jueves, 28 de febrero de 2013

EMPTY GARDEN (HEY, HEY, JOHNNY) / ELTON JOHN



"Empty Garden (Hey Hey Johnny)" es una canción del cantante y compositor inglés Elton John, que fue lanzada como single un 13 de Marzo del año 1982 y además fue incluída en el  album Jump Up!, decimosexto trabajo discográfico de este artista que además es hincha y presidente honorario del Watford FC.
Este disco trajo al ruedo a un renovado Elton John, donde se le nota mas relajado, en paz consigo mismo y con ganas de trabajar y elaborar un disco sólido como esos que hacía a inicios de los 70's. El resultado final fue uno de sus discos más consistentes dentro de los 80's y que traía cinco canciones ayudado por su amigo de carretera, el letrista letrista Taupin  y además incluía cuatro pistas escritas junto al compositor Gary Osborne. Por si fuera poco, este discazo también trae una canción donde compartía créditos con Tim Rice, un experto en escribir canciones para series de televisión, películas y obras de teatro. Este sería el inicio de la amistad entre Elton y Rice, quien tenía un curriculum musical muy recargado de éxitos (solo basta decir que las letras del musical Jesucristo Superstar le pertenecen) y que posteriormente en los 90's unirían fuerzas para escribir la banda sonora de la famosa película de Disney, "El Rey León".
"Jump Up!" lograría excelente ventas en todo el planeta y depaso logró dejar en claro que el talento musical de Elton no se había apagado.

Volemos un rato al pasado y situemos este relato en el 28 de Noviembre del año 1974. El lugar elegido era el famoso Madison Square Garden de Nueva York, donde Elton John se encontraba tras su piano dando uno de sus tantos espectaculares conciertos apoyado de grandes ventas de sus discos y de clásicos eternos. En un instante la gente quedó boquiabierta, los relojes pararon sus minuteros y por un instante dos estrellas del rock y del pop estaban unidas en ese concierto que ya no era uno más de la gira. Elton presentaba a su amigo, el ex-Beatle, el autor de innumerables éxitos planetarios, el señor John Lennon.
La razón de tamaña sorpresa era que meses antes de ese show, Elton estuvo trabajando con Lennon en una canción llamada "Whatever gets you thru the night" y tras su grabación el pianista le hizo una apuesta al autor de "Imagine": Si la canción llegaba al numero 1 en Estados Unidos, tenían que compartir escenario en ese mítico concierto que ya en ese entonces estaba programado. Y así fue...

En esa ocasión un nervioso Lennon se puso al hombro una  Fender Telecaster y entonó junto a Elton tres canciones; el mencionado éxito, "Lucy in the sky with diamonds" y cerraron con "I saw her standing there". Antes de entonar ese hit Beatle, que abre el disco debut de la banda allá por el año 1963, un ya relajado Lennon declaró: “Me gustaría dar las gracias a Elton y a los chicos por invitarme esta noche. Pensamos en una canción para terminar y con la cuál me pueda ir esta noche,… y creímos que sería mejor hacer una canción de un viejo, y alejado novio que tuve, llamado Paul. Este es uno que nunca canté, es un antiguo tema de los Beatles, y casi todos la conocen”. Este sería la ultima aparición de John Lennon sobre un escenario.

8 de Diciembre de 1980. El mundo estaba empapado en lágrimas al enterarse de que un desquiciado fan asesinó a tiros a John Lennon. El planeta musical estaba de luto, se iba aquél hombre que creó una banda que cambió todo en los 60's, que después escribiría canciones en honor a la paz y sería todo un personaje con sus ideas y proyectos artisticos. El mundo se quedaba sin Lennon, pero su música aún estaba mas viva que nunca.
Elton John, que había logrado una buena amistad con Lennon ( incluso es el padrino del segundo hijo del músico, Sean), no lo podía creer. Juntos habían compartido buenos momentos, inolvidables jornadas musicales y una que otra fiesta o viaje a algún lugar del mundo y esta noticia lo había dejado muy deprimido.

Pasaron los meses, e incluso un par de años, para que Elton John pudiera hablar sin tantas lágrimas sobre su amigo y escribirle una que otra canción a modo de homenaje. En la sesiones de grabación de su décima sexta placa musical se pondría manos a la obra con esta idea.
Se cuenta que en esas sesiones Elton John quiso cambiar de manera rotunda la rutina de trabajo y de composición. Si bien antes esperaba tener la letra en sus manos para poder escribir la música, ahora haría lo contrario y eso provocaría cierto enojo por parte de Taupin.
Para el "letrista", ese cambio de actitud sólo logró generar canciones de muy baja calidad e incluso llegó a decirle en la cara a Elton (que tenía un genio de los mil demonios cuando entraba a grabar un disco) que "este disco será muy sucio". Pero Elton no le hizo mucho caso...

La única canción que lograron hacer bajo la antigua rutina de composición fue "Empty Garden (Hey Hey Johnny)", cuya letra pertenece a Taupin  y que fue pedida exclusivamente por Elton para que sea un digno homenaje a su amigo John Lennon. La idea principal. expuesta por Elton John, era que la letra "no cayera en lo cursi ni en lo torpe".
En esta canción el jardín vacío viene a ser el Madison Square Garden, aquel escenario donde compartieron una noche musical que resultó inolvidable,  y Lennon es aquél jardinero que cuidaba mucho a su mundo, que eliminaba las lágrimas y que siempre buscaba una buena cosecha para los suyos.
En materia musical, esta balada de Elton, con un toque muy al estilo de "Candle in the Wind" y una intro muy similar a la usada en la lennoniana "How",, captura de manera perfecta esa sensación de haber perdido de manera repentina a una persona entusiasta, que siempre estuvo dándole sorpresas al mundo artístico. "Es la mejor canción del disco" declararía años después Bernie Taupin.

En la grabación de esta canción participaron, aparte de Elton quien se hizo a cargo del piano, el guitarrista Richie Zito (quien también era productor y trabajó junto a Poison, Diana Ross, Heart entre tantos mas), el bajista Dee Murray (único miembro de la banda que acompañaba a Elton en los 70's), el tecladista  James Newton-Howard (quien posteriormente se haría famoso por elaborar bandas sonoras muy premiadas)y el baterista Jeff Porcaro (que fundaría y pasaría a la fama con la gran banda Toto).
Esta canción fue todo un éxito en las listas estadounidenses, donde llegó al puesto #13 del Billboard.  Mientras que en tierras británicas la canción simplemente llegó al puesto #51 y no generó tanto revuelo.

Si bien Elton ha declarado que le es muy difícil entonar esta canción en sus conciertos, debido a la carga emocional de recordar a su amigo, sí lo hizo en Agosto de 1982, cuando volvió a tocar en el mítico Madison Square Garden  y a modo de homenaje entonó esta canción mientras Yoko Ono y Sean Lennon se encontraban en primera fila como invitados especiales.
Que la disfruten!

PD: Les recomiendo esta página Beatlemaniacos!!


martes, 26 de febrero de 2013

MY BONNIE / TONY SHERIDAN & THE BEAT BROTHERS



"My Bonnie" es una canción interpretada por el cantante inglés Tony Sheridan acompañado de una banda desconocida llamada The Beat Brothers. Esta canción, que es una pieza clásica de folk escocés,  fue publicada como single el 23 de octubre del año 1961 y tuvo un repentino éxito en tierras germanas y británicas.
Sheridan es toda una leyenda para el rock and roll británico y "sin querer queriendo" fue partícipe y testigo del origen de una de las banda que cambiaría la historia del rock y el Pop en los 60's. Oriundo de Norwich, donde nació un 21 de mayo de 1940, Tony siempre quizo ser parte del rock and roll, en especial por su fanatismo por Elvis Presley. Así fue como pescó su guitarra y se marchó a Londres en el año 1957, en busca de hacer carrera y lograr su objetivo de vida. En su estadía en la capital, Sheridan logró trabajar como músico de sesión para varios aristas de renombre en esos tiempos, como por ejemplo Gene Vincent y Eddie Cochran. Tras esa experiencia, donde aprendió mucho y se codeó con grandes exponentes del naciente rock británico, Sheridan formó una banda, bautizada como The Jets, y  en Junio de 1960 se fue a probar suerte a Hamburgo, contratado por un pub llamado “Kaiserkeller”.
En esas tierras alemanas, Sheridan llegó a conocer a otras bandas que andaban dando vuelta por los clubes nocturnos tocando viejos clásicos del rock and roll. De esa manera aparecieron  en su camino unos jóvenes de Liverpool, que tenían una banda llamada The Beatles y que hacían de las suyas en un pub llamado Top Ten. Aqui empieza la historia de la canción...

Era Junio de 1960, y el Top Ten pasaba las tardes y las noches con bandas que tocaban rock and roll. Una de esas tantas noches de cervezas, mujeres que atendían de manera maternal a sus clientes y de bastante locura musical, llegó alguien que no era tan parroquiano de ese lugar pero que andaba en busca de una banda o solista para grabar un single y lograr algo de dinero. Era el director de orquesta  Bert Kaempfert, quien ya tenía fichado a Tony Sheridan, que cantaba muy bien, tenía buena facha y tocaba muy bien la guitarra. La misión de Bert en esa noche era escuchar a esos Beatles que ya eran muy reconocidos en el ambiente under de Hamburgo por su energía sobre el escenario y por tener buenos músicos.  Y esa noche John, Paul, George y Pete no lo defraudaron  (Ringo en ese tiempo andaba por otro bar de Hamburgo pero ya estaba en planes de la banda)...

El 22 de junio de 1961, en ​​un improvisado estudio de grabación situado sobre un escenario de la escuela Friedrich-Ebert-Halle de Hamburgo, Sheridan y su nueva banda de apoyo se disponían a grabar el primer single y luego hacer el resto del repertorio de ese disco que tenía en proyecto.
La primera canción que estaba en carpeta para grabar era una famosa balada escocesa llamada "My Bonnie" ( que también era conocida en tierras del jardinero Willy (?) como "My Bonnie lies over the ocean"). Esta canción, que era muy popular entre los marineros de alta mar, tiene un origen aún desconocido, pero goza de gran popularidad en sus tierras donde incluso era usada para tertulias y festivales de voz allá de finales del siglo XIX.

Hagamos un poco de historia sobre esta canción antes de seguir con la leyenda de Sheridan y su tropa de músicos...
Muchos historiadores musicales relacionan esta canción como un homenaje el aristócrata escocés Charles Edward Stuart, también conocido como 'Young Chevalier' o como " Bonnie Prince Charlie ". Este personaje, que es parte importante de la historia de su país, ganó fama tras liderar, en pleno levantamiento jacobita,  una famosa tropa de casi 3 mil hombres conocidos como "highlanders" con quienes logró controlar muchas zonas rurales de Escocia e incluso llegó a Edimburgo, donde tras una dura  batalla la logró tomar y así dejar en claro su poder militar.
 Pero no sólo de batallas ganadas se le recuerda a " Bonnie Prince Charlie ", ya que también era un reconocido conquistador de mujeres y vividor de clase profesional, lo cuál no era muy bien visto por los católicos. De hecho, por culpa de su adicción a las mujeres y a la bebida no fue condecorado por el Vaticano como "Rey de Escocia e Inglaterra". Finalmente, este personaje muere en Italia  como un vagabundo en medio de la miseria, pero alguna fémina o fanaticada le dejaron una canción en honor a sus batallas, guerras ganadas, su tormenta de facha (8) y sus amores.
Volvamos a ese 22 de Junio de 1961...

La versión que tenía en el horno Tony Sheridan era una que ya había probado en vivo y que tuvo una aceptación espectacular en esas noches de rock and roll y desenfreno, además muchos marinos que pasaban a descansar (?) en los bares de Hamburgo la entonaban cuando la luna ya le daba paso al sol . Esta constaba de una introducción al mas puro estilo Elvis y su "Love me Tender" pero a ritmo de vals, como en la versión original, para luego dar paso a un rock and roll en estado puro, con un solo de guitarra de miedo (y bastante respetable!).
En una entrevista del año 1963, John Lennon se refería de manera muy fria a esta canción, diciendo que     "solo es Tony Sheridan cantando y nosotros tocando de fondo. Es terrible. Cualquiera lo podría haber hecho".

Tras "My Bonnie",  Tony y la banda grabaron un tema llamado "The Saints" que simplemente era una versión rockera del clásico "When The Saints Go Marching In". Una vez que las dos canciones ya estaban registradas, Bert Kaempfert le informó a John, Paul, George y Pete que no usarían el nombre de la banda en el single y que de ahora en adelante pasarían a ser los Beat Brothers, ya que encajaba con la moda y la onda de toda esa tropa de solistas acompañados de una banda que terminaba en "Brothers", aunque no hubiera parentesco sanguíneo (?). "La verdad es que no les gustaba nuestro nombre, y nos dijeron, 'cambiaremos su nombre por "Beat Brothers" porque era más comprensible para el público alemán. Finalmente así lo editaron e hicieron historia". comentaría Paul McCartney años después.
Cabe señalar que tras esta sesión, los Beatles tuvieron la oportunidad de grabar dos canciones a modo de demo o futuro single. Estas fueron una versión rockera de "Ain't She Sweet" (en voz de Lennon) y el famos instrumental "Cry For A Shadow" escrito por Lennon y Harrison.

El 23 de Octubre de 1961 salió a la venta, bajo el sello Polydor, el single  "My Bonnie" / "The Saints" (cuyos créditos eran de Tony Sheridan and The Beat Brothers) y llegó al puesto #5 del Hit Parade alemán. Pero la noticia había llegado a tierras locales, debido a que la banda ya se encontraba en Liverpool desde Julio de ese año y en el "Cavern" se empezó a correr la voz de que habían grabado unas canciones en Hamburgo con el señor Tony Sheridan.

Semanas después de que el single fuera liberado en Alemania, apareció en la tienda NEMS, cuyo dueño era un jóven empresario llamado Brian Epstein, uno de los fanáticos a rabia de The Beatles, en ese entonces. Se llamaba Raymond Jones, y tan sólo tenía 18 años, pero quería conseguir sea como sea ese single de Tony Sheridan junto a su banda favorita. Se dice que esa fue la primera vez que Epstein escuchó el nombre de esa banda, y tras consultarle varios detalles quedó muy asombrado a tal punto de que a la semana fue a verlos al "Cavern" y tras esa noche de rock and roll decidió ser su manager y empezar a hacer historia otra vez, aunque esta vez la cambiarían a su modo y en todo el planeta...
Paul McCartney relataría años después sobre este acontecimiento que marcaría la historia de The Beatles:  "Un chico fue a la tienda de discos de Brian y le pidió el "My Bonnie" de The Beatles. Brian le dijo que ese single era de Tony Sheridan y lo mandó a buscar. Fue ahí donde supo de nuestra existencia y que estabamos tocando a 200 metros de su tienda. Así que fue al "Cavern" y uno de los asistentes nos informó que 'Brian Epstein está entre el público. Él puede ser un buen gerente o un buen promotor para ustedes". Así que esa noche nos comportamos como unos adultos".

Cuando la banda ya estaba empezando a salir a flote, y a punto de firmar un contrato con la Parlophone, donde George Martin les estaba haciendo audiciones, en Enero de 1962 apareció en el Reino Unido el single con la canción "My Bonnie", pero esta vez acreditado a Tony Sheridan and The Beatles (no era nada de lesos los de Polydor). En Abril de ese año la canción también fue publicada en Estados Unidos, pero fue cancelada semanas después debido a las malas ventas. Pero los de la Polydor volverían a la carga  en Enero de 1964, cuando la Beatlemanía arrasaba en el mundo, y lanzaron este single acreditado, esta vez, a  The Beatles with Tony Sheridan, y de manera sorprendente llegó a la casilla #26 del Billboard. Tony Sheridan simplemente gozaba de fama, y sin querer fue acompañado de una banda que hizo historia al igual que él.

Pese a que la Polydor hizo lo que quiso con ese single, Paul, John y George nunca hablaron mal de Tony. De hecho, ellos siempre recalcaban que fue en esas grabaciones donde aprendieron mucho, y agarraron mas confianza a la hora de enfrentarse a un micrófono y trabajar en el estudio. Por esa razón es que  nombraron al guitarrista como su “maestro”.  Sobre esto, el pianista Roy Young, que también participó en estas grabaciones para  la Polydor, declaró sobre Sheridan y su relación con los Beatles: "Definitivamente Tony los influyó. Yo siempre me sentí sorprendido de que ellos nunca hicieran grandes comentarios al respecto, pero me daba cuenta de que John (Lennon) y George (Harrison) iban a verlo y se ponían en la primera fila para copiarlo. Es verdad que lo imitaron en muchos de sus movimientos, su estilo, por la forma de tocar la guitarra o de pararse y eso era algo que John en especial le copiaba".

El pasado 16 de Febrero Sheridan dejó de existir, pero su leyenda seguirá viva en el rock, y que no sólo fue influencia para los Fab Four, sino que también  estuvo en los inicios de la banda AC/DC.
"Tony fue una buena persona que conocimos y trabajamos con él en los primeros días en Hamburgo. Solíamos ver sus shows y admirábamos su estilo. Lo vamos a extrañar" declaró a los medios británicos Paul al enterarse de la trágica noticia.
Se fue un grande, pero deja un legado inmortal para el rock británico, ya que él puso el soporte para muchas bandas que luego cambiarían el curso de la historia 

En memoria del "Teacher" Tony...

Que la disfruten!

domingo, 24 de febrero de 2013

THAT'S THE WAY / LED ZEPPELIN


"That's the Way" es una canción de la banda inglesa Led Zeppelin  y que fue publicada en el Lp "Led Zeppelin III", publicado un 5 de Octubre del año 1970.
La tercera placa musical de esta emblemática banda ha sido catalogada por la crítica como uno de los mas "flojos" e incluso se atrevieron a decir o escribir que era uno de sus trabajos menos sobresalientes. Pero con el paso de los años este disco empezó a tomar fuerzas, y mas que ser un trabajo sin la energía blusera y rockera de los dos anteriores, era un recreo acústico para que la banda se diera también un relajo y dejara muy en claro que también tenían derecho a experimentar. Y si este disco es "flojo" entonces que queda para esos especialistas por los temazos que aparecen en su tracklist, empezando con la bulliciosa y energética "Immigrant Song" junto a la también rockera "Celebration day", para pasar de un salto a un blues en estado natural, con guitarras furiosas y un Plant cantando a todo pulmón con "Since I've been loving you". Pero también se dan el lujo de tomar las guitarras acústicas por un rato, sentarse a observar el mundo exterior tras los abusos de la fama y entonar piezas con aires a Folk británico, y entre esas aparece la sensibilidad de una canción tan delicada en arreglos y acordes como "That's the Way", la cuál contaremos su historia...

La historia de esta canción empieza mas menos en Mayo de 1970 cuando, tras una larga gira por los Estados Unidos, Page y Plant se encontraban descansando en Bron-Y-Aur , una cabaña ubicada en Gales donde siempre la banda se iba a retirar en busca de inspiración y nuevas pilas.
En una de las tantas salidas hacía los hermosos y tranquilos bosques que rodeaban su vivienda, Page y Plant llevaron una guitarra y una grabadora de cinta, con el fin de escribir algo inspirado en ese contexto, de paz, naturaleza y aires renovados. La tarea no era tan difícil  y cuando llegaron a un barranco, se sentaron y empezaron a escribir canciones. "Era uno de esos días en que íbamos de paseo para no estar tanto tiempo en casa. Llevamos una guitarra. El paseo era agotador, ya sabes, hasta que llegamos a un barranco, nos detuvimos y nos sentamos. Toqué una melodía y Robert (Plant) encajó con el primer verso de manera inmediata. Teníamos una grabadora y empezamos a cantar" recordaría el guitarrista  Jimmy Page en el año 1994. Además, en el año 2010 en una entrevista con la Mojo, el genio de las "seis cuerdas" también agregaría que "todavía puedo recordar de manera exacta el lugar donde escribimos  "That's the Way". Robert quedó muy impresionado por ese momento, y fue capaz de anotar todo y hacer una letra muy genial. Esto no habría sucedido si no hubiéramos estado allí".

En esta canción, que en un principio la canción fue titulada "The Boy Next Door", Plant nos habla sobre el placer de sentir y disfrutar el medio ambiente a pleno, alejado de las selvas de cemento, de la rutina cotidiana de aplanar calles y de la contaminación de las grandes ciudades.  Pero también se da el tiempo de reflexionar sobre su paso por los Estados Unidos, donde tras la gira de conciertos vio injusticia y desconfianza entre la gente que los rodeaba tras los escenarios, también vieron con sorpresa como la policía reprimía a esos jóvenes que protestaban en contra de la guerra de Vietnam. Además, cabe señalar que en su estadía por esas tierras, en la primavera de 1970, la banda fue amenazada de muerte en varias ocasiones debido a su cercanía con el ocultismo y también por su creciente fama. De hecho, cuenta una historia que cuando la banda se encontraba en el sur de Estados Unidos, decidieron ir a un bar en busca de cervezas y un buen momento. Cuando los Zeppelin quisieron  entrar un guardia los atajó rápidamente y con pistola en mano les dijo que no eran aceptados simplemente por llevar el pelo largo.
Todos esos momentos, sean extraños o de mucha emoción, hicieron que Plant imprimiera una letra cargada de emociones, ligadas a escapar de la rutina, de buscar un momento de paz, de disfrutar las cosas simples que nos rodean.

Grabada entre Mayo y Agosto de 1970, la versión de estudio cuenta con Jimmy Page  en la guitarra acústica (de 12 cuerdas), el bajo, el dulcimer y de la "Pedal Steel Guitar" mientras que John Paul Jones solo se dedica a tocar la mandolina. Como no hay pista de batería, John Bonham estuvo en el pandero, el cual fue agregado posteriormente al resto de la exquisita parte instrumental.  El resultado final fue una de las baladas mas hermosas de Led Zeppelin (una autentica balada folk!! ) y sería la patada inicial para una nueva faceta musical de la banda para no repetir siempre la formula del Hard Rock con esos espectaculares mantos de guitarras furiosas y dar paso a sesiones experimentales.

En el año 2000, el director de cine y guionista estadounidense Cameron Crowe se contactó con Page y Plant para ofrecerle una arriesgada propuesta. Resulta que por ese entonces estaba rodando su pelicula "Almost Famous", una obra autobiográfica (de su época en que era columnista de la Rolling Stone) que nos muestra las aventuras de un jóven periodista que decide seguir los pasos a una banda emergente en los años 70's. La propuesta que le tenía al 50% de los Zeppelin era usar algunas de sus canciones mas reconocidas dentro de su cinta, y por eso la tarea era arriesgada, puesto que tranzar con el vocalista y el guitarrista no era nada de fácil.
Tras largas reuniones, y ofertas por doquier, Page y Plant decidieron ver parte de la película para analizar la propuesta. Tras dar su visto positivo, la primera canción que contó con el permiso de sus autores fue "That's the Way". Además de esta rola, fueron utilizadas dentro de la cinta las canciones "Tangerine", "The Rain Song", "Bron-Y-Aur" y "Misty Mountain Hop". Lamentablemente, la única que tuvo el permiso de sus autores para aparecer en el soundtrack oficial fue esta balada con aires folk.
Que la disfruten!!!!!!!


viernes, 22 de febrero de 2013

FOR NO ONE / THE BEATLES


"For No One" es una canción de la banda británica The Beatles, que fue publicada originalmente en su séptimo álbum, Revolver.
Este aclamado disco, lanzado al mercado un 5 de Agosto del año 1966, es considerado por la prensa especializada como uno de los mejores trabajos de la banda por la calidad musical de cada canción que lo compone y líricas mas elaboradas, con metáforas interesantes y llamativas polémicas. Es que por esa época los Beatles ya no hacían giras y se enfocaban sólo a trabajar en el estudio, donde fueron indagando, aprendiendo técnicas y llevando a cabo esa idea de experimentar acordes, efectos, loops con todo lo que los rodeaba. Es por esa razón que en este disco podemos ver a Harrison con una pieza que deja lo eléctrico por la tabla y el sitar, mientras que Lennon colocaba canciones que incluían increíbles loops de cinta e instrumentos reproducidos hacia atrás (idea original de su compañero de créditos en las canciones), y a un Paul interesado a full en el sonido Motown, incluyendo secciones de metales y efectos especiales caseros en esa mítica canción cantada por el simpático Ringo.
"Revolver" fue un éxitazo en todo el mundo, llegó a vender casi dos millones de copias y lideró los charts de Europa y Norteamerica, dejando en claro que esta banda no necesitaba ya de las giras ni de tanta publicidad en los medios, sólo bastaba talento, buenas ideas, retocar lo clásico con aires nuevos y ser un Beatle.

"Creo que ha fue escrita tras una discusión. Nunca tengo relaciones fáciles con las mujeres" diría Paul McCartney tras ser consultado por esa hermosa balada "For No One", una de las tantas balas de ese "Revolver". Claro, era Marzo del año 1966 y Paul junto a su novia, la actriz Jane Asher, decidieron ir de vacaciones a un centro de esquí en  Klosters, Suiza.  Se especula que durante su estadía en ese hermoso lugar para pasar la temporada invernal, la pareja tuvo una fuerte discusión que incluso la llevó a pasar algunos días separados o quizás sin tantas miradas dulces. Es que por ese entonces Paul quería retener a su novia, la quería simplemente a su lado, que fuera con él a los lanzamientos de discos, a las fiestas de algún colega y que fuera la "esposa perfecta para un Beatle". Pero Jane no quería eso para su vida. Ella no quería ser la dueña de casa que esperara a su Beatle viendo la novela ni menos vivir a costa de su pareja. Jane quería consolidarse como actriz y salir por toda Europa con su grupo de teatro a disfrutar de las artes escénicas  hacer carrera, conocer gente ligada a las tablas y ser feliz. Ese era el motivo de la discusión.
El resultado final fue que Paul tuvo que tragarse sus palabras, volver a pensar quizás en otra estrategia para salvar su relación (o moldearla a lo que él quería) y para ello en una fría noche que pasaron en un viejo chalet alquilado en medio de la nieve, el músico botó varias frases en una canción que tituló  "Why Did It Die", una pieza que hablaba sobre la indiferencia y el término de una, también fría, relación amorosa a ritmo de vals, a 4/4.

El 9 de Mayo de 1966, en le estudio 2 de Abbey Road, Paul apareció en los estudios de grabación con esta canción bajo el brazo. Una vez que la interpretó para el resto de la banda y para George Martin, le pidió a los asistentes que dieran nuevas ideas para su parte instrumental. Pero nadie se atrevió a cuestionar tamaño demo ya que, al parecer era otra pieza maestra de este músico que ya los había sorprendido con "Yesterday". Pero Paul tenía una genial idea.
"De vez en cuando les pedía alguna una idea para la letra o algún aporte en la instrumentación, sobre todo para los solos ... En "For No One" yo estaba interesado en poner una parte de corno francés, porque era uno de los instrumentos que desde niño siempre amé. Tiene un sonido hermoso, asi que fui donde George Martin y le dije '¿Cómo podemos hacerlo? "Y él dijo, 'Bueno, voy a buscar al mejor'" comentaría Macca en el Anthology.

En esa primera sesión, y mientras Martin buscaba al encargado del corno, se grabó la primera toma de la canción, con McCartney al piano y Ringo Starr a la batería. Luego, ambos músicos incluirían otras pistas de percusión adicionales, pero al parecer todavía le faltaba algunos detalles a la parte instrumental y decidieron volver a grabar la canción cuando tengan más ideas en mente.
Pero fue en ese momento en que George Martin decidió darle un nuevo retoque a la canción usando un clavicordio, el cuál, según palabras del productor, le daría un sello distintivo a esta pieza. Para ello, fue con uno de sus asistentes a su casa en busca de ese instrumento y en un par de horas ya estaba instalado en el estudio 2 y listo para ser usado. De manera inmediata Martin se puso a escribir una melodía acorde a  la idea principal presentada por Macca. Finalmente fue Paul quien se encargó de ese instrumento, tras previo entrenamiento con el productor. "Fue muy extraño grabar este instrumento, y Paul se hizo a cargo. Es que queríamos un sonido muy especial" comentaría años después el famoso productor de la banda.

El 16 de Mayo, fue la fecha exacta en que Paul grabó las voces de la canción e hizo uno que otro arreglo a la melodía, y tres días después en el estudio 3 de Abbey Road apareció en escena Alan Civil, un músico muy distinguido en toda Gran Bretaña y que fue contactado por Martín para interpretar el anhelado solo de corno francés.
En el libro "The Beatles: Revolución en la mente" (McDonald, Ian; 2000) se menciona que al momento de grabar este solo, el cuál había sido escrito por Civil, este se dio cuenta que tras la grabación de la parte vocal, la canción había bajado en cuanto a velocidad. Esto provocó cierto disgusto ya que el músico se dio cuenta que esta versión estaba en el cuarto de tono que hay entre el Si y el Si bemol y esto cambiaba los planes. Tras varios arreglos en la cinta, el interprete del corno logró grabar esta famosa parte que le da un "plus" especial a la canción.

Cuenta la leyenda que tras grabación del solo, un motivado Paul se acercó a Civil  y le dijo "Bueno, está bien, creo que puedes hacerlo mejor , ¿verdad, Alan?".  Tras ese comentario, Alan se mostró disgustado, es que no había tiempo para otra sesión, así que grabó unas cuantas tomas a pedido del autor d ela pieza, para luego cobrar la tarifa negociada, arreglar sus cosas e irse a casa. Paul y Martin se quedaron finalmente con esa primera (e histórica) toma.
"La toqué varias veces, una tras otra ... Para mí era simplemente un día mas de trabajo, ya que era la tercera sesión, pero fue muy interesante" comentaría años después el mismísimo Alan Civil en el libro "The Complete Beatles Recording sessions" de Mark Lewisohn.

El resultado final fue una de la canciones mas aplaudidas de Paul, ya que contenía una parte instrumental muy depurada, y una letra bastante particular donde el desamor, la indeferencia y el fin de una relación quedan muy bien plasmadas en ese ambiente sonoro. Incluso en el año 1972, cuando los Beatles ya eran historia y pasaban en tribunales por asuntos económicos y de egos, John Lennon declaraba en la "Hit Parade" que ""For No One" es una de mis favoritas".
De hecho, en 1984 cuando Paul promocionaba la malisima pelicula "Give My Regards To Broad Street", que incluía en su (excelente) banda sonora algunas piezas de The Beatles, no dudó en incluir una nueva versión de esta pieza musical tan renombrada con los años. En una entrevista con la revista Musician, el ex-Beatle declaró : "'For No One' no la había tocado nunca en ninguna parte. Compuse la canción, la llevé al estudio, la grabé en un día y fin de la historia. No era más que una grabación, una pieza de museo. Odiaba la idea de que siguiera siendo pieza de museo".
Que la disfruten!!!


miércoles, 20 de febrero de 2013

DANCING IN THE STREET / MARTHA & THE VANDELLAS



"Dancing in the Street" es una canción del grupo femenino Martha and the Vandellas, que fue publicada como single un 31 de Julio del año 1964 y que se convirtió en una de las canciones mas emblemáticas de este conjunto vocal y además como una de las piezas musicales mas importantes y a la vez polémicas para el famoso sello Motown.
Este trío vocal liderado por Martha Reeves, una secretaria de profesión que llegó a tocar la puerta de la Motown para que le hicieran una audición y que tras lograr su propósito no llegó a quedar seleccionada, pudo dar su primer paso en el sello cuando la mandaron nuevamente a contestar teléfonos y enviar documentos pero esta vez contratada por Berry Gordy, el jefe de la casa disquera.
Tras largos meses nuevamente como secretaria, y dado el arduo trabajo de los productores, un día fue invitada por uno de ellos para que participara como corista en una grabación. Fue en ese momento donde volvió a la carga y tras mostrar sus dotes vocales tuvo una oportunidad para grabar un single en 1962. Para ello contactó a sus compañeras Annette Beard y Rosalyn Ashford para formar de una vez por todas Martha Reeves & The Vandellas, que con el tiempo se convertiría en uno de los principales conjuntos femeninos de la Motown gracias a su estilo Pop-Soul mezclado con aires bailables. Así empezaba la leyenda...

No hay dudas que la canción mas reconocida de este trío musical es "Dancing in the Street", una simpática pieza musical  escrita por el equipo Motown conformado por: Marvin Gaye (un maestro!), Ivy Jo Hunter, y William "Mickey" Stevenson.
La historia de esta canción empieza en los primeros días de Junio del año 1964, cuando Stevenson y Gaye conducían por las calles de Detroit. Como era época veraniega y los termómetros reventaban a causa de una fuerte ola de calor, ambos músicos se dieron cuenta que en varias esquinas de la ciudad la gente abría los grifos para refrescarse y a la vez jugar con sus hijos y así disfrutar de ese simple juego. Para Stevenson esas personas parecían estar bailando bajo el agua y se le vino el título para alguna canción.

Una vez que llegó a su hogar, William "Mickey" Stevenson empezó a escribir una letra y ensayar algunos acordes que acompañaran esa imagen de ver niños y adultos jugar bajo el agua en plena calle y bajo ese sol amenazante.
Al otro día, Stevenson volvió al estudio de grabación y le enseñó parte de su canción a Marvin Gaye. Cuando este ultimo leyó la letra, declaró de manera inmediata que la canción era ciento por ciento bailable. Una vez que ambos compositores encontraron los arreglos perfectos y completaron la letra, decidieron llamar a terreno a la cantante Kim Weston para que la grabara en primera instancia. Lamentablemente
la interprete de "Love Me All The Way" no quedó conforme con el resultado final y decidió bajar los brazos y elegir otra canción como futuro single.

Tras varios descartes, Gaye decidió que fuera Martha Reeves  quien grabara esta canción junto a sus compañeras de grupo. En ese entonces Martha andaba en busca de un nuevo single que tuviera aires renovados y que ayudará a realzar su regular carrera musical que con éxitos no tan rotundos y  con fracasos bien marcados la tenían algo triste y apresurada por lograr realzar su talento ante el público. Esta podía ser la oportunidad.
Así fue como un 19 de Junio de 1964, en los estudios Hitsville U.S.A, el dúo de compositores le presentó la canción a Reeves. En esa ocasión Gaye fue el encargado de cantarla frente a las chicas y de enseñarle cada detalle que tuvera que ver con la voz principal. Tras escucharla, Martha encontró que la canción era muy repetitiva y  le preguntó a los compositores si ella se podía hacer cargo de los arreglos vocales, ya que tenía una idea para encajar los coros con la parte musical y hacerla mas vendible. La respuesta fue positiva, y la banda con los productores empezaron a trabajar.

Pero tras grabar las voces, Gaye y Stevenson no estaban muy a gusto aún con la parte instrumental, y para  incluir nuevas ideas decidieron contactar al también productor y compositor Ivy Joe Hunter. Este personaje venía de trabajar junto a Stevenson en varias grabaciones de emblemáticas y su especialidad era hacer arreglos instrumentales de alta calidad.
La tarea para la que Hunter fue contactado era depurar algunos detalles de "Dancing in the Street" , con el fin de darle mas "power"  y hacerla aún mas bailable de lo que ya era en ese entonces. Una vez que escuchó la canción, Ivy le señaló a sus colegas que la canción no estaba mal pero que el único detalle que estaba faltando era una buena pista de batería (la cuál fue tocada por Gaye) , y eso era mas que esencial para una pieza con aires festivos y positivos.

Cuenta la leyenda que tras dar su veredicto a la "rola", Hunter fue a su auto en busca de una llave de cruceta, y tras volver al estudio de grabación se sentó en el suelo y le pidió a sus colegas que empezaran a grabar. Imagínese esa cara de sorpresa de Marvin y William al ver a un motivado (y mega-sudado) Hunter golpear el piso de concreto con esa herramienta para aflojar y apretar las llantas de cualquier vehículo y que ahora tenía un fin musical, y este era darle un efecto potente a la percusión. Eran otros tiempos, hoy sería fácil programar un sonido en el computador o usar un sintetizador, pero ese simple y artesanal efecto de sonido marcó historia para la Motown.

En el momento de su lanzamiento al público, Estados Unidos vivía un periodo marcado por las protestas a causa del apogeo del movimiento de los derechos civiles, donde muchos afro-americanos salieron a la calle a reclamar en contra de la discriminación y ponerle punto final a la segregación racial.
Si bien "Dancing in the Street" solamente fue hecha para la pista de baile (de hecho varios analistas dicen que fue uno de los pilares fundamentales para la música Disco setentera), muchos de los manifestantes y activistas la tomaron como un himno que llamaba a salir a la calle y pelear por esta causa social que provocaba disturbios en diversas ciudades del Sur de Estados Unidos. Esto tuvo cierta repercusión en los medios, donde incluso fue catalogada como canción "protesta" y en mas de una ocasión fue censurada de las parrilas programáticas de las radios que no se querían mezclar con los problemas que aquejaban a su país  Pero también este hecho ayudó a su popularidad, ya que la canción fue muy  valorada por los líderes de este movimiento social y fue entonada durante las marchas.

Mientras la canción escalaba en los charts de Estados Unidos (donde llegaría hasta el puesto #2) y la popularidad de Martha y sus compañeras iba en aumento, crecía la tesis de que esta canción tenía cierto mensaje ligado a esas causas sociales. Muchos periodistas intentaron dar con la opinión de los autores pero estos simplemente no querían responder y dejaban todo revotando en la incertidumbre.
Pero cuando llegó el momento en que "Dancing in the street" entró en el Top Ten de los charts británicos y el trío femenino tuvo que ir a promocionarlo a la tierra de Los Beatles, muchos periodistas fueron al aeropuerto a capturar alguna frase de la interprete con respecto esta polémica. Lo que pasó en esa ocasión fue de antología, ya que un periodista catalogó a Martha Reeves como líder y militante de las agrupaciones que apoyaban el movimiento social de su país y que en su canción ella llamaba públicamente a la revuelta. Tras escuchar eso, y en medio de una plaga de flashes, sombreros y preguntas por doquier, una sorprendida Martha le respondió a ese periodista "Querido, solo es una canción para bailar".

Mientras la canción llegaba hasta hasta la sexta posición en los charts  del Reino Unido, Berry Gordy, el que fuera compositor, dueño y creador de la Motown, le señalaba a la prensa que la canción solo tenía una letra inocente y no tenía nada que ver con el contexto social y político del país. Es que Gordy no quería por ningún motivo que se le hiciera alguna relación de su compañía discográfica con los movimientos sociales, ya que su  idea de crear un sello musical para cantantes negros se debía simplemente a que quería preservar el pensamiento y la creación musical, lo cuál estaba muy alejado de las actividades políticas.

A pesar de todos los intentos por sacarle esa chapa de supuesta "canción protesta", el clamor popular fue mas fuerte y "Dancing in the street" dejó de ser una simple canción bailable para quedar por siempre como una canción que llamaba a la paz y que además llamaba a reclamar en la calle, de manera pacífica, por esas cosas que encuentras injustas o cuando se quiere encarcelar la libertad con leyes absurdas, quedando dentro del soundtrack de uno de los movimientos sociales mas comentados en la historia de los Estados Unidos.

Estos fueron los motivos para que la canción se convirtiera en un éxito rotundo y que en 1982 apareciera la banda estadounidense Van Halen entonando esta canción (con sintetizadores incluidos)  y logrando entrar al puesto #38 del Billboard Hot 100 y volviendo al ruedo musical a Martha & The Vandellas.
Pero el golpe mas fuerte, desde el lanzamiento de la versión original, lo dio la dupla conformada  por Mick Jagger y David Bowie, quienes en 1985 hicieron una llamativa versión de la canción con fines benéficos. Es que estos dos monstruos del rock lograron llegar al séptimo lugar de Billboard e hicieron mas planetaria esta canción tan comentada en los 60's.
Que la disfruten!!!


lunes, 18 de febrero de 2013

BEAST OF BURDEN / THE ROLLING STONES


"Beast of Burden" es una canción de la banda británica The Rolling Stones, que fue lanzada como single el 9 de Septiembre del año 1978 y fue incluída en el exitoso LP "Some Girls".
Este disco fue el renacimiento de la banda en los 70's, ya que tras ser tachados por la prensa como una banda en extrema decadencia o simplemente como veteranos del rock and roll que simplemente vivían aún una burbuja musical "retro" decidieron empezar a depurar su estilo e incluirle tintes de música disco y riffs ligados al Punk rock, estilos que por ese entonces "la llevaban".
Así fue como comandados por Mick Jagger, mientras el bueno de Richards resolvía sus problemas con las drogas, la banda lazó al mercado un disco potente, muy alineado a los nuevos tiempos y que en cada canción los mostraba renovados y con nuevos aires y que fue considerado por esa prensa que antes los "mataba" como uno de sus mejores discos. Por algo "Some Girls" llegó a vender cerca de 6 millones de copias en los Estados Unidos y casi 10 millones en todo el planeta y quedó para la historia del rock como uno de los discos mas memorables de esta mítica banda que aún sigue en la carretera dándole duro a sus clásicos.

"Beast of Burden" en español es algo así como "bestia de carga", mas bien relacionado con esos animales que sirven para transportar cosas, sea un caballo o un buey. Esa fue la relación metafórica que usaron Jagger y Richards para referirse a una mujer muy particular y su relación amorosa. Ellos no querían transportar problemas, no querían ser pilares de una relación ni prestar hombros, ellos querían amor en estado puro (pero al estilo Stones!!). Pero la canción no es solo de amores extraños, sino que trae un mensaje de amistad y lealtad.
Esta canción fue escrita en Octubre de 1977, y se cuenta que el que llevó la batuta musical en ese proceso de creación fue Keith Richards. "Fue otra de esas canciones donde Mick [Jagger] llegaba a completar los versos. Con los Stones, tomabamos una canción de larga duración, la tocabamos y luego analizábamos si era o no negociable. A veces las ignorábamos, a veces solo la agarrábamos y de inmediato la grabábamos" comentaría el guitarrista en una entrevista del año 1993.

Por alguna extraña razón, se creía que Keith en primera instancia habia escrito parte de la letra en homenaje a Mick Jagger, quien se había puesto en los hombros el liderazgo de la banda tras los problemas judiciales que pasaba el guitarrista (estaba pasando un proceso delicado debido a un juicio por posesión de drogas).
El primer indicio tivo lugar a mediados del año 2003, cuando Richards dejó muy en claro que la canción contiene un homenaje a su colega y amigo de carreteras y escenarios: "Cuando volví al ruedo tras cerrar los laboratorios (en referencia a las drogas) decidí entrar al estudio e ir directamente donde Mick para decirle 'Gracias, hombre, por asumir esta carga ". Es una de las razones por las cuales  escribí "Beast of Burden " para él, y ahora recien me doy cuenta".
Pero en Enero del año 2012, en una entrevista con la Mojo, Richards admitió que Jagger no lideró a la banda por sus problemas judiciales de ese entonces, sino que había un acuerdo entre él y el vocalista para compartir ese rol. Además agregó que "Mick escribió varias partes en ella, pero  yo puse la idea principal. Mick estaba acostumbrado a llevar banda, donde Charlie era el baterista, yo era el otro guitarrista que estaba tratando de decir 'OK estoy de vuelta, así que vamos a compartir un poco más de nuestra energía, compartamos esta carga, hermano' "

Lo cierto era que en ese entonces las letras no eran tan importantes para la banda, salvo en esta canción donde hay cierta inspiración por temas que los rodeaban, ya que ellos privilegiaban ciento por ciento lo musical. Por esa razón muchas de las líricas de las canciones fueron escritas en el mismo estudio y casi improvisando. Pero el proceso de producción estaba ya ejercitado, Keith traía una idea, unos bosquejos y Jagger las completaba mientras iban ensayando. Bajo ese proceso aparece "Beast of Burden", con su letra tan simple pero a la vez tan cargada de emociones, y que fue una excelente combinación de ideas que se adaptaron de manera perfecta a la música. De allí es que la letra parece ser tan significativa para la banda, pero no tan emocionante para los eruditos e incluso se torna un poco repetitiva en su parte final, pero a la vez tenía calidad, y de eso estos "gallos" sabían.

Sobre la canción, el otro guitarrista de la banda (que por ese entonces se incorporaba a la banda), el ex- Faces, Ron Wood también regaló una perlitas sobre el ambiente de grabación y las partes de guitarra de esta clásica pieza musical de la banda: "Es de esas canciones que te llegan con mucha naturalidad en el estudio y fue simple, pesqué mi parte y la toqué junto a Keith. Parecía que todo estuviera planeado, pero la canción salió de manera natural, tal como llegó... Cada acorde tiene algo especial. Eso la hace muy asombrosa. De una manera muy espontánea íbamos turnando las partes, cuando Keith hacía partes altas yo hacía la parte del bajo y así. Era una forma antigua de grabar, y aun estamos impresionados por el resultado de las guitarras. Nunca estuvo planeado".

En materia musical "Beast of Burden" tiene aires a Soul, también tiene aires a música Motown a ratos pero son aires renovados. En esta balada cada integrante de la banda nos regala un relajo, como si estuvieran ensayando un día cualquiera y un fans o un "colado" coloca la grabadora. De hecho, el ingeniero Chris Kimsey, que trabajó en la producción de este disco y single, declararía que los Stones querían sonar como si estuvieran en su sala de ensayo, como si fuera la rutina de siempre y sin tantos arreglos, condimentos musicales de otro mundo o efectos sonoros, o sea querían sonar al natural y en esta canción lo lograron de manera perfecta.
Ojo con el bajo de  Bill Wyman, el cuál suena sólido y se mezcla de manera perfecta con el mar de guitarras, una sinfonía perfecta para cualquier día de Otoño.

La canción llegó al puesto #8 del Billboard Hot 100, y logró que las críticas fueran positivas ante este nuevo retorno de la banda a las pistas. Pero eso no fue todo, ya que en el año 2004 la revista Rolling Stone la ubicó en el puesto #435 en su lista "The 500 Greatest Songs of All Time" y en la casilla #433 de las " 500 Greatest Rock and Roll Songs of all time". Queda claro que es un clásico de clásicos!!
Que la disfruten!!!


viernes, 15 de febrero de 2013

ROLL OVER BEETHOVEN / ELECTRIC LIGHT ORCHESTRA



"Roll Over Beethoven" es una canción interpretada por la banda británica Electric Light Orchestra, que fue publicada como single en Febrero del año 1973 y además está incluida en el disco ELO 2, publicado en ese mismo año.
Liderados por un fanático a rabiar de The Beatles llamado Jeff Lynne (mención honrosa para Roy Wood y Bev Bevan) , esta banda oriunda de Birmingham hizo historia en los setentas con canciones emblemáticas y discos donde mezclaban el rock and roll, el Pop y la música disco con hermosos sonidos de cuerda, dándole un toque característico a la leyenda musical de esta agrupación.
Tras su primer disco la prensa no llegó a entender para donde iba esta banda en materia musical. La mezcla de sonidos, de estilos y un repertorio bastante "raro" hicieron que la crítica fue muy negativa hacia su trabajo. Pero el camino se empezó a despejar con la salida del LP Elo II, donde  con un sonido mas puro, mas depurado en cada detalle y quizás también mas agradable para los oyentes finos, dejó en claro que esta banda no era solo de rock and roll sino que traía otros condimentos a la mesa y se atrevían a ir mas allá.

Para lograr mas aceptación de parte del publico y promocionar de mejor manera su disco la banda decidió usar la famosa técnica de  aferrarse a un cover, es decir, hacer una re-versión de algún clásico de clásicos con toques mas potentes e innovadores para evitar hacer un "bodrio". Y eso, los muchachos de la ELO lo sabían muy bien.
En Mayo del año 1972 la banda empezaba a grabar el  repertorio para su nuevo disco en los AIR Studios de Londres, y  Jeff Lynne se pasaba noche y día cabeceando ideas y canciones conocidas que podían grabar a modo de "cover". Tras varias horas y varios cafés sobre la mesa, el guitarrista, vocalista y compositor de la banda estaba entre dos canciones que la banda venía tocando desde sus inicios y que ya habían presentado en algunas tocatas. Estas eran el hit del Jerry Lee Lewis "Great Balls Of Fire", que data del año 1957 y la famosa rola del maestro Chuck Berry, "Roll Over Beethoven"  que fue furor en el año 1956.

Era obvio que por los tintes clásicos, la potencia de la guitarra y sus divertidas menciones a varios próceres de la música docta, la elegida tenía que ser esa canción que Berry escribió en honor a su hermana Lucy, que adoraba las sinfonías y la música de cámara, y las tocaba en el piano que cada vez que su hermanito quería tocar sus acordes de rock and roll en casa. Lynne sabía que esa rola tenía un buen rollo y que sería muy natural interpretarla en vivo y también en el estudio.
Para poder ensayarla de mejor manera, y captar toda la energía musical de cada acorde, Lynne decidió incluirla en las presentaciones de la banda con un arreglo muy especial: Iniciar con la famosa "Novena sinfonía" y mezclarla con la "Quinta Sinfonía" para darle un homenaje rockero y moderno al amigo Beethoven.

Cuando todo iba viento en popa, apareció el primer problema para la banda: Un agotado Roy Wood decide dejar la banda y eso provoca un nuevo dolor de cabeza para Lynne, ya que el multi-instrumentista era un pilar fundamental para el disco y para la realización de esta canción. Mas encima, meses después Wood forma una nueva banda, la emblemática Wizzard, y le logró quitar dos integrantes a la ELO.
Pero el show tenía que continuar, y Lynne junto a  sus compañeros deciden grabar su versión de  "Roll Over Beethoven" el 8 de Septiembre del año 1972 en los mencionados AIR Studios.
En esas sesiones Jeff tomó la batuta de la banda y como si fuera un director de orquesta se encargó de todos los detalles e incluso de la producción.  Pero eso no fue muy bien recibido por el resto de la banda y aparecieron ciertas rencillas típicas de rockeros en periodo de grabación.
A partir de ese tenso momento, Lynne le deja cancha para que el resto de los integrantes de la banda empiecen a dar sus ideas. Así fue como Michael De Albuquerque se encargó de la parte del bajo e hizo unos llamativos arreglos, lo mismo que el violinista  Wilf Gibson quien hizo su parte de violín y arregló partituras para las demás cuerdas. "La parte instrumental donde aparece el solo de violín es mía"  declararía años después Wilf.

Para grabar las voces, Jeff  fue a varias tiendas en busca de micrófonos baratos, esos que eran para uso doméstico. La razón era que quería que las voces sonaran poco depuradas, que fueran un contraste a las técnicas mas modernas que ellos practicaban y que tenían a mano. Lynne quería que las voces sonaran como si fuera una grabación de los 50's.
Una vez que estaban listos para grabar las voces, ocurrió un nuevo problema: Lynne no se sabia gran parte de la letra (!). Puede sonar raro, ya que esta rola formaba parte de sus conciertos, pero lo cierto era que al momento de interpretarla en vivo el vocalista simplemente en algunas partes cantaba lo primero que se le venía a la cabeza ocasionando un problema muy llamativo a la hora de grabar.
Debido a este problema, la banda tuvo que contactar a algún dueño de disquera o un fans a rabiar de Chuck que tuviera la letra a mano. Por suerte, Bev Bevan se acordó que tenía una copia del vinilo original en su disquera, llamada Heavyhead Records, la cuál estaba en Birmingham y que administraba junto a Ronny Smith.

Asi fue como Bevan llamó de manera urgente  a Smith y este por teléfono le fue dictando la letra. Es que Smith, que se declaraba fanático de Berry, que  se sabía de memoria la letra de "ROB" y sin querer fue de vital ayuda para la ELO. Lamentablemente, no se sabe si fue error de Smith (difícil creerlo) o simplemente una broma de Lynne en que aparecen ciertas frases incorrectas o cambios de estrofas con respecto a la original. Por ejemplo, en la tercera estrofa Jeff canta la frase "need a shot of rhythm and blues" cuando en la original en esa estrofa aparece la frase "the jukebox's blowin' a fuse"; algo parecido pasa cuando  Jeff canta la frase "a-singin' that rhythm and blues" pero en la original corresponde a la frase "and my soul keeps a-singin' the blues" .
Una de las tantas hipótesis que se maneja con respecto a estos errores en la letra, es que quizás Smith en vez de dar la letra de la version original (de su supuesto ídolo) les pasó la letra de la versión que hicieron The Beatles en Noviembre del año 1963. La razón de esta teoria (?) es que en la parte final la original dice "the music won't never stop" pero fue cambiada en la versión de ELO por "the music will never stop"... Y eso pertenece a la versión de The Beatles!!.

Y hablando de los "Fab Four", esta canción también contiene otro momento ligado a esta emblemática banda. Es que mientras la banda grababa la pieza de Berry, apareció por el estudio el productor George Martin, quien además era el dueño de los AIR Studios. En esos días Martin se encontraba trabajando junto a Paul McCartney en la canción "Live and Let die" y aprovechó un descanso para ir a ver a la ELO que estaba sacando del horno su nuevo single. Cuando escuchó esa llamativa versión de la canción, Martin simplemente le dijo a Lynne y sus secuaces: "Creo que ustedes conseguirán gran éxito con esta canción". Martin y su experiencia tras las perillas eran una voz obligada para analizar si sería o no un gran single y obviamente esas palabras dejaron muy optimista y seguro a Lynne, quien siempre se declaró un fanático de The Beatles (y con el tiempo trabajaría con tres de ellos!!!).

"Roll Over Beethoven" fue lanzada como single sólo para el Reino Unido, un 12 de enero de 1973 y el 27 de ese mismo mes llegaba de manera sorpresiva al puesto #6 del UK Singles Charts, y estuvo dentro del Top 10 hasta el 17 de febrero. Un mes después de su lanzamiento en tierras británicas, el single fue publicado en EE.UU. donde recién el 28 de Abril logró entrar en el puesto #42 del Billboard Hot 100 y se mantuvo casi 16 semanas en esa lista. Tuvo una repentina vuelta a esa lista el 11 de agosto 1973, pero la primavera sólo duró dos semanas. Muchos críticos dicen que en los Estados Unidos  esta pieza fue un éxito a nivel underground, donde varias radios piratas la dejaron en su Top 10. A pesar de todo, este sería el primer gran hit de la banda... Y el único en donde no aparece Lynne en los créditos.

Otro detalle llamativo con respecto a esta versión del clásico de Chuck Berry es la duración de la canción. Es que existen notables diferencias entre las versiones británicas y la norteamericana. Si bien en el single hay empate (en ambos lados del charco dura 4:32), en la versión del disco existe una notable diferencia. Mientras que para la versión de ELO 2 el Reino Unido esta canción dura 7 minutos en estados Unidos trae un minuto más. Para Lynne, la versión original que ellos grabaron para el LP es aquella de 7 minutos, y de hecho esta fue publicada en Japón meses después. Con respecto a la otra versión, que era alternativa, pasó a ser parte de la edición estadounidense solo por un error de la discográfica (la EMI) y la ELO no tiene nada que ver. Asi que señor(a) lector(a) no se asuste si compra un compilado y esta canción viene de 8 minutos y cree que tiene una rareza... Solo fue un error de comunicación.
Que la disfruteeeeeen!!!


miércoles, 13 de febrero de 2013

YOU GOT IT / ROY ORBISON


"You Got It" es una canción del cantante y compositor estadounidense Roy Orbison, que fue publicada en el año 1989 en el album "Mystery Girl". Dicho trabajo musical tenía como misión hacer volviera  alas pistas a este emblemático cantante sesentero, cuya influencia es enorme para muchos de sus colegas y que tuvo un repentino "boom" de popularidad cuando formó parte del famoso supergrupo The Traveling Wilburys, el cuál estaba comandado por el ex- ELO, Jeff Lynne.
Orbison (nacido un 23 de Abril de 1936 en Vernon, Texas) es uno de los grandes personajes de la música pop-rock, gracias a un legado musical que fue muy admirado por muchas generaciones y además por poseer una de las voces mas llamativas dentro de ese circulo de artistas que rondaban esa época. Es que poseía una voz dulzona y a la vez desgarradora que emocionaba hasta no dar mas, y que se mezclaba de manera perfecta con esas eternas baladas de desamor que hoy son parte del cancionero popular.

La historia cuenta que en el año 1976 la carrera musical de Orbison ya estaba por los suelos. Problemas con las discográficas, singles sin mucha producción e ideas vagas para renovar su estilo musical hicieron que el cantante simplemente fuera llamado para cantar su antiguos hits o simplemente para recordar desde un sillón pasajes de la "ola" sesentera.
Pero todo cambiaría a mediados del año 1987. Por esos días, el también cantante y compositor, Jeff Lynne estaba pasándolo de lo lindo en materia musical con George Harrison en su estudio de grabación. El ex-ELO y el Ex-Beatle pasaban tardes enteras grabando pistas, haciendo uno que otro cover de sus canciones de antaño o simplemente improvisando alguna melodía que ayudara a pasar el tiempo y las risas.
Fue en una de esas tardes en que Harrison (al cuál Jeff consideraba "ídolo de infancia") tuvo la genial idea de llamar a uno de sus amigos que también estaba con ganas de tocar algunas canciones. Ese amigo, al cuál llamó George, se llamaba Roy Orbison.


Días después se juntaron en el estudio Lynne, Harrison y Orbison, donde tocaron viejos covers y analizaron la idea de establecer su base musical en California. Lamentablemente Roy no estaba muy a gusto con la idea de mudarse a esas tierras, ya que tenía compromisos familiares y quizás también se le pasó por la mente de que simplemente sería tiempo perdido. Finalmente, y para no quedar mal con los "capos", "The Big O" le dijo a sus compañeros que cuando gusten lo llamaran para alguna sesión de grabación puesto que en cuestión de horas pescaría un avión a Los Angeles para pasarla bien y grabar una que otra rola.


Pasaron los días, y algunos meses hasta llegar a la temporada de Navidad en 1987. En ese entonces Roy estaba descansando en su casa en Malibú cuando recibió una llamada telefónica de Lynne. "¿Tienes tiempo para grabar algunas cosas, Roy?", y en cuestión de horas Orbison ya estaba rumbo al estudio de grabación.
En esas sesiones navideñas Lynne llevó a otro de sus mosqueteros, se trataba del músico estadounidense Tom Petty, quien quedó muy sorprendido al ver a Orbison sentado frente a él ya que nunca tuvo el agrado de conocerlo en persona hasta ese bendito día. Y para empezar a "romper el hielo" y así poder generar un ambiente bueno en la grabación, Tom invitó a Jeff y a Roy a pasear por la ciudad en su nuevo Corvette. Según palabras del propio Petty, aquel día lucharon como una hora en poder bajar la campana, ya que ninguno de los tres había tenido un auto descapotable. Ese duro momento plagado en risas hizo que los tres musicos entraran al estudio bien inspirados y con muchas ganas de trabajar en algo nuevo.

Tras el paseo, Roy le enseñó a Jeff y a Tom una canción que estuvo escribiendo días antes de este encuentro. Era una melodía algo simple y que su letra hablaba sobre el amor ;eso sí, no en tonos tan melancólicos como un sus clásicos de antaño (basta con escuchar "Only The Lonely") ya que esta vez tenía aires positivos y optimistas al hablar sobre un hombre que le dice a su chica que ellos están destinados, por alguna extraña razón, a estar juntos por siempre. Es si, la canción estaba dedicada a su amada esposa.
Tras escucharla atentamente, Jeff pescó un teclado "Casio" y empezó a grabar algunos arreglos a esa canción. Posteriormente Roy y Petty pescaron sus guitarras y siguieron los acordes de Lynne. Con el paso de los minutos el trío de músicos (vaya trío de genios!!!) idearon un nuevo coro a la canción y las segundas voces. La canción, que fue grabada en sólo tres tomas, fue bautizada como "You Got it", y pese a que la idea principal fue de Roy en los créditos del disco aparece en promera instancia Jeff Lynne. Eso quiere decir que el que llevó la batuta fue el autor de "Confusion".

Pero aún faltaba darle los toques finales a esta nueva "rola". Para ello tenemos que viajar al maes de Abril del año 1988, cuando los tres mosqueteros (?) viajan a Rumbo Studios en Los Angeles. En ese estudio los tres músicos graban "You Got it" y un par canciones más, pero la que más tuvo importancia fue la que llevaba en voz principal a Orbison.
En esas sesiones, Jeff tuvo cierta dificultad en grabar la voz principal. Es que Orbison era cosa seria para poder alistar lo micrófonos y sus técnicas eran bastantes "raras" con el fin de captar de mejor manera su grandiosa voz. Por ello, Lynne quedó asustado cuando en la primera toma Orbison casi destroza los parlante con la energía de su voz (?). Tras dos intentos más, la canción ya estaba lista para ser mezclada. Posteriormente Roy, Jeff y Tom agregaron los coros y la canción estaba lista para ser incluida en el disco que traería de vuelta a las pistas al gran Roy Orbison: el Mystery Girl.
Cabe señalar que tras grabar "You Got It", estos tres músicos se unieron a George Harrison y a Bob Dylan para grabar bajo el nombre de "Traveling Wilburys" la canción "Handle With Care", que sería su primer single y un éxito rotundo a nivel mundial.

Mientras el disco ya estaba en proceso de mezclas, un renovado Roy Orbison viajó un 19 de noviembre de 1988 a Bélgica, donde se le entregaría un premio en los Diamond Awards. Para ese show el artista fue invitado a tocar en el escenario, y esto fue aprovechado por los productores para capturar imágenes para el videoclip de su nuevo single, la ya comentada  "You Got It", que tenía como fecha de salida para el mes de Enero del año siguiente.
Uno de los productores alertó a los familiares que en esa ocasión el aspecto del músico era muy extraño, ya que se le notaba agotado tras cada una de las presentaciones. Pero Orbison quería volver a la cima de los charts y a obtener esa popularidad que se le fue a partir del 1976, cuando malas decisiones y el poco ánimo a renovar su estilo lo llevaron al fracaso.
La agenda del músico fue muy apretada (recorrería gran parte de Estados Unidos haciendo entrevistas y hablando de nuevos proyectos), su "revival" lo vivía a concho y simplemente esperaba que saliera su disco para ponerse en forma y empezar a tocar en vivo nuevamente a pesar de ciertos dolores musculares y un cansancio que día a día le hacia la tregua. Hasta que el 6 de Diciembre de 1988 tras cenar en casa de su madre en Tennessee, Orbison dejó de existir a causa un fulminante ataque al corazón. Tan sólo tenía 52 años.

Tras el luto, los productores decidieron seguir con la idea dejada por el músico, y publicar en Enero de 1989 la canción "You Got It", esa que había dejado seleccionada como primer single, esa que le trajo nuevamente las ganas de escribir música y disfrutarla.
El 25 de Marzo de ese año la canción llegaba a la casilla #9 Billboard Hot 100, y pese a que ya estaba en los cielos tocando con otros ídolos, Orbison lograba entrar al Top 40 de esta lista tras 24 años de espera.
Pero eso no era todo, ya que una semana después la canción llegaba a la tercera posición del UK Singles charts, dejando en claro que su voz, su legado y su espiritu estaban mas vivos que nunca.

Curiosamente, cuando sale a la venta el single de "You Got It" en Estados Unidos en Enero de 1989, a los pocos días aparece una canción con un título muy parecido, se trataba de "You Got It (The Right Stuff)" interpretada por los (plasticos) New Kids On The Block. Por suerte no existe ninguna relación entre las dos canciones...
Que la disfruten!!!!



lunes, 11 de febrero de 2013

THE BITCH IS BACK / ELTON JOHN


"The Bitch Is Back" es una canción del músico británico Elton John, que fue publicada como single un 3 de Septiembre del año 1974 y que además está incluida en "Caribou", el octavo disco de estudio de este artista oriundo de Pinner, Middlesex.
"Caribou", que debe su nombre a los estudios de grabación en Nederland, Colorado, fue un disco que pilló a Elton y sus secuaces en un momento de alta presión por parte de la disquera y otros asuntos pendientes (una gira a Japón era lo que mas apresuraba la salida del disco). Es que en Enero de 1974 y en tan sólo 9 días, Elton John y sus músicos trabajaron en las canciones para su nuevo proyecto bajo una presión enorme y un desgaste que años después le pasaría la cuenta.
A pesar de ello, el disco fue muy bien recibido por la fanaticada, ya que logró entrar a la cima de los charts del Reino Unido, Nueva Zelanda, Dinamarca, Canadá y Estados Unidos. De hecho, en este ultimo país el LP fue tuvo un éxito rotundo, logrando incluso un disco de Oro y llegar al año 1993 con un disco doble de platino bajo el brazo.

Como siempre, la letra de la canción estuvo a cargo del poeta, escritor y amigos personal del pianos, Bernie Taupin ;y la inspiración vino de una situación muy particular que incluye al pianista, al letrista y a la mujer de este último.
Resulta que una tarde en que estaban cenando Taupin y su mujer, Maxine, tuvieron un invitado sorpresa: Elton John. Pero la ocasión no fue muy grata cuando el cantante llegó de malas "pulgas" y se quejaba de todo, del mundo, de la política, de las calles y quizás de que mas. Así fue como entre la selva de quejas, Maxine le dijo de manera irónica y burlona a Bernie la frase:"Uh-Oh, the bitch is back" (algo así como "la perra ha vuelto"). Y esa frase hizo el click" en la mente de Bernie, quien a la noche ya tenia lista una nueva letra para enseñarle a su compañero, que fuera catalogado como "perra" por la esposa de este, su gran amigo. De esa manera aparecía en la palestra "The Bitch Is Back".

No había mucho tiempo disponible para tantos arreglos, así que Elton y Taupin solo tuvieron  que depurar unos cuantos detalles para grabarla de manera inmediata.
En materia musical, la canción tiene un estilo rockero-Glam, donde Elton decide invitar a la famosa banda estadounidense Tower of Power para que se hicieran a cargo de los bronces. Es que esta sección de la banda, liderada por Emilio Castillo y que contaba con Lenny Pickett, Stephen Kupka, Greg Adams, y Mic Gilette, tuvo una fama aparte tras participar en grabaciones de artistas como Phil Collins, Santana, Toto, Cat Stevens,John Lee Hooker, Rod Stewart, Jefferson Starship, Aerosmith entre otros tantos más donde destacaron por su buen trabajo y su buena disponibilidad ante cualquier proyecto.
En el año 2006, el mismísimo Emilio Castillo mencionaría en una entrevista lo importante que fue para ellos, como banda, el haber trabajado en esta canción: "Esto es lo que hacíamos  con todo nuestro sudor en la frente. Todo se lograba de forma natural y estoy seguro que eso es lo que nos hace tan especiales. No hay muchas secciones de vientos en el mundo como nosotros, que a pesar de tener un estilo propio también lográbamos captar nuevos trabajos, recortar nuestras notas, tocar algo ritmos más apretados, y en general siempre estamos atento a lo que buscan los chicos en sus trabajos".
Pero eso no era todo, ya que en la grabación de la canción también estuvieron presente dos "figurazas" de la música británica: John Lennon en pandero y Dusty Springfield en los coros.

Posteriormente, con el paso de los meses, la canción fue elegida para ser single y así promocionar el nuevo LP de Sir Elton John. Era bastante valiente, y arriesgado, publicar una canción donde en el título apareciera la palabra "Bitch". Y generó aun mas controversia cuando el humilde (?) Elton dijo en una entrevista que esta canción trataba "un poco de su manera de ser".
De esa forma, la discográfica hizo las  de "tiki y tako" para que las radios se dignaran a colocarla en sus parrillas programáticas, pero la batalla fue muy difícil ya que era considerada como una ofensa a la moral y las buenas constumbres por parte de los críticos y sectores conservadores. Por esta razón, y para evitar la censura y el futuro fracaso del single, se editó una versión para radios "conservadoras" donde se borraban amablemente los "bitch", aunque había un problema: Esa polémica palabra aparecía 42 veces dentro de la letra. Todo sea por lograr buenos resultados en los charts...

A pesar de esos detalles,"The Bitch Is Back" fue un rotundo éxito para Elton John, incluso fue catalogada años después por la prensa especializada como uno de los mejores cortes rockeros dentro del extenso cancionero de este famoso cantante y pianista.
La canción llegó a la cima de los charts en Canadá (el cuál seria su sexto "number one" en tierras de Johnny Canuck (?)). Mientras que llegó a la cuarta posición del Billboard Hot 100 y a la casilla #5 del UK Singles charts, demostrando que ni la censura podía tapar la fama de Elton John.
Que la disfruten!!!

martes, 5 de febrero de 2013

LOVELY RITA / THE BEATLES


"Lovely Rita" es una canción de la banda británica The Beatles, la cuál está incluida en el disco "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" que fue publicado el 1 de Junio del año 1967.
Hablar del "Sgt. Pepper" es hablar de un disco histórico para el Rock, que generó escuela, que aparecieran mas imitadores y que a la postre dejara a esta banda inglesa nuevamente en la cumbre del éxito. No suena extraño señalar que incluso este LP es una pieza emblemática para la historia de la música popular, ya que fue publicado a mediado de los sesentas, cuando la tímida Londres y su neblina provocaban un ambiente extraño, mientras que al otro lado del "charco" se vivía la otra cara, era  el "Verano del Amor", la revolución de la flores con esos hippies que rompían reglas con sus estilos de vida alternativos y con una cultura musical muy rica en nuevas corrientes de pensamientos. Y "Sgt. Pepper" llegó a romper el molde, llegó a ser una nueva banda sonora con Beatles con bigotes, una portada también histórica, con canciones a ratos extrañas, letras inyectadas con eso que se conocía como "psicodelia" y una nueva metamorfosis.
Y las cifras no mienten a la hora de hablar de éxito, ya que en tan sólo una semana vendió 250.000 copias y  llegó a las 500.000 a finales de junio. De hecho, hasta Noviembre del año 2000 era el álbum más vendido de todos los tiempos en el Reino Unido y ocupaba la sextoa casilla a nivel planetario. No hay dudas, es un disco que hizo el cambio...

La historia de esta canción empieza a finales del año 1966, cuando Paul McCartney se encontraba en casa  su padre  improvisando algunas melodías. Mientras "Macca"  anotaba algunos acordes, uno de los asistentes de esa tarde musical le mencionó que en los Estados Unidos se les llamaba con el término "meter maid" (algo asi como "doncellas"), a las mujeres que trabajaban como parquímetros. Paul McCartney tomó muy a gusto ese dato, y lo dejó archivado en su mente para alguna pieza musical. Asi lo diría el mismísimo autor en 1978 en el libro "Beatles In Their Own Words" de Barry Miles:  "Estaba aporreando el piano en Liverpool cuando alguien me dijo que, en América, a las guardias que se ocupan de los parquímetros las llaman "doncellas" de los parquímetros. Aquello me encantó y entonces salió la frase 'Rita Meter Maid' y luego 'Lovely Rita Meter Maid'; al principio pensé vagamente en una canción de odio: 'Te has llevado mi coche y me has dejado colgado', para que ella te cayera mal; pero luego pensé que sería mejor amarla, y que podría ser un poco rara, como un militar, con el bolso al hombro. Una canción animada, pero simpática".
El resto de la letra fue escrito por Paul McCartney mientras iba en camino a la casa de su hermano Michael, mas conocido como "Mike", en Liverpool. "Recuerdo que una noche salí a dar un paseo a la casa de mi hermano. Mientras caminaba fui inventando frases, jugando con la letra de la canción ... No estaba basada en una persona real, y simplemente le puse como protagonista a una joven llamada Rita" recordaría Paul en el libro Many Years From Now, de Barry Miles
En otra de las entrevistas con Barry Miles (que fue amigo personal de la banda), Paul declara otros datitos sobre la letra, incluso deja en claro que hay cierto mensaje incluenciado por las drogas (en este caso la marihuana) : "En la canción imaginaba que me tomaba la matrícula y que de pronto me enamoraba de ella; entonces pensé en qué tipo de persona tenía que ser yo para enamorarme de una "doncella" de parquímetros, quizá un tímido oficinista que le dice 'May I inquire discreetly when you are free to take some tea with me' (¿Puedo preguntarle discretamente cuándo está Vd. libre para tomar el té conmigo?). "Té, no marihuana. Es como decir 'Ven a cortar la hierba' y pensar que puede ser marihuana, o que la tetera de siempre (Teapot, tetera. La palabra pot —"olla"— significa también "marihuana") puede tener algo que ver con marihuana. Pero no me importó y dejé las palabras tal cual. No las puse intencionadamente para hacerme el gracioso con un juego de palabras".

"Lovely Rita" empezó a ser grabada el 23 de Febrero de 1967 en el estudio 2 de Abbey Road. En esa ocasión la banda grabó ocho tomas de la canción, donde George Harrison y John Lennon se ocuparon de las guitarras acústicas, Ringo a la batería y Paul al piano. La octava toma fue la elegida por la banda y Martin para empezar a grabar las voces. Este trabajo se hizo al día siguiente, donde Paul, John y George grabaron coros, y arreglaron algunas partes de la música. La banda volvería a re-grabar la canción el 7 de Marzo, donde Paul puso la voz solista y ademas agregaron ciertos efectos de sonido que fueron muy  llamativos para los asistentes a esas sesiones.

El director de orquesta para los efectos de sonido fue John Lennon, quien llevó la batuta para dirigir a los demás Beatles para hacer gemidos, suspiros y gritos, y ademas jugar con el típico papel y peineta, el cuál se puede escuchar claramente en la parte que dice "When it gets dark I tow your heart away".
Sobre esta particular sesión de grabación de la banda, el señor Tony King, socio y amigo de George Martin y posteriormente director general de la discográfica American Apple, estuvo una noche mirando el espectáculo y escuchando cada grabación, y en una entrevista sobre este fabuloso disco de la banda de Liverpool señaló el siguiente dato: "Una noche estaban haciendo 'Lovely Rita'. ¿Sabes esos ruidos tan raros de la canción?. Se hicieron con peines y papel. George Martin me dijo: '¿Te importaría echar un vistazo a otras salas del estudio y ver si alguien tiene un peine metálico?'. Luego fuimos todos al baño y nos pusimos a romper papel higiénico para conseguir el ruido que queríamos con el peine. Los Beatles podían permitirse el lujo de pasarse una hora de su tiempo de grabación consiguiendo los peines y el papel higiénico adecuados".
Sobre esto ultimo, cuenta una leyenda que cuando mandaron a Mal Evans, asistente de la banda, a buscar papel higiénico a algún baño del estudio de grabación este se mostró sorprendido cuando al encontrar uno, leyó en la "parte mas suave" del papel la frases "Propiedad de EMI".

El 21 de marzo fue la fecha donde se puso fin a la grabación de la canción, y fue el día en que George Martin grabó la parte de piano. En esa ocasión el emblemático productor grabó su parte en una cinta que iba a 41¼ ciclos por segundo, y luego la mezcló a 48 ¾ ciclos. Esto hizo que la grabación sonara mas acelerada y además le dio un toque mas agudo con respecto a la original. Con ese detalle terminado  la canción ya estaba lista para ser incluída en el disco.

Tras publicar el disco, y tras su rotundo éxito empezaron a aparecer historias que rodeaban cada canción y "Lovely Rita" no fue la excepción. De una manera sorprendente aparecieron a escena la supuesta "muerte" de Paul ( un medio de prensa aseguraba que esta canción relataba el momento exacto en que el bajista se distrajo mientras manejaba y volcó en algún camino para luego morir y engañar a todo el mundo (lluvia de ????)).
Pero eso no era todo, ya que sin querer queriendo (?) apareció en escena una mujer llamada Meta Davies, cuya profesión era ser parquimetro y que además tenía en su poder una multa que le puso a "Macca" por pasarse del tiempo. La mujer ni siquiera tuvo pelos en la lengua en decir  el lugar donde Paul recibió la multa: St John's Wood, en Londres.
"Su auto estaba aparcado ya que el tiempo había expirado. Tuve que tomar el boleto, que era solo de 10 chelines y multarlo. Cuando coloqué la multa en el parabrisas llegó Paul muy apurado y los pescó y lo tiró. Tras ver que yo estaba ahí, lo recogió y lo leyó. Luego se me acercó y me dijo 'Oh, realmente se llama Meta? Yo le dije que sí. Charlamos durante unos minutos y me dijo: 'Ese sería un buen nombre para una canción. ¿Te importaría si lo uso?" Y eso fue todo. pagó y se marchó" recordaría Meta.
Lamentablemente para esa dama, Paul negó de manera rotunda esa historia, e incluso dijo que solo puede ser coincidencia pero que incluso aún en esa parada lo duda. "Nunca ocurrió eso, jamás pensé eso de 'Wow, esa mujer me dio el billete, voy a escribir una canción sobre ella'. Nunca sucedió eso" diría un enojado McCartney.
Que la disfruteeeen!!!

Pd: Buen video y traducción del señor Mariano Beatle!!!