durmiendo en una plaza de Nueva York tras una noche de extrema borrachera y que en sus sueños busca cambiar o simplemente imagina un nuevo rumbo en su vida cuando encuentra a una mujer y junto a ella decide pasar una vida placentera, con trabajo, casa e hijos. Es en ese momento donde el personaje se dá cuenta que su fuerte adicción a las drogas y el estar amarrado a una botella de alcohol lo tiene mal, y con sus esperaznas juveniles de surgir simplemente por el suelo. Todo esto ocurre en las vísperas de Navidad, dejando en claro un lado crítico ante estas fiestas.

Una vez que encontraron la idea definitiva para la canción, la banda empezó a trabajar con el productor Steve Lillywhite, quien quedó muy a gut con esta con esta canción y decidió depurar cada detalle para convertirla en un hit. En una de esas sesiones Lillywhite, en Agosto de 1987, decidió llevar tarea para su casa y pescó las cintas con el fin de seguir el trabajo e ambiente familiar. Fue en ese momento en que decidió pedirle una "ayudita" a su esposa, la cantautora, Kirsty MacColl para que cantara algunas partes en la versión "demo".
Al otro día, y cuando la banda escuchó la canción con la voz de la cantante, MacGowan saltó de alegria puesto que la potencia vocal de la esposa del productor le daba un nuevo "plus" a la rola. Por ello decidieron dejar esa parte y la ultima semana de Agosto la canción fue grabada de manera completa.

Pero aún faltaba un ultimo detalle para poder publicar esta canción, y era lo más importante: El título. Por eso, y tras varias ideas, MacGowan no tuvo otro camno que empezar a buscar títulos por donde fuese. Y de esa manera llegó a "A Fairytale of New York", que era el título de una de las obras literarias del famoso ecritor irlandes James Patrick Donleavy , quien era hijo de inmigrantes irlandeses que fueron a pasar sus penas a Nueva York. Todo calzaba de manera justa y exacta...

El resultado final fue una canción extraordinaria, que la rompió en los chart británicos, donde alcanzó el puesto #2 en pleno periodo navideño, con una letra crítica y a la vez verdadera. Solo fue superada en el chart por la electrónica versión de "Always on My Mind" en voz y teclados de los Pet Shop Boys.
Es tanta la poularidad de esta canción de los Pogues que en el año 2004 el canal VH1 hizo una encuesta en el Reino Unido sobre cuál era la canción británica de todos los tiempos, y la ganadora fue "Fairy Tales of New York".

Por ello, y en periodo de vísperas navideñas, les dejamos este temazo de temazos... Y no olvide que en Navidad no sólo es una olimpiada de compras, a veces un abrazo es un buen remedio.
Que la disfruten!

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viernes, 23 de diciembre de 2011

MARY HAD A LITTLE LAMB / WINGS



"Mary Had a Little Lamb" es una canción de la banda britanica Wings, y fue lanzada como single el 12 de Mayo del año 1972, y tuvo pesadas críticas por parte de la prensa desde su estreno.
Tras publicar su magnífico LP titulado "Ram", un motivado Paul McCartney decidió nuevamente formar una banda, con el fin de salir nuevamente de gira y empezar a promocionar de buena manera su nueva faceta musical tras la ruptura con The Beatles. Para ello, Paul puso toda su confianza en el guitarrista, y también compositor, Denny Laine (ex- Moody Blues), el baterista Denny Seiwell y en su mujer, Linda McCartney, quien aprendió varios secretos del teclado gracias a la escuela rockera de su marido. Juntos formaron "Wings", y en Diciembre del año 1971 lanzan el primer disco formal con esta formación, titulado "Wild Life", el cuál tuvo una amplia promoción en los medios pero su calidad musical era bastante pobre y, si no fuera por la presencia de Paul, hubiese sido un rotundo fracaso comercial, pero igual llegó al puesto #11 en los charts británicos.

Tras percatarse que aún le faltaba algo a su banda, Paul decidió incorporar a un guitarrista talentoso llamado Henry McCullough, quien sería protagonista de un rotundo cambio musical para la banda que aun estaba en pañales.
Con este nuevo integrante la banda dio rienda suelta a una faceta mas rockera y también polémica, en especial con el single que incluía la canción "Give Ireland Back to the Irish" , cuya temática estaba basada en la cruda matanza ocurrida meses antes en Derry (Irlanda del Norte), mas concida como el “Domingo Sangriento”, y que fue causada por una tropa de soldados británicos que mataron a 14 personas en plena manifestación a favor de los derechos civiles y en contra del "internment". Debido a que ese tema bélico era muy delicado tocarlo en tierra británicas, la BBC decidió censurar la canción e incluso tomó la decisión de prohibir que esa pieza sonara en cualuqier medio de comuncación.

Obviamente se esperaba una fuerte respuesta del ex-Beatle ante esta sorprendente polémica de tener una canción censurada, pese a que su letra no era tan fuerte, y que además contaba con el derecho a expresar libremente su pensamiento político (y eso lo hace pocas veces este músico).
Per aquí viene la sorpresa, ya que el próximo corte comercial dejó a muchos fanáticos "marcando ocupado". Resulta que tras mostrar su faceta mas protestante y de rebeldía social y repudio a las guerras, Paul decide cambiar su "peinado musical" y lanzar como single una rara versión de una famosa canción infantil llamada "Mary Had a Little Lamb" que data del año 1830 y cuya autoría original recae en la escritora estadounidense Sarah Josephina Hale.
Dicha escritora, y tambien editora, obtuvo la inspiración para esta canción tras ver a una joven llamada Mary Sawyer que llevaba en brazos un pequeño cordero, mientras caminaba rumbo a la escuela junto a su hermano. Asi fue como Sarah tuvo la idea de escribir una canción infantil, y apoyada por el profesor John Roulstone sacó adelante el relato. Días despues Lowel Mason escribió la parte muiscal y la canción empezó a ser interpretada en varios pueblos estadounidenses.

Bajo nuevos y muy cuidados arreglos musicales, el señor McCartney decidió grabar "Mary Had a Little Lamb", que además era la canción preferida de sus hijas. Pero también tenía otro significado el lanzar una canción tan cambiante en su estilo, y esa tenía que ver con una burla a la BBC por hacer la campaña de cinsura extrema a su anterior corte. Por lo tanto, si las canciones que hacían pensar iban directamente a no ser reproducidas en los medios o a caer en la prohibición, de seguro una "simple e infantil" melodía si lo podría hacer, y además gustaba mas en la empresa musical de esos años.

Con Henry McCullough a la mandolina, y los hijos de "Macca" en los coros, la re-versión de este clásico tomó forma en Febrero de 1972, justo cuando "Give Ireland Back to the Irish" pasaba su peor momento en los charts debido a la comentada prohibición.
En Mayo de 1972 sale a la venta el single que incluía en su cara A esta versión "Mary Had a Little Lamb" y de inmediato fue echa pedazos por la crítica, quienes no podían creer como un ex-Beatle, dueño de un talento musical sorrpendente, cayera tan pero tan bajo y mas encima cantando canciones infantiles norteamericanas. También aparecieron varios que en vez de hacer pedazos el single, vieron mas allá de lo real y decidieron poner las manos al fuego comentando que era una respuesta irónica de Paul hacía los medios que le censuraron su canción anterior.

En el Reino Unido esta canción llegó al puesto #9 de los Charts, mientras que en Estados Unidos los dj's preferían tocar el lado B, la divertida "Little Woman Love", ya que no soportaban ese estilo dulzón de la pieza arreglada por el ex-Beatle. Gracias a esa estrategia el single solo llegó al casillero #28 del Billboard Hot 100, y de paso quedó la duda sobre si esta canción era una ironía extrema o simplemente otra locura de este extraordinario músico inglés.
Que la disfruten!

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jueves, 22 de diciembre de 2011

CHRISTMAS (BABY PLEASE COME HOME) / DARLENE LOVE



"Christmas (Baby Please Come Home)" es una canción de la cantante estadounidense Darlene Love y que fue incluída en el famoso compilatorio navideño "A Christmas Gift for You from Philles Records", que contaba con la dirección y producción del maestro Phil Spector.
Innovador, inspirador, excesivo, catedrático y loco pueden ser buenos agentes descriptores de este especial productor, que dejó un gran legado para la historia del rock tanto por su especial personalidad como por su aclamada técnica del "Muro de sonidos", que causó furor en la industria musical y marcó un antes y un despupes en el trabajo del productor.

Con la idea de escribir pequeñas sinfonías de tres minutos, y sacarse la "mufa" de lanzar disco donde aparecían 2 hits y 8 canciones para la basura, Spector decidió dar rienda suelta a un proyecto muy sorprendente: Lanzar al mercado un disco de navidad pero que a la vez sea innovador y marque terreno entre tanta basura musical que salía año a año en esa década.
Para ello colocó todas su ganas para mezclar bajo su "Muralla de sonidos" diferentes arreglos muiscales para las reconocidas melodias navideñas presentes en el catálogo popular de fin de año. Obviamente, Spector no quería hacer un simple disco de covers, y decidió poner toda su genialidad en cada canción.
Para ello, el productor sacó a terreno a los grupos femeninos que pertencían a su sello musical y empezó a echar a andar este llamativo proyecto.

Una delas primeras canciones seleccionadas para el disco fue una de tinte original. Se llamaba "Christmas (Baby Please Come Home)" y estaba escrita por Ellie Greenwich, Jeff Barry y Phil Spector, y estaba destinada para ser interpretada por Ronnie Spector, esposa del productor, y sin el acompañamiento de su banda, The Ronettes.
Tras varios intentos en el estudio de grabación, Ronnie no podía encajar ciento por ciento en la canción, y pese a que el productor hizo uno que otro arreglo a la melodía, aún la cantante se manifestaba con poco gusto a la "rola", y finalmente fue tanta su poca motivación que decidió abandonar el estudio de grabación y dejar en "veremos" la grabación de la única canción original que llevaría el LP.

Asi fue como Phil decidió sacar una segunda carta bajo la manga y decidió llamar al estudio a Darlene Love, quien había debutado en su sello como la voz principal de la banda The Crystals donde cantó los superhits "He's A Rebel" y "He's Sure The Boy I Love".
Pero esta vez, y con el fin de convencer a la cantante, Spector decidió adornar el estudio con motivos navideños con el finde generar el ambiente necesario para que la canción tome forma. Tras entrar al estudio por la puerta ancha, Love quedó impactada y casi segura de que la Navidad se había adelantado. Ademas quedó asombrada al ver un puñado de excelentes músicos esperando que llegue a grabar para acompañarla en lo que fuera necesario. Entre ese conjunto de personas se encontraban Leon Russell, Sonny Bono y Cher .

De esa menra empezaban las sesiones de grabación que empezaron de manera cálida y terminaron siendo agotadoras, al estilo y gusto del productor. "Phil se encontraba trabajando arduamente en su proyecto y día a día buscaba y pulía sus detalles. Además contaba con grandes músicos de sesión, quienes hacían todo lo que pedía. Nosotos trabajamos duro, a veces en un día pasabamos ocho o nueve horas arreglando solamente la primera estrofa" señalaría Love en una entrevista en el año 2008.

De esa manera, Spector logró cautivar a Love con esta canción, que además seria el primer single promocional de dicho disco.
El disco y el single de esta canción fue publicado el 22 de Noviembre de 1963 y de manera lamentable y sorprendente coincidió con el asesinato del presidente John F. Kennedy, lo que llevó a que la promoción fuera muy pobre, puesto que los medios de comunicación, ante el impacto de la noticia, trabajaron arduamente en la tragedia.
Eso llevó a que el disco cayera en un fracaso comercial y en semanas fuera retirado de las disqueras ya que el pueblo estadounidense no pasaría unas felices navidades.

Pero Spector era un "viejo zorro" en materia comercial, y pasada las fiestas de fin de año decidió llamar nuevamente a Love para re-grabar la canción, pero esta vez bajo el nombre "Johnny "Please Come Home)" y sin los clichés navideños en las frases.
La canción tuvo un éxito moderado en los charts, y el disco fue re-editado en el año 1975 llegando a ser considerado como "el mejor disco de Navidad", ya que fue influencia para muchos artistas y dejó en claro que no era un simple disco de fin de año y que había muchos detalles musicales de alta calidad. El mismísimo Brian Wilson, de The Beach Boys", ha declarado que este LP es uno de los mejores de todos los tiempos. En fin... Una genialidad de Spector...
Que la disfruten!

martes, 20 de diciembre de 2011

SANTA CLAUS IS BACK IN TOWN / ELVIS PRESLEY



"Santa Claus Is Back in Town" es una canción del famoso cantante y actor estadounidense Elvis Presley, que fue publicada un 7 de Septiembre del año 1957. Meses después, esta canción tuvo su aparición en el famoso y polémico disco navideño sacado en octubre de ese año bajo el título Elvis' Christmas Album y que era su cuarta placa bajo el sello RCA. Este disco era un gancho comercial muy utilizado en las estrella pop de eso años para aprovechar las fiestas de fin de año, y el "Rey", obviamente, no podía quedar de brazos cruzados.
Compuesto por 12 tracks, 8 temas mega-navideños y 4 delicados cantos gospel (la música favorita de este genio) que hacen de este disco un trabajo serio y muy enfocado a capturar la fama necesaria para romperla en los charts en esa época del año.

Esta canción fue escrita por la aclamada pareja de compositores formada por Jerry Leiber y Mike Stoller, quienes apoyaron la carrera de Elvis cediéndoles canciones que hasta el día de hoy son parte eterna del legado de este emblemático cantante. Canciones tan llamativas como "Hound Dog" y "Jailhouse Rock" están acreditadas a esta famosa dupla que causó furor en los 50's. De hecho, una vez que el famoso "Rock de la Cárcel" tomaba posiciones en los charts, la dupla ya estaba trabajando a pedido del manager del artista,el simpático (?) "Colonel" Tom Parker, en una canción de navidad para estenuevo proyecto de Elvis.

La historia cuenta que por esos días la relación de los compositores con el "Colonel" estaba de mal en peor. Es que la bipolaridad mental y la ambición de este empresario hacía rabiar a todo aquél que trabajara en la escena musical junto al artista, ya que más que vender buena música o darle tiempo a su pupilo para experimentar nuevos estilos, lo único que le gustaba a este personaje era estrujar y estrujar al máximo a Elvis y hacerlo rendir a punto con el fín de no perder fama o simplemente no perder su buen negocio.
Debido a eso, el manager se decidió meter con todo en la carrera de Elvis, primero poniendo nuevas normas en el contrato, donde empezó cobrando un 10% de las regalías para llegar de manera poco ética a cobrar hasta el 50% de esas ganacias, y luego empezó a mandar, de manera poco profesional y muy abusiva, a los compositores para que hagan bien su trabajo ya que el dinero salía de sus bolsillos. Jerry Leiber y Mike Stoller quedaron hasta la "coronilla" con la forma de ser este empresario que ya tenía enfermo a muchos.

Por ello, y cuando estaba a punto de salir el disco de Navidad, "Tom" Parker decidió nuevamente llamar a estos compositores con el fin de que cedieran una canción a ese trabajo, y que ojalá fue hecho el mismo día ya que lo necesitaban urgente.
Asi fue como empezaron a trabajar la canción junto a Elvis en los estudios que la RCA tenía en Hollywood. Pero de manera sorpresiva apareció un furioso y nervioso "Tom" Parker que como un huracán en celos llegó a exijir de maner ainmediata esa canción y que pararan tanto juego al piano porque el disco tenía que salir sí o sí en esa fecha ya programada.
"¿Tienes la canción?" preguntó de mala manera el manager a Leiber y Stoller, quienes le explicaron pausadamente que no era llegar y escribir, y que estaban buscando ideas para la lírica y la música. La respuesta del manager fue mas que autoritaria: "Escribe esa maldita canción ahora mismo".
Cuento corto, la dupla tuvo que agachar la cabeza y poner manos a la obra en la canción pedida y en tan sólo 15 minutos la tenían lista para grabar. Parker, que provenía de Holanda y gustaba mucho del ambiente militar, simplemente exclamó de manera irónica: "¿Por qué tardaron tanto?. Había logrado su propósito y eso lo tenía satisfecho...

De esa manera fue escrita esa inocente canción navideña, con aroma a rock and roll pero bajo un huracán de malas caras y enojos varios entre los que rodeaban al pobre de Elvis.
Una canción navideña que no pegó tanto como otras de este grana rtista, ya que sólo llegó al puesto #40 en Estados Unidos, pero que forma parte de un buen disco navideño que sobresale de manera rotunada de muchos otros LP's que quieren tomar este periodo como un simple proceso de alcanzar fama en la televisión retocando de manera poco profesional y con arreglos asquerosos esas bellas canciones de navidad.
Que la disfruten!

domingo, 18 de diciembre de 2011

RUN RUDOLPH RUN / CHUCK BERRY



"Run Rudolph Run" es una canción del famoso músico estadounidense Chuck Berry que fue publicada en Diciembre del año 1958, con el fin de aprovechar las fiestas de fin de año, en especial la temporada Navideña, que era un buen momento para ganar una buena suma de dinero con canciones hechas para acompañar esas fiestas.
Hijo de un contratista y de una profesora, Charles Edward Anderson Berry fue el tercero de los sesis hijo que tuvo esta pareja y además fue el más inquieto. De pequeño empezó a tomarle el gusto al Blues y al Jazz , en especial a las canciones de Nat King Cole, y además ya daba sus primeros pasos como escritor amateur de poesia.
Una vez que unió su talento para la guitarra con las prosas, nació la leyenda musical de Chuck Berry, quien revlucionó el rock and roll con canciones potentes, de melodias rebeldes y que hicieron romper las pistas de baile desde el año 1955 cuando fue contratado por Chess Records.

El año 1958 pilló a Chuck Berry en la cima de la fama. Esque cada single que salía a la venta se vendía como un pan caliente, y su leyenda se hacía gigante.
Obviamente, a finales de ese glorioso año para el artista tenía que cerrarlo con una canción que se adaptara a las fiestas de fin de año, y publicar un single con tintes navideños tal como lo hacían los Elvis, las Brendas o las agrupaciones vocales que por ese entonces eran una plaga para el mercado musical.

Una vez que el sello decidió proponerle oficialmente la idea a Chuck de publicar una canción navideña, este de inmediato se contactó con el productor y compositor Johnny Marks, quien era especialista en crear himnos navideños en la industria del Pop de ese entonces.
Marks, no tuvo mucho tiempo para pensar en una canción rebuscada, ya que el rockero la necesitaba de manera urgente, asi que decidió retomar la historia de su clásica pieza "Rudolph The Red-Nosed Reindeer", (publicada en el año 1949 en voz de Gene Autry e inspirada en un poema del año 1939 escrito por su cuñado Robert L. May) y re-lanzar una versión rockera de la canción con la continuación de la historia de ese singular reno de nariz roja. Para dalr euna actitud mas rockera a la "rola" Marks decidió trabajar junto a Marvin Brodie, quien tenía un talento perfecto para crear buenas melodías.

El resultado final fue una canción llamativa, y con un sonido muy ligado a lo que venía tocando Chuck en sus emblemáticas canciones. De hecho, la base musical de esta canción después sería usada en la canción "Little Queenie", y en esa ocasión no tuvo ningun problema legal.
La que sí tuvo un problema legal por derechos de autor fue finalmente esta canción, ya que en una sorprendente "avivada", los productores y Berry decidieron publicar la canción de manera oficial acreditándola a la dupla "C. Berry & M. Brodie", lo cuál ya se pasaba de la raya, o quizás fue una mala jugada para obtener ventas. Lo cierto es que a los productores se les escapó un detalle, y es que la canción estaba publicitada por St. Nicholas Music, empresa musical que estaba al mando de Marks y por lo tanto el compositor original tenía que recibir sí o sí una alta suma de dinero por el uso de la temática de "Rudolph". Eso casi hace estallar la guerra entre los dos personajes, ya que se podía venir una fuerte demanda.
Pero en un dos por tres Chess Records tuvo que recapacitar sobre ese problema y decidió re-lanzar el single con los créditos originales y con el sello de St. Nicholas Music en medio del vinilo.

Finalmente, y tras superar ese lío, "Run Rudolph Run" llegó sólo al puesto #69 del Billboard Hot en December 1958, y tuvo casi la misma suerte en el Reino Unido donde la "rola" alcanzó el puesto #36, y quedó como una canción que casi no calzaba en el perfil de este gran artista que fue influencia de muchos rockeros. que tomaron sus pautas y dieron la vuelta al mundo con ese sonido que hasta hoy en día la rompe en las radios de la nostalgia.
Que la disfruten!

sábado, 17 de diciembre de 2011

ROCK THE BOAT / THE HUES CORPORATION



"Rock the Boat" es una famosa canción de la banda de soul norteamericana The Hues Corporation, que fue lanzada como single en Junio del año 1974 y que se convirtió en su pieza musical mas conocida en pleno auge de la música disco. Además esta canción tuvo su aparición en el disco debut de esta banda oriunda de Santa Mónica, titulado Freedom For The Stallion, y que fue todo un suceso musical en esos años.
LosHues Corporation tuvieron su nacimiento musical en el año 1969 en Los Angeles, California donde cada integrante trabajaba en diversos ámbitos del plano musical. Formada por Hubert Ann Kelly, St. Clair Lee y Fleming Williams esta banda tomó su nombre de una de las corporaciones privadas del magnate estadounidense Howard Hughes.

En el año 1972 los Hues Corporation fueron invitados para participar en la pelicula de terror Blacula, donde participarían en la banda sonora del film interpretando 3 canciones. Fue en la producción de esa cinta en que los tres integrantes de la agrupación conocerían al compositor, y también trompetista de Jazz, Wally Holmes, con quien harían buenas migas en cuanto a apoyo musical. De hecho, las canciones que grabaron para esa cinta, que tuvieron buena aceptación en los charts, fueron escritas y trabajdas bajo la producción de este profesional de la música Pop.

De esa manera, el sello de la banda decidió volver a contactar a Holmes, con el fin de que le escribiera un puñado de canciones que además estuvieran ligadas al glamoroso fenómeno de la música disco, que por esos días mandaba en las radios y la televisión.
Una de las canciones que le escribió a la banda fue "Rock The Boat", una simpática y simple pieza muiscal marcada por un llamativo juego de voces bajo un manto de armonía semi-tropical.
Por esos días, la RCA (sello al cuál pertenecía Los Hues Corporation) decidió cederle la producción del disco debut oficial de la banda al señor John Florez, quien de inmediato se puso manos a la obra en el interesante proyecto que le pusieron sobre su mesa.

Una de las canciones que más le llamó la atención al productor fue "Rock The Boat", y que estaba seleccionada para ser el single debut del disco.
En un principio, Florez había diseñado los arreglos de la canción sólo para que fuera interpretada en calidad de solista por Ann Kelly, pero de inmediato salieron a la cancha los gerentes del sello para ponerle un obstáculo a la idea del productor: En el mercado musical (de esos años) los grupos Pop con cantantes femeninas no eran viables y estaban condenado al fracaso. Puede sonar "machista" el comentario de los "peces gordos" del sello, pero sus datos estadísticos y sus estudios del mercado musical casi nunca fallaban. Por enede, el productor tuvo que cambiar los planes de la canción días antes de enviar las cintas al sello para publicar el disco. Mientras tanto, ya sonaba en las radios la romántica canción "Freedom for the Stallion", la cuál no logró sacar aplausos en la crítica.

Finalmente, "Rock The Boat" fue interpretada con Fleming Williams, en voz principal y además conto con un invitado de lujo en sus créditos: El bajista James Jameson.
Jameson había sido uno de los genios musicales del sello Motown, tocando el bajo en el 90% de las canciones exitosas (aunque misteriosamente nunca fue acreditado) que invadieron el mercado muiscal a inicios delos 60's. Además su asombrosa técnica en el bajo lo dejó como uno de los "capos" en ese puesto dentro de la historia del Rock.

Con esos pergaminos, una vez que fue lanzada como single esta pieza musical tomó un buen camino, llegando un 6 de Julio de 1974 hasta la cima del Billboard Hot 100, quedando como una de las piezas mas fundamentales de la música disco. pero eso no fue todo, ya que en el reino Unido también entró a buenos puestos en los charts (#6) y fue una canción que hasta el día de hoy sigue sonando en tierras británicas.
Años después, y en una entrevista con un medio estadounidense, el señor St. Clair Lee (el otro ntegrante de los HC) señaló: "Era una canción que salió de la nada, pero que podía hacer bailar o volver loco a cualquier persona. Era una canción de amor sin ser de amor, y aún asi fue puesto seguro en las Discotecas".

No hay dudas, estamos frente a una canción que fue influencia para muchos artistas que tomaron la Musica Disco como un ben camino hacia la fama.
Asi que a mover los muebles de la casa, a sacar las alfombras al patio que la diversión llega con este temazo...
Que la disfruten!
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viernes, 16 de diciembre de 2011

LOVE YOU TO / THE BEATLES



"Love You To" es una canción de la famosa banda británica The Beatles y está incluída en el revolucionario disco Revolver, que fue publicado un 5 de Agosto de 1966.
Si con "Rubber Soul" los Beatles habían mostrado una madurez musical muy importante y de mucha influencia para otros artistas con "Revolver" el cambio musical fue rotundo y provocó otra mutación de la música rock. Influenciados por el consumo de drogas y el abuso de las metáforas de Dylan, los fab-four dejaron de lado definitivamente su momento "yeah-yeah" para elaborar una obra experimental de alto calibre, y que quedó para la eternidad como un LP escencial para todo fanático del rock de verdad.

La experimentación musical también estaba basada en los cambios de influencias que mostraba cada uno de los intgrantes de la banda. Si Paul tiraba mucha mano en los sonidos Motown, mientras John seguía fiel a la práctica poética de Dylan, George no se quedaba atrás y tras quedar encantado con el sonido del sitar, en ese enctonces, y sin giras promocionales de por medio, podía darse el lujo de ensayar y practicar técnicas de ese milenario instrumento indio con el mestro Ravi Shankar. Junto a este destacado músico, Harrison aprendería mucho sobre la música y la religión oriental, siendo una influencia clave en esa etapa Beatle.

Si bien en "Rubber Soul" Harrison ya había mostrado sus dotes de principiante en este instrumento con un curioso arreglo hecho para la pieza "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)" donde sacó aplausos de manera inmediata, ahora tenía un buen camino para experimentar de manera mas profunda las lecciones aprendidas sobre ese instrumento de cuerdas y por ello, eso se tenía que ver reflejado en una pieza hecha exclusivamente con sabor a cultura de la India. De esa manera, e inspirado también en el profundo amor que le tenía a su novia Pattie (con quien estaba a punto de contraer matrimonio) , nace la canción "Love You To".
"Escribí "Love You To" con el sitar, basándome en una melodía que sonaba agradable y a la vez era compleja, tal como yo quería. Mi idea era escribir una canción hecha solamente por el sitar. También decidí incluírle una parte con la percusión de una tabla, la cuál le daría otro nivel a la canción" declararía años después George, sobre su primer ejercicio complejo con ese llamativo instrumento.
Sobre la "Tabla", cabe señalar que estamos hablando de un instrumento de percusión muy usado en la música del Norte de India, y tiene un sonido muy particular. En esta pieza, dicho instrumento fue ejecutado por Anil Bhagwat.
"Love You To" empezó a ser grabada un 11 de abril de 1966 en el estudio 2 de Abbey Road. En esa ocasión George interpetró la canción con su guitarra acústica, y con Paul ayudando en los coros. Horas después, el autor de la pieza decidió doblar su voz, e incluír la parte de tabla ya señalada. Además George tocó las guitarras eléctricas, el bajo y e ideó varos efectos de sonido.
El 13 de abril la canción tomaría su forma melódica definitiva, cuando George agregó las voces, mientras que Ringo tocó la pandereta y Paul hizo unos arreglos aportando unos falsetes en la mezcla final. Además,y de manera sorprendente para esa sesión, George trajo a varios músicos que pertenecían al Circulo Musical Asiático del Norte de Londres, quien aportaron todo su talento en la parte instrumental ideada por el Beatle. De hecho las partes de sitar fueron interpretadas por estos músicos, dejando a George con la boca abierta de sorpresa y muy a gusto con su idea.
Lamentablemente, ni en las fichas actualizadas del disco "Revolver" aparecen acreditados que músicos de esa agrupación participaron en esa sesión.

Una canción notable, que muestra al Beatle mas experimental, el que llegó y rompió varias murallas musicales impuestas por la moda de los 60's. Harrison fue el que demostró una rápida y exclusiva madurez musical en la etapa mas fructífera de esta gran banda que cambió la escena musical del Pop y el Rock mundial.
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miércoles, 14 de diciembre de 2011

BREAKOUT / SWING OUT SISTER



"Breakout" es una canción de la banda británica Swing Out Sister y que fue publicada como single un 3 de Octubre del año 1986 promocionando su exitosos disco debut "It's Better to Travel".
Con este aclamado trabajo musical, esta banda oriunda de Manchester y cuyo nombre derivaba de una película de los años 40's se hizo reconocina en la escena del Pop ochentero gracias a su llamativa mezcla de Pop con tintes de Acid Jazz, lo cuál cautivó a los medios de comunicación.
Formada en el año 1985 por el tecladista Andy Connell y el baterista Martin Jackson, quienes se sacaron la lotería al encontrar una vocalista de alta calidad, y además muy bella, como Corinne Drewery, quien se dedicaba hasta ese entonces como diseñadora de moda, la cupal era su profesión que había estudiado en Londres.

Una vez que se habían consolidado como banda, y tras conseguir un buen contrato con un sello de "pesos pesados", la banda intentó dar sus primeros pasos en los charts con la canción "Blue Mood", la cuál pasó sin pena ni gloria por las listas de éxitos y dejó muy preocupados al entorno de la banda. Aún falta trabajo...
De manera inmediata los productores empezaron a meter presión a los integrantes de la banda, ya que tenían que lanzar un single que pegara de inmediato en los medios de comunicación o sino estarían perdidos y pegados en el fracaso comercial.

Para colmo de males, Connell se tuvo que ir de gira por el Reino Unido con su banda Certain Ratio, Jackson tuvo que viajar de manera urgente a Manchester por razones familiares y Drewery estaba entre la espada y la pared entre tomar la desición de seguir trabajando como diseñadora en una exclusiva industria de Londres o privilegiar al ciento por ciento su carrera muiscal. Lamentablemente con el escaso éxito de su primer single las cosas se tornaron oscuras para el seno de la banda.
"El segundo single tenía que ser un éxito sí o sí, o sino ibamos a ser desechados por el sello y además nos estaban metiendo mucha presión . Me llamaban a cada rato de A&R para consultar si tenía lista la siguiente canción que ibamos a publicar. Yo estaba en Londres y lo único que quería era encontrar una canción que fuera perfecta, pero hasta antes de la fecha en que teníamos que entrar a grabar aún no teníamos ni ideas claras de esa canción" recordaría la cantante en una entrevista con un medio britanico.

Sin poder contactarse con sus socios de banda, fue Corinne la que se puso manos a la obra y empezó a buscar ideas para esa canción mientras trabajaba en Londres. Par aello tuvo que adaptar su pequeño departamento con un mini-estudio de grabación donde en el centro tenía un micrófono y una silla que esperaban los resultados de la búsqueda de esa inspiración en alguna parte.
Hasta que una noche, y mientras dormía de manera profunda, la cantante se despertó de manera sorpresiva y empezó a tararear una llamativa melodía, la cuál no le dejó tiempo para un segudno sueño y decidió grabarla en su stereo con el fin de no meter tanto ruido y ocasionar molestias a sus vecinos. De esa manera empezó a escribir una letra bajo esa melodía que había encontrado y al amanecer se alistó con su mejor pinta, pescó su moto y le envió las cintas a sus demás compañeros por correo.
"Esa melodía era muy llamativa, era algo así como el cacareo de una gallina mezclada con la melodía del éxito de Michael Jackson llamado 'Thriller' " recordaría años después la bella Corinne.

Días después, los tres integrantes de la banda se juntaron en el estudio de grabación y empezaron a arreglar esa pieza de manera cooperativa, con le fin de poner todo su esfuerzo en un futuro hit.
El resultado final fue una canción Pop con aires sesenteros, en especial la parte vocal donde se nota mucha influencia de varias cantante solistas de esa gloriosa epoca. Además, otro detalle sesentero es la potente parte de cuerdas que le dá un toque especial al manto musical y la deja fuera del Pop a secas (llenos de sintetizadores) que tanto hacía bailar en los 80's.
Con una lírica positiva, la canción llamaba a pasarla bien y vivir la vida a "concho" y dejar de lado, aunque sea en "tres minutos", los problemas.
Todos esos ganchos formaban parte de una fórmula casi matemática de cómo armar un hit, a pasear de la presión de su sello.

Finalmente esta canción fue todo éxito para Swing Out Sister, ya que logró entrar en el cuarto puesto en el UK Sngles Charts y además sacó mas que aplausos en los EE.UU. donde esta pieza llegó al sexto lugar del Billboard Hot 100, siendo una grata sorpresa para los medios. Además gracias a "Breakout" la banda se ganó una nominación al Grammy enla sección Mejor Interpretación Vocal Pop.

A pesar de que su disco debut fue todo un éxito, y quedó como una pieza escencial para el Pop de los 80's, sus siguintes discos, que estaban mas marcados por el Jazz comercial, no pudieron obtener el éxito de antaño, a pesar de tener buena recepción por parte de la crítica.
Pero dejaron para la eternidad esta preciosa y positiva canción que aún sigue en los diales de la nostalgia y los buenos recuerdos...
Que la disfruten!